9 kertaa taiteen historia inspiroi muotisuunnittelijoita

Linda Evangelista Gianni Versacen 'Warhol Marilyn' -puvussa, 1991; Yves Saint Laurentin Mondrian-mekossa, syksy/talvi 1965 -mallisto; ja mekko Alexander McQueenin lomakeskuksesta, 2013

Kautta historian muoti ja taide kulkivat käsi kädessä ja loivat loistavan sekoituksen. Monet muotisuunnittelijat ovat lainanneet ideoita taideliikkeistä kokoelmiinsa, mikä antaa meille mahdollisuuden tulkita muotia taiteen muotona. Pääasiassa taide palvelee meitä ideoiden ja näkemysten ilmaisemisessa. Hieno oodina taiteen historialle alla on yhdeksän puettavaa taideteosta, jotka ovat visionääristen muotisuunnittelijoiden suunnittelemia.20. vuosisata.

Madeleine Vionnet: Muotisuunnittelija, joka kanavoi muinaista historiaa

Samothraken siivekäs voitto , 2. vuosisadalla eaa., Pariisin Louvren kautta

Syntynyt Pohjois-Keski-Ranskassa vuonna 1876, Madame Vionnet tunnettiin ompelijoiden arkkitehtina.Roomassa oleskellessaan hän kiehtoi kreikkalaisten ja roomalaisten sivilisaatioiden taidetta ja kulttuuria ja sai inspiraationsa muinaisista jumalattareista ja patsaista.Näiden taideteosten pohjalta hän muokkasi tyylinsä estetiikkaa ja yhdisti kreikkalaisen kuvanveiston ja arkkitehtuurin elementtejä antaakseen naisvartalolle uuden ulottuvuuden. Hänen mestaritaitollaan verhoilu- ja vinoleikkausmekot , hän mullisti modernin muodin. Vionnet kääntyi usein taideteoksiin, kuten Samothraken siivekäs voitto hänen luoville kokoelmilleen.

Mestariteoksen samankaltaisuushellenistinentaidetta ja Vionnet'n muusaa on silmiinpistävää.Kankaan syvä drape kreikkalaisen chitonin tyyliin luo pystysuorat valonauhat, jotka virtaavat alas figuuria.Veistos luotiin kunnianosoituksena Nikelle, kreikkalainen jumalatar voitosta, ja sitä ihaillaan sen realistisesta liikkeenkuvauksesta. Vionnetin muotoilun virtaava verhoilu muistuttaa Niken vartaloon tarttuvan kumpuilevan kankaan liikettä.Mekot voivat olla kuin eläviä olentoja, joilla on sielu, aivan kuten keho. Kuin Samothraken siivekäs voitto , Vionnet loi mekkoja, jotka herättävät ihmisiä. Klassismi sekä esteettisenä että muotoilufilosofiana tarjosi Vionnetille kyvyn välittää näkemystään geometrisessa harmoniassa.

Madeleine Vionnet'n barreiefinen friisimekko , valokuvannut George Hoyningen-Huene ranskalaiselle Voguelle, 1931, Condé Nastin kautta

Vionnet kiehtoi myös modernin taiteen liikkeet, kuten Kubismi . Hän alkoi sisällyttää geometrisia muotoja hänen luomuksiinsa ja kehitti niiden leikkaamiseen erilaisen menetelmän, jota kutsutaan bias-leikkaukseksi. Tietenkään Vionnet ei koskaan väittänyt keksineensä harhaleikkauksen, vaan vain laajensi käyttöä . Kun naiset edistyivät suuresti oikeuksiensa puolesta 1900-luvun alussa, Vionnet puolusti vapauttaan poistamalla pitkäkestoisen viktoriaanisen korsetin naisten päivittäisistä vaatteista. Siksi hänestä tuli naisten symboli vapautuminen bustiersin rajoituksista , jasen sijaan lanseerasi uusia, kevyempiä kankaita, jotka olivatkelluu naisten ruumiilla.

Pidätkö tästä artikkelista?

Tilaa ilmainen viikoittainen uutiskirjeemmeLiittyä seuraan!Ladataan...Liittyä seuraan!Ladataan...

Tarkista postilaatikkosi aktivoidaksesi tilauksesi

Kiitos!

