6 ikonista naisartistia, jotka sinun pitäisi tietää

Äiti , taiteilija Louise Bourgeois'n veistos

Maman, taiteilija Louise Bourgeoisin veistosTaidehistorian Walk of Fame on kivetty miestaiteilijoiden nimillä, mutta se alkaa keräämään lisää naisartisteja. Yleiseen käsitykseen maskuliinisesta mestarista ja mestariteoksesta vaikuttaa vahvasti se, että heidän naispuoliset vastineensa puuttuvat lähes kokonaan koulukirjoistamme ja tärkeimmistä museogallerioista.

Naisartistit tänään

Elokuvateollisuudessa naisten aliedustus päärooleissa ohjaajina ja tuottajina on aiheuttanut useita suuttumusaaltoja parin viime vuoden aikana. Hashtagit kasvavat sosiaalisessa mediassa, kuten #OscarsSoMale osoittavat, että naisten näkyvyyden lisäämiselle on suuri kysyntä.

Sama pätee taideteollisuuteen, vaikka huuto ei ole yhtä kovaa kuin Hollywoodissa. Yksi syy siihen voi olla se, että ainakin modernissa ja nykytaiteessa on tapahtunut hitaampaa ja tasaisempaa siirtymistä kohti enemmän naisten edustamista. Jo vuonna 1943 Peggy Guggenheim järjesti naisten näyttelyn surullisen kuuluisassa New Yorkin galleriassa Tämän vuosisadan taidetta , mukaan lukien lahjoitukset Dorothea Tanning ja Frida Kahlo . Tämä uraauurtava yritys, ns 31 Naiset , oli ensimmäinen laatuaan Euroopan ulkopuolella. Sen jälkeen paljon on muuttunut. Nykyään monet galleriat edustavat yhä enemmän naisartisteja. Myös naiset osallistuvat enemmän arvostetuilla taidefestivaaleilla ja he saavat tärkeitä palkintoja.

Big Fatigue, Camille Henrot, 2013, kautta camillehenrot.fr

Naiset taiteilijat ovat kuitenkin edelleen aliedustettuina museomaisemassa. Taidemarkkinoiden tiedotusyhtiö Artnet Analyysi paljasti, että vuosina 2008–2018 vain 11 prosenttia kaikista amerikkalaisten huippumuseoiden hankkimista teoksista oli naisia. Taiteen historiallisessa ymmärtämisessä on siis vielä paljon tehtävää naistaiteilijoiden ja heidän työnsä näkyvyyden lisäämiseksi.

Tässä on yleiskatsaus suosikkinaistaiteilijoistani eri puolilla taidehistoriaa tähän päivään asti, joita arvostan heidän monien medioiden hallinnasta, käsitteellisestä ajattelustaan, naiskeskeisten aiheiden käsittelystään ja siten merkittävän ja ainutlaatuisen toiminnan luomisesta. .

Camille Henrot

Ranskalaissyntyinen nykyaikainen naistaiteilija Camille Henrot on kuuluisa työstään erilaisten medioiden parissa elokuvasta kokoonpanoon ja veistoksiin. Hän on jopa uskaltautunut käyttämään Ikebanaa, perinteistä japanilaista kukka-asetelmatekniikkaa. Vaikka hänen työstään todella merkittävää tekee hänen kykynsä yhdistää näennäisesti ristiriitaisia ​​ajatuksia. Monimutkaisissa taideteoksissaan hän asettaa filosofian popkulttuuria vastaan ​​ja mytologian tieteen vastaan. Hänen taiteensa taustalla oleva, kaiken kattava ajatus ei ole koskaan liian ilmeinen. Camille Henrot on mestari pakkaamaan asiat tyylikkäästi ja luomaan hienovaraisia ​​ja mystisiä tunnelmia. Vasta kun olet upotettu niihin, voit yhdistää pisteet.

Havainnollistaaksemme sitä parhaiten, otetaan esimerkki: Vuosina 2017–2018 Camille Henrot esitteli Carte Blanchea Pariisin Palais de Tokyossa, jonka otsikko oli Päivät ovat koiria . Hän kyseenalaisti olemassaoloamme määräävät auktoriteetin ja fiktion suhteet ja otti yhden elämämme perustavanlaatuisimmista rakenteista – viikon – järjestääkseen oman näyttelynsä. Vuodet, kuukaudet ja päivät rakentuvat luonnollisella tiedolla, viikko sen sijaan on fiktiota, ihmisen keksintö. Sen takana oleva kertomus ei kuitenkaan vähennä sen emotionaalisia ja psykologisia vaikutuksia meihin.