Valentino ja Hieronymus Bosch

Maallisten nautintojen puutarha, Hieronymus Bosch , 1490–1500 Prado-museon kautta Madridissa

Pierpaolo Piccioli on Valentinon pääsuunnittelija. Uskonnollisia taideteoksia keskiajaltavetoaa häneen paljon.Hänelle inspiraation lähtökohtana on siirtymähetki keskiajalta pohjoiseen renessanssiin. Hän teki yhteistyötä Zandra Rhodesin kanssa, ja he suunnittelivat yhdessä inspiroivan kokoelman keväällä 2017. Piccioli halusi yhdistää 70-luvun lopun punkkulttuurin humanismiin ja keskiaikaiseen taiteeseen, joten hän lähti. takaisin hänen luokseen juuret ja renessanssi, löytää inspiraatiota Hieronymus Boschin maalaus Maallisten ilojen puutarha .

Kuuluisa hollantilainen taidemaalari oli yksi merkittävimmistä pohjoisen renessanssin edustajia 1500-luvun aikana. Sisään maallisten ilojen puutarha jonka Bosch maalasi ennen uskonpuhdistusta, taiteilija halusi kuvata taivasta ja ihmiskunnan luomista, ensimmäistä kiusausta Aadamin ja Eevan kanssa sekä helvettiä, joka ennakoi syntisiä. Keskipaneelissa ihmiset näyttävät tyydyttävän ruokahalunsa nautinnonhakumaailmassa. Boschin ikonografia erottuu omaperäisyydestään ja aistillisuudestaan. Koko maalaus tulkitaan vertauskuvaksi synnille.

Mallit kiitoradalla Valentinon kevätkesän 2017 muotinäytöksessä Pariisin muotiviikolla , 2016, Pariisi, Getty Imagesin kautta

Vuonna muotimaailma , maalaus saavutti suosiota, kun monet muotisuunnittelijat hurmasivat sen aiheista. Aikakausia ja estetiikkaa yhdistävä Piccioli tulkitsi uudelleen Boschin symbolit kelluvien läpinäkyvien pukujen kautta, kun taas Rhodes loi romanttisia printtejä ja kirjailtuja kuvioita hienovaraisella nyökkäyksellä alkuperäiselle taideteokselle. Värit olivat ehdottomasti osa viestiä, jonka muotisuunnittelijat halusivat välittää. Näin ollen kelluvien unenomaisten mekkojen mallisto perustuu pohjoiseen omenanvihreän, vaaleanpunaisen ja robinin munansinisen väripalettiin.

Dolce & Gabbana ja Peter Paul Rubensin barokki

Peter Paul Rubensin Venus peilin edessä , 1615, Liechtensteinin ruhtinaskokoelmien kautta, Wien; kanssa Dolce & Gabbana -muotimallisto syksylle/talvelle 2020 kuvannut Nima Benati , Nima Benati -verkkosivuston kautta

Peter Paul Rubens maalasi naiset mestarillisesti, ' rakkaudella, stipendillä ja uutteruudella .’ Hän esitteli omansa Venus peilin edessä kauneuden perimmäisenä symbolina. Rubens kuvasi poikkeuksellisesti vaaleaa ihoaan ja vaaleita hiuksiaan, jotka eroavat tummaihoisesta palvelijattaresta. The peili on perimmäinen kauneuden symboli , joka kehystää naisen muotokuvan tavoin ja korostaa samalla hienovaraisesti hahmon alastomuutta. Peili, jota Cupid pitää pystyssä jumalattarelle, paljastaa Venuksen heijastuksen seksuaalisen halun esityksenä. Rubens, joka oli yksi perustajista Barokkin taidetta , ja hänen konseptinsa, jossa värit ovat linjoja tärkeämpiä, vaikuttivat useisiin muotisuunnittelijoihin, kuten Dolce & Gabbanaan. The Barokkityyli poikkesi hengestä renessanssi , hylkäsi rauhallisuuden ja sileyden ja tavoitteli sen sijaan eleganssia, jännitystä ja liikettä.

Peter Paul Rubensin Peace Embracing Plenty , 1634, Yale Center for British Artin kautta, New Haven; kanssa Dolce & Gabbana -muotimallisto syksylle/talvelle 2020, kuvannut Nima Benati , Nima Benati -verkkosivuston kautta

MuotisuunnittelijatDomenico Dolce ja Stefano Gabbana halusi luoda kampanjan, joka ylistää naisen kauneuden aistillista mutta myös romanttista puolta. Peter Paul Rubens oli sopivin inspiraation lähde. Ikonisen kaksikon luomukset olivat suuressa sopusoinnussa flaamilaisen taidemaalarin taiteen kanssa. Tässä kokoelmassa mallit poseerasivat suurella jalolla ja näyttivät siltä kuin he olisivat juuri hypänneet yhdestä Rubensin maalauksesta. Maisema suunniteltiin muistuttamaan barokkipeilejä ja kirjontayksityiskohtia. Figuurien ylellisyys ja pastelliväripaletti korostivat brokadinpunaista mekkoa täydellisesti. Muotisuunnittelijoiden valinta sisällyttää erilaisia ​​malleja edisti entisestään aikakauden vartalotyyppiä. Dolcen ja Gabbanan käyttämät kurvikkaat linjat vastustivat eri vartalotyyppien syrjintää muotiteollisuudessa.

Peter Paul Rubensin muotokuva Anne of Austriasta , 1621-25, Rijksmuseumin kautta Amsterdamissa; kanssa Malli Lucette van Beek Dolce & Gabbana -kiitoradalla, syksyllä 2012 , valokuvannut Vittorio Zunino Celotto, Getty Imagesin kautta

Dolce and Gabbanan syksyn 2012 naisten mallisto esittelee monia italialaisen barokkiarkkitehtuurin piirteitä. Tämä kokoelma sopii täydellisesti yhteen sen erittäin koristeellisten ominaisuuksien kanssa Sisilian barokkityyli . Muotisuunnittelijat keskittyivät barokkiarkkitehtuuriin Sisilian katolisissa kirkoissa. Vertailukohtana oli Rubensin maalaus Itävallan Annen muotokuva . Hänessä kuninkaallinen muotokuva , Anne of Austria on edustettuna pukeutuneena espanjalaiseen muotiin. Annen musta mekko on koristeltu , jossa pystysuorat vihreät brodeeraukset ja kultaiset yksityiskohdat. Kellon muotoinen hiha, joka tunnetaan nimellä Espanjalainen Great-Sleeve on myös espanjalaistyylinen signeeraus sekä röyhelöinen pitsikaulus. Taidokkaasti suunnitellut mekot ja viitat, jotka on valmistettu ylellisistä tekstiileistä, kuten pitsistä ja brokadista, varastivat Dolce and Gabbana -näyttelyn.

Taiteen ja muodin historia: El Grecon manierismi ja Cristobal Balenciaga

El Grecon Fernando Nino de Guevara (Domenikos Theotokopoulos), 1600, New Yorkin Met-museon kautta

Christopher Balenciaga voidaan kuvata todelliseksi muotimestariksi, joka uudisti naisten muotia 1900-luvulla. Hän syntyi pienessä kylässä Espanjassa ja siirsi Espanjan taiteen historian olemuksen nykyaikaisiin suunnitelmiinsa. Balenciagaan teki vaikutuksen koko uransa ajan Espanjan renessanssi . Hän etsi usein inspiraatiota Espanjan kuninkaallisista ja papiston jäsenistä. Balenciaga muutti aikakauden kirkolliset esineet ja luostarivaatteet puetettaviksi muodin mestariteoksiksi.

Yksi hänen suurista inspiraatioistaan ​​oli manieristi El Greco, joka tunnetaan myös nimellä Dominikos Theotokopoulos. katsomassa El Greco's Kardinaali Fernando Nino de Guevara , Cardinalin viitta ja Balenciagan suunnittelu muistuttavat toisiaan. Maalaus kuvaa espanjalaista kardinaalia Fernando Niño de Guevaraa El Grecon ajalta Toledossa. El Grecon ideat juontavat italialaisen renessanssin uusplatonismia, ja tässä muotokuvassa hän esittelee kardinaalin Jumalan armon symbolina . Manerismi on läsnä kaikkialla maalauksessa. Se on havaittavissa pitkänomaisessa, pienen pään hahmossa, siroissa mutta oudoissa raajoissa, intensiivisissä väreissä ja klassisten mittojen ja mittasuhteiden hylkäämisessä.