Kalpea kettu, Camille Henrot, 2014, valokuvaus Andy Keate kautta camillehenrot.fr

Yhdessä huoneessa Camille Henrot esitteli installaatiotaan Kalpea kettu , jonka oli aiemmin tilannut ja tuottanut Chisenhale Gallery. Hän käytti sitä edustamaan viikon viimeistä päivää - sunnuntaita. Se on mukaansatempaava ympäristö, joka perustuu Camille Henrotin aiempaan projektiin Grosse Fatigue (2013) – elokuva, joka on palkittu Hopeinen leijona 55. Venetsian biennaalissa. Grosse Fatigue kertoo maailmankaikkeuden tarinan kolmessatoista minuutissa, kun taas Pale Fox on meditaatio yhteiselle halullemme ymmärtää maailmaa ympäröivien esineiden kautta. Hän keräsi henkilökohtaista materiaalia ja asetti sen päälle ylimääräisten periaatteiden mukaan (pääsuunnat, elämänvaiheet, Leibnizin filosofiset periaatteet), luoden unettoman yön fyysisen kokemuksen, luetteloivan psykoosin. Verkkosivustollaan hän kertoo, että The Pale Foxin kanssa aioin pilkata yhtenäisen ympäristön rakentamista. Kaikista ponnisteluistamme ja hyvästä tahdosta huolimatta päädymme aina siihen, että yhden kengän sisään on juuttunut kivi.

Pidätkö tästä artikkelista?

Tilaa ilmainen viikoittainen uutiskirjeemmeLiittyä seuraan!Ladataan...Liittyä seuraan!Ladataan...

Tarkista postilaatikkosi aktivoidaksesi tilauksesi

Kiitos!

Haris Epaminondas

Kyproslaisen taiteilijan työn painopiste on laajoissa kollaaseissa ja monikerroksisissa installaatioissa. Kansainvälistä näyttelyä varten 58. Venetsian biennaali , hän yhdisti löytömateriaaleja, kuten veistoksia, keramiikkaa, kirjoja tai valokuvia, joita hän käytti huolellisesti rakentaessaan yhden tyypillisistä installaatioistaan.

Voi. XXII, Haris Epaminonda, 2017, valokuvaus Tony Prikryl

Samoin kuin Camille Henrot, hänen sävellyksensä eivät heti paljasta niiden taustalla olevia merkityksiä. Hänen työnsä erottaa kuitenkin Camille Henrotin työstä se, että hän ei upota esineitään monimutkaisiin tarinoihin ja käsitteellisiin teorioihin. Sen sijaan hänen installaationsa on järjestetty paljon yksinkertaisemmalla tavalla, mikä herättää minimalistisen järjestyksen tunteen. Vasta yksittäisten esineiden lähemmin tarkastelun jälkeen huomaat ristiriidat näennäisen täydellisen estetiikan takana. Haris Epaminonda käyttää sävellyksessään löydettyjä esineitä, jotka perinteisessä ymmärryksessä olisivat toisilleen täysin outoja. Voit esimerkiksi löytää bonsai-puun, joka seisoo kreikkalaisen pylvään vieressä lähes luonnollisella tavalla. Taiteilija sotkee ​​esineensä historiallisten ja henkilökohtaisten merkityksien verkkoon, joka on tuntematon yleisölle ja luultavasti myös hänelle itselleen. Vaikka Haris Epaminonda ei jätä huomioimatta esineidensä implisiittisiä tarinoita, hän mieluummin antaa niiden käyttää valtaansa sisäisesti.

VOL. 27., Haris Epaminonda, 2019, moussemagazine.it:n kautta

Haris Epaminonda voitti 30 minuutin videollaan Chimera 58. Venetsian biennaalin. Hopeinen leijona palkinnon lupaavana nuorena osallistujana ja siitä lähtien hän on yksi nykytaiteen kansainvälisistä heittotähdistä.

Akunyili Crosbyn ote

Njideka Akunyili Crosby syntyi Nigeriassa ja asuu ja työskentelee tällä hetkellä Los Angelesissa. Teini-iässä hänen äitinsä voitti vihreän kortin lotossa, jolloin koko perhe muutti Yhdysvaltoihin. Maalauksissaan Akunyili Crosby heijastaa kokemuksiaan nykyajan Nigerian diasporan jäsenenä. Jättimäisille paperipinnoille hän maalaa useita kerroksia muotokuvien ja kodin sisätilojen kuvaamiseksi rinnakkain syvyyden ja tasaisuuden.