Malli, jolla on punainen iltatakki kirjoittanut Cristóbal Balenciaga, Paris Fashion Week, 1954-55, Googlen taiteen ja kulttuurin kautta

Balenciagan intohimo historiallisiin vaatteisiin on ilmeinen tässä ylellisessä iltatakissa hänen vuoden 1954 kokoelmastaan. Hänellä oli näkemys ja kyky keksiä muotoja uudelleen nykymuotiin . Tämän takin liioiteltu ilmeinen kaulus jäljittelee kardinaaliviitan laukaisua. Punainen väri kardinaalin asussa symboloi verta ja hänen halukkuuttaan kuolla uskon puolesta. Kuuluisa suunnittelija piti kirkasta punaista väriä poikkeuksellisena, koska hän piti usein mieluummin rohkeita väriyhdistelmiä ja kirkkaita sävyjä. Hänen suuri innovaationsa oli vyötärölinjan poistaminen ja sulavien linjojen, yksinkertaisten leikkausten ja kolmen neljäsosan hihojen käyttöönotto. Tällä Balenciaga mullisti naisten muodin.

Suunnittelija esitteli myös rannekorun pituiset hihat, joiden avulla naiset saivat esitellä korujaan. 1960-luvulla, kun naisten asteittainen tuominen työelämään tapahtui, Balenciagalla oli ajatus antaa mukavuutta, vapautta ja toimivuutta pukemilleen naisille. Hän mainosti väljiä, mukavia mekkoja, jotka olivat ristiriidassa sen ajan tiukasti istuvien siluettejen kanssa.

Alexander McQueen ja Gustav Klimtin symbolismi

Gustav Klimtin toteutus , 1905, MAK:n kautta – Taideteollisuusmuseo, Wien; kanssa Alexander McQueenin mekko lomakeskuksen mallistosta , 2013, Vogue Magazinen kautta

Itävaltalainen taidemaalari, mestari Symboliikka ja Wienin perustaja Secessio liike, Gustav Klimt merkitsi 1900-luvun taiteen historiaa. Hänen maalauksensa ja taiteellinen estetiikka ovat olleet pitkään inspiraatiota muotisuunnittelijoille . Muun muassa Aquilano Rimoldi, L'Wren Scott ja Christian Dior, Klimtiin suoraan viitannut suunnittelija oli Alexander McQueen. Hän suunnitteli vuoden 2013 kevät/kesämalliston lomakeskuksessa ainutlaatuisia teoksia, jotka näyttävät saaneen inspiraationsa taidemaalarin työstä . Kun katsot lentävää mustaa mekkoa, jonka päällä on toistuva kultakuvio, voi tulla mieleen tietty maalaus. McQueen otti käyttöön abstrakteja, geometrisia ja mosaiikkikuvioita pronssin ja kullan sävyissä sisällyttäen ne suunnitelmiinsa.

Vuonna 1905 Gustav Klimt maalasi Täyttäminen , esitys hellästi halatusta parista, josta tuli rakkauden symboli. Itävaltalainen taidemaalari on kuuluisa kultamaalauksistaan, mutta myös näiden teosten täydellisestä abstraktion ja värin sekoituksesta. Kaikissa mosaiikeissa on rikkaat kultaiset sävyt ja kaleidoskooppisia tai luonnosta peräisin olevia koristeita, joilla on ollut suuri vaikutus muotiin. Tämä maalaus on eloisa kahden rakastajan vaatteiden välisten kontrastien geometristen muotojen ansiosta. Miehen asussa on mustia, valkoisia ja harmaita neliöitä, kun taas naisen mekko on koristeltu soikeilla ympyröillä ja kukkakuvioilla. Sillä tavalla, Klimt mestarillisesti kuvaa eroa maskuliinisuuden ja naiseuden välillä .

Christian Dior, The Unelmien suunnittelija, Ja Claude Monet'n Impressionistisia maalauksia

Taiteilijan puutarha Givernyssä, kirjoittanut Claude Monet , 1900, Pariisin koristetaiteen museon kautta

Yrityksen perustaja Impressionismi ja yksi suurimmista ranskalaisista maalareista taidehistoriassa, Claude Monet jätti jälkeensä laajan taiteellisen tuotannon. Monet käytti kotiaan ja puutarhaansa Givernyssä inspiraation saamiseksi ja vangitsi luonnonmaiseman maalauksiinsa. Nimenomaan maalauksessa Taiteilijan puutarha Givernyssä, hän onnistui manipuloimaan luonnonmaisemaa tarpeidensa mukaan. Ruskean mutaisen polun kontrasti kukkien eloisaa väriä vastaan ​​täydentää kohtausta. Kuuluisa impressionisti valitsi usein iiriskukan purppuranvärisen värin vuoksi luodakseen kirkkaan auringon vaikutelman. Tämä maalaus on täynnä elämää, kun kukat kukkivat ja syleilevät kevättä. Ruusujen ja syreenien, iiristen ja jasmiinin terälehdet ovat osa värikästä paratiisia valkoiselle kankaalle.

Miss Dior mekko Christian Dior Haute Couture , 1949, Pariisin koristetaiteen museon kautta

Samassa hengessä, Christian Dior , ranskalaisen couturen edelläkävijä, teki valtavan jäljen muotimaailmaan, joka tuntuu edelleenkin. Vuonna 1949 hän suunnitteli Haute Couture -malliston kevät/kesäkaudelle. Yksi näyttelyn kohokohdista oli ikoninen Neiti Dior mekko, kokonaan kirjailtu kukkien terälehdillä vaaleanpunaisen ja violetin eri sävyissä. Dior kuvasi täydellisesti kaksi taiteen ja muodin maailmaa ja jäljitteli Monetin estetiikkaa tähän toiminnalliseen mekkoon. Hän vietti paljon aikaa maaseudulla ja piirsi kokoelmiaan puutarha Granvillessä , aivan kuten Monet teki. Sillä tavalla hän määritteli elegantin 'Dior' -tyylin , joka yhdistää monetin väripaletin ja kukkakuviot hänen luomuksiinsa.

Yves Saint Laurent, Mondrian ja De Stijl

Piet Mondrianin sävellys punaisella, sinisellä ja keltaisella 1930, Kunsthaus Zürich -museon kautta; kanssa Yves Saint Laurentin Mondrian-mekko , syksy/talvi 1965 kokoelma, Met Museum, New Yorkin kautta

Mondrian oli yksi ensimmäisistä taiteilijoista, jotka maalasivat abstraktia taidetta 1900-luvulla. Hän syntyi Alankomaissa vuonna 1872 ja aloitti koko taideliikkeen nimeltä The Tyyli . Liikkeen tavoitteena oli yhdistää modernia taidetta ja elämää . Tyyli, joka tunnetaan myös nimellä Neoplastismi, oli abstraktin taiteen muoto, jossa vain geometrisia periaatteita käyttäen ja päävärejä, kuten punaista, sinistä ja keltaista, yhdistettiin neutraaleihin (musta, harmaa ja valkoinen). Mondrianin 1900-luvun alun innovatiivinen tyyli sai muotisuunnittelijat toistamaan tätä puhdasta abstraktin taiteen tyyppiä. Paras esimerkki De Stijlin maalauksesta on Koostumus punaisen sinisen ja keltaisen kanssa .

Taiteen ystävänä ranskalainen muotisuunnittelija Yves Saint Laurent sisällytti Mondrianin maalauksia haute couture -luomuksiinsa. Hän sai ensimmäisen inspiraationsa Mondrianista lukiessaan taiteilijan elämää käsittelevää kirjaa, jonka hänen äitinsä antoi hänelle joululahjaksi.

Mondrian pukeutuu Yves Saint Laurentin modernin taiteen museossa, 1966, Khan Academyn kautta

Yves Saint Laurent jopa sanoi: ’’ Mondrian on puhtautta, etkä voi mennä pidemmälle maalauksessa. 1900-luvun mestariteos on Mondrian.

Suunnittelija osoitti arvostavansa Mondriania syksyn 1965 mallistossaan, joka tunnetaan nimellä The Mondrian kokoelma . Taiteilijan geometristen linjojen ja rohkeiden värien inspiroimana hän esitteli kuusi cocktailmekkoa merkitsi hänen ikonista tyyliään ja 60-luvun aikakaudella yleensä. Jokainen niistä Mondrian mekot vaihteli hieman, mutta niillä kaikilla oli yhteistä yksinkertainen A-linjainen muoto ja hihaton polvipituus, joka imarteli jokaista vartalotyyppiä.