Tämä naistaiteilija työskentelee sekamediatekniikalla, joka sisältää muun muassa valokuvasiirtoja, maalia, kollaaseja, lyijykynäpiirroksia, marmoripölyä ja kangasta. Näin taiteilija luo ainutlaatuisia maalauksia, jotka havainnollistavat melko tavallisia, kotimaisia ​​teemoja, joissa hän kuvaa itseään tai perhettään. Hänen työssään on todellakin kyse kontrasteista, niin muodollisesti kuin sisällöllisestikin. Kun tarkastellaan hänen maalaustensa yksityiskohtia tarkemmin, löydät esineitä, kuten New Yorkin kylmiä talvia osoittavan valurautapatterin tai esimerkiksi pöydälle asetettu parafiinilamppu, joka on piirretty Akunyili Crosbyn muistoista Nigeriasta.

Mama, Mummy and Mama (Precessors No. 2), Njikeda Akunyili Crosby, 2014, njikedaakunyilicrosbyn kautta

Kontrastit eivät kuitenkaan rajoitu vain edellä mainittuihin: Vuoteen 2016 mennessä äkillinen korkea kysyntä Akunyili Crosbyn hitaasti tuottamille teoksille ylitti tarjonnan. Tämä aiheutti hänen taideteosten hintojen räjähdysmäisen nousun markkinoilla. Se huipentui siihen, että yksi hänen maalauksistaan ​​myytiin Sothebyn nykytaiteen huutokaupassa vuonna marraskuuta 2016 lähes miljoonalla dollarilla, mikä teki uuden artistien ennätyksen. Vain kuusi kuukautta myöhemmin yksityinen keräilijä myi teoksen noin 3 miljoonalla dollarilla Christie’s Lontoossa ja vuonna 2018 hän myi toisen maalauksen noin 3,5 miljoonalla dollarilla Sotheby's New Yorkissa .

Louise Bourgeois

Ranskalaisamerikkalainen taiteilija tunnetaan parhaiten suurikokoisista veistoksistaan, joista tunnetuin on jättimäinen pronssinen hämähäkki Louise Bourgeois Spider nimeltä Maman, joka matkustaa jatkuvasti ympäri maailmaa. Yhdeksän metrin korkeudella hän on luonut ylisuuren, metaforisen esityksen omasta äidistään, vaikka teoksen tarkoituksena ei olekaan paljastaa traagista äiti-tytär-suhdetta. Päinvastoin: Veistos on kunnianosoitus omalle äidilleen, joka työskenteli kuvakudosten restauroijana Pariisissa. Aivan kuten hämähäkit, myös Bourgeoisin äiti uudisti kudosta – uudestaan ​​ja uudestaan. Taiteilija piti hämähäkkejä suojelevina ja auttavaisina olentoina. Elämä koostuu kokemuksista ja tunteista. Luomani esineet tekevät niistä konkreettisia, Bourgeois sanoi kerran selittääkseen omia taideteoksiaan.

Äiti, Louise Bourgeois, 1999, kautta guggenheim-bilbao.eus

Veistoksen luomisen lisäksi hän oli myös tuottelias taidemaalari ja taidegraafikko. Vuosina 2017 ja 2018, Modernin taiteen museo New Yorkissa (MoMA) omisti retrospektiivin taiteilijan vähemmän tunnetusta elämästä nimeltä An Unfolding Portrait, joka keskittyy enimmäkseen hänen maalauksiinsa, luonnoksiin ja printeihinsä.

My Inner Life, Louise Bourgeois, 2008, moma.org:n kautta

Riippumatta siitä, mitä mediaa monilahjakas taiteilija käytti, Bourgeois keskittyi enimmäkseen tutkimaan teemoja, jotka pyörivät kotielämän ja perheen, seksuaalisuuden ja ruumiin sekä kuoleman ja tajuttoman ympärillä.

Gabriele Munter

Jos tiedät Wassily Kandinsky , Gabriele Münterin ei pitäisi olla vähäisempi nimi sinulle. Ekspressionistinen naistaiteilija oli ryhmän kärjessä Sininen ratsastaja (The Blue Rider) ja työskenteli yhdessä Kandinskyn kanssa, jonka hän oli tavannut opinnoissaan Phalanx Schoolissa Münchenissä, venäläisen taiteilijan perustamassa avantgarde-instituutissa.

Gabriele Münterin muotokuva, Wassily Kandinsky, 1905, Wikimedia Commonsin kautta

Kandinsky oli ensimmäinen, joka huomasi Gabriele Münterin maalauskyvyt 1900-luvun alussa. Heidän ammatillisen suhteensa – joka lopulta muuttui myös henkilökohtaiseksi – kesti lähes vuosikymmenen. Tänä aikana Gabriele Münter oppi työskentelemään palettiveitsellä ja paksuilla siveltimen vedoilla käyttäen tekniikoita, jotka hän johdatti ranskasta. Isot kissat .