Elsa Schiaparelli ja Salvador Dali

Kolme nuorta surrealistista naista pitelevät käsivarsissaan Salvador Dalín orkesterin nahkaa ,1936, Dali-museon kautta, St. Petersburg, Florida

Syntynyt vuonna 1890 Roomassa asuvaan aristokraattiseen perheeseen, Elsa Schiaparelli ilmaisi pian rakkautensa muotimaailmaa kohtaan. Hän alkaisi kehittää vallankumouksellista tyyliään futurismin innoittamana, Dadaisti , ja Surrealismi . Uransa edetessä hän yhdistetty tunnettujen surrealistien ja dadaistien kanssa, kuten Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp ja Jean Cocteau. Hän jopa teki yhteistyötä espanjalaisen taiteilijan Salvador Dalin kanssa. Hänen esteettinen ja surrealistinen absurdiutensa teki Dalista maailman tunnetuimman taidemaalarin Surrealismi liike .

Elsa Schiaparellin ja Salvador Dalin Kyyneleet-mekko , 1938, Lontoon Victoria and Albert Museumin kautta

Yksi parhaimmista yhteistyöt muodin historiassa oli Dali ja Elsa Schiaparelli. Tämä mekko luotiin yhdessä Salvador Dali , osana Schiaparellin kesän 1938 Sirkus-kokoelmaa. Mekko viittaa Dalin maalaukseen, jossa hän kuvasi revittyneitä naisia.

Valokuva Salvador Daliísta ja Elsa Schiaparellista , noin 1949, Dalí-museon kautta

Surrealistisille taiteilijoille ihanteellisen naisen etsintä oli tuomittu epäonnistumaan , koska ihanne oli olemassa vain heidän mielikuvituksessaan, ei todellisuudessa. Dalin tarkoitus ei kuitenkaan ollut kuvata naisia realistisesti, joten heidän ruumiinsa eivät ole ollenkaan esteettisesti miellyttävä. Schiaparelli halusi kokeilla tätä ruumiin peittämisen ja paljastamisen leikkiä luoden illuusion haavoittuvuudesta ja altistumisesta. Tear-Illusion mekko oli valmistettu vaaleansinisestä silkkikrepistä, ja Dalí suunnitteli painatuksen muistuttamaan maalauksensa kolmea naista. Kyyneleet paljastavat kankaan vaaleanpunaisen alapinnan, ja reikiin paljastuu tummempi vaaleanpunainen.

Muotisuunnittelijat ja pop-taide: Gianni Versace ja Andy Warhol

Andy Warholin Marilyn Diptych , 1962, Lontoon Taten kautta

The Pop-taide aikakausi oli luultavasti vaikuttavin ajanjakso muotisuunnittelijoille ja taiteilijoille taiteen historiassa. Andy Warhol edelläkävijä yhdistelmä popkulttuuria ja huippumuotia, joka teki hänestä ikonin Pop Art -liikkeen symboli . 60-luvulla Warhol alkoi harjoittaa silkkipainona tunnettua signature-tekniikkaansa.

Yksi hänen varhaisimmista ja epäilemättä tunnetuimmista teoksistaan ​​oli Marilynin diptyykki . Tätä taidetta varten hän sai inspiraation popkulttuurin lisäksi myös taiteen historiasta ja abstraktin ekspressionismin maalareista. Warhol valloitti kaksi maailmaa Marily Monroesta, Hollywood-tähden julkisesta elämästä ja Norma Jeanen, masennuksen ja riippuvuuden kanssa kamppailevan naisen traagisesta todellisuudesta. Diptyykki vahvistaa vasemmalla eloisuutta, kun taas oikealla se hämärtyy ja hämärtyy. Yrityksessä esittää kulutus- ja materialismin yhteiskunnan Hän kuvasi yksilöitä tuotteina eikä ihmisinä.

Linda Evangelista Gianni Versacen 'Warhol Marilyn' -puvussa , 1991

Italialaisella suunnittelijalla Gianni Versacella oli a pitkäkestoinen ystävyys Andy Warholin kanssa. Molemmat miehet hurmasivat populaarikulttuurista. Warholin muistoksi Versace omisti vuoden 1991 kevät/kesäkokoelmansa hänelle. Yhdessä mekossa oli Warholin Marilyn Monroe -printtejä. Hän yhdisti hameisiin ja maksimekkoihin kirkkaanvärisiä, silkkipainettuja muotokuvia Marilyn ja James Deanista 1960-luvulta lähtien.