Äskettäin hankituilla taidoillaan hän alkoi maalata maisemia, omakuvia ja kotimaisia ​​sisustuksia rikkailla väreillä, yksinkertaistetuilla muodoilla ja rohkeilla linjoilla. Jonkin ajan kuluttua Gabriele Münter kiinnostui nykyajan sivilisaation hengen maalaamisesta, joka on ekspressionististen taiteilijoiden yhteinen teema. Aivan kuten elämä itsessään on kasauma ohimeneviä hetkiä, hän alkoi vangita välittömiä visuaalisia kokemuksia, yleensä nopealla ja spontaanilla tavalla.

Keltainen talo (Keltainen talo), Gabriele Münter, 1908, Wikiartin kautta

Herättääkseen tunteita hän käytti eloisia värejä ja loi runollisia maisemia, joissa on runsaasti fantasiaa ja mielikuvitusta. Gabriele Münterin ja Kandinskyn suhde vaikutti voimakkaasti venäläisen taiteilijan työhön. Hän alkoi omaksua Gabriele Münterin tyydyttyneiden värien käyttöä ja hänen ekspressionistista tyyliään omissa maalauksissaan.

Heidän suhteensa päättyi, kun Kandinsky joutui lähtemään Saksasta ensimmäisen maailmansodan aikana ja siten hänen täytyi palata Venäjälle. Siitä lähtien sekä Gabriele Münter että Kandinsky jatkoivat elämää erillään toisistaan, mutta molemminpuolinen vaikutus toistensa teoksiin säilyi.

Sophie Taeuber-Arp

Sophie Taeuber-Arp on luultavasti yksi taidehistorian monilahjakkaimmista naistaiteilijoista. Hän työskenteli muun muassa maalarina, kuvanveistäjänä, tekstiili- ja lavastussuunnittelijana sekä tanssijana.

Lavastus König Hirschille (Stag King), Sophie Taeuber-Arp, 1918, valokuva: E. Linck Sveitsiläinen taiteilija aloitti kirjonta-, kudonta- ja tekstiilisuunnittelun ohjaajana Zürichin taideyliopistossa. Vuonna 1915 hän tapasi tulevan aviomiehensä Jean Hans Arp , joka oli paennut Saksan armeijaa ensimmäisen maailmansodan aikana ja joka oli liittynyt Dadan liike . Hän esitteli hänet liikkeelle, ja myöhemmin hän osallistui esityksiin, jotka järjestivät Dadaistit Cabaret Voltairessa. Hän toimi tanssijana, koreografina ja nukkenäyttelijänä. Lisäksi hän suunnitteli nukkeja, pukuja ja lavasteita omiin ja muiden taiteilijoiden esityksiin Kabaree Voltaire .

Dada-tapahtumissa esiintymisen lisäksi Sophie Taeuber-Arp loi tekstiili- ja graafisia teoksia, jotka ovat Piet Mondrianin ja Kasimir Malevichin varhaisimpia konstruktivistisia töitä taidehistoriassa.

Gleichgewicht (Balance), Sophie Taeuber-Arp, 1932-33, Wikimedia Commonsin kautta, hän oli myös yksi ensimmäisistä taiteilijoista, joka käytti pilkkuja teoksissaan. Sophie Taeuber-Arp ymmärsi hienostuneita geometrisia muotoja, abstraktiota ja värien käyttöä. Hänen töitään pidettiin usein uraauurtavina ja samalla iloisina.

Vuonna 1943 Sophie Taeuber-Arp kuoli onnettomuuteen Max Billin talossa. Hän ja hänen miehensä olivat päättäneet jäädä yöksi myöhään. Oli kylmä talviyö ja Sophie Taeuber-Arp sytytti vanhan lieden pienessä huoneessaan. Seuraavana päivänä hänen miehensä löysi hänet kuolleena häkämyrkytyksen vuoksi.

Sophie Taeuber-Arp ja hänen miehensä Jean Arp olivat työskennelleet hyvin tiiviisti yhdessä useiden yhteisten projektien aikana. He olivat yksi harvoista pariskunnista taidehistoriassa, jotka eivät sopineet taiteilijan ja hänen muusansa perinteisiin rooleihin. Sen sijaan he tapasivat silmien korkeudella ja taiteilijaystävänsä kunnioittivat ja arvostivat heitä yhtä paljon - Marcel Duchamp ja Joan Miro ovat kaksi heistä – ja taidekriitikot teoksistaan