Taide ja muoti: 9 kuuluisaa maalausmekkoa, jotka edistävät naisten tyyliä

Madame X:n muotokuva kirjoittanut John Singer Sargent, 1883-84 (vasemmalla); kanssa Muusikko kirjoittanut Tamara de Lempicka, 1929 (keskellä); ja Valkoinen sinfonia nro 1: Valkoinen tyttö Kirjailija: James McNeill Whistler, 1862 (oikealla)

Näille naisille kaikki heidän varallisuudestaan, luonteestaan ​​ja poliittisista/yhteiskunnallisista asenteistaan ​​osoitti, ketä he olivat näiden maalausten perusteella. Tiesivätpä he sen tai eivät, he vaikuttivat muotitrendeihin, suuttivat kriitikkoja ja käyttivät muotia esitelläkseen itseään ympäröivälle maailmalle. Alla on yhdeksän maalausta kuuluisilla mekoilla, jotka vaihtelevat Renessanssi aina nykyaikaan .

Renessanssin maalauksia kuuluisilla mekoilla

The renessanssi oli kulttuurin ja taiteen elpymisen aikaa, kuten klassismi teki vallankumouksellisen paluun eurooppalaisissa yhteiskunnissa . Tänä aikana tapahtui kuitenkin myös merkittäviä muodin muutoksia; Katso, kuinka kuuluisat mekot maalauksissa vaikuttivat muotiin renessanssin aikana.

Arnolfinin muotokuva (1434), kirjoittanut Jan Van Eyck

Arnolfinin muotokuva Kirjailija: Jan Van Eyck , 1434, Lontoon National Galleryn kautta

Jan van Eyck 's Arnoldin häämuotokuva on perusmateriaali muotokuvien kankaan tutkimuksessa. Van Eyckin tekniikka ei jätä mitään mielikuvituksen varaan, sillä hänen lähestymistapansa kankaan maalaamiseen luo realistisen ja kolmiulotteisen kokemuksen. Hänen villavaatteensa jalokivisävyinen smaragdinvihreä ja hermeliinivuoratut hihat paljastavat perheiden aseman, sillä vain varakkailla asiakkailla oli varaa yllä kuvattuihin kankaisiin.

Villa, silkki, sametti ja turkis olivat harvinaisia ​​ja kalliimpia valmistaa verrattuna puuvillaan tai pellavaan, ja ne olivat statussymboli siitä, kuinka paljon oli varaa ostaa. Se osoittaa myös hänen miehensä varallisuuden, koska se osoittaa, että hänellä oli varaa ostaa monta jaardia kangasta hänen pukunsa luomiseksi. Yksi maalaukseen liittyvistä kiistanalaisimmista kysymyksistä on, onko kuvassa oleva nainen (oletettavasti Arnolfinin vaimo) raskaana vai ei. Renessanssihameet olivat niin täyteläiset ja painavat, että naiset nostivat hameensa ylös, jotta niitä olisi helpompi liikkua.

Pidätkö tästä artikkelista?

Tilaa ilmainen viikoittainen uutiskirjeemmeLiittyä seuraan!Ladataan...Liittyä seuraan!Ladataan...

Tarkista postilaatikkosi aktivoidaksesi tilauksesi

Kiitos!

Duke of Berryn huhtikuun erittäin rikkaat tunnit kirjoittanut The Limbourg Brothers , 1412-16, Musée Condé, Chantilly, The Web Gallery of Art, Washington D.C. kautta (vasemmalla); kanssa Berryn herttuan erittäin rikkaat tunnit Eedenin puutarha mukaan Limburgin veljekset , 1411-16, Musée Condéssa, Chantillyssa, The Web Gallery of Artin kautta, Washington D.C. (oikealla)

Hänen pukuun lisätyt ylelliset laskokset paljastavat myös trendin kuvata naisia, joilla on kurvempi keskiosa, koska se osoitti toivoa tulla raskaaksi avioliiton aikana. Toinen esimerkki tästä on Limbourgin veljekset Duke of Berryn erittäin rikkaat tunnit. Molemmissa kuvissa naiset on kuvattu pyöreämmällä vatsalla. Vasemmalla oleva kuva kuvaa häitä ja se on verrattavissa Arnolfinin muotokuvaan, koska molemmat naiset heijastavat kuvan äitiydestä raskautta odotettaessa. Katsomatta maalausta nykyaikaisella linssillä, sen voi nähdä tallenteena siitä, mitä naiset käyttivät ja mikä oli tärkeää ihmisten paljastaa muille.

Barokki- ja rokokoomaalauksia

The Barokki ja rokokoo Aikakausille on ominaista taidokas koristelu, rappio ja leikkisyys. Nämä suuntaukset näkyivät paitsi taiteessa myös muodissa monimutkaisen koristelun ja ylellisten pukujen kautta. Katso joitain kuuluisia taideteosten inspiroimia mekkoja.

Elizabeth Clarke Freake (rouva John Freake) ja Vauva Mary (1674)

Elizabeth Clarke Freake (rouva John Freake) ja Vauva Mary Tuntemattomalta artistilta , 1674, Worcesterin taidemuseo

Tämän tuntemattoman taiteilijan huomio yksityiskohtiin ja keskittyminen vaatteisiin tekee tästä maalauksesta tärkeän elämänhistorian Uuden Englannin puritaanit . Tässä kuvassa Elizabeth on koristeltu hienoilla kankailla ja asusteilla 1600-luvun Amerikasta. Hänen valkoinen pitsikaulus on osoitus suositusta eurooppalaisesta pitsistä, jota löytyy aristokraattisten naisten keskuudessa. Hänen mekkostaan ​​koristaa kultainen kirjailtu samettinen alushame, ja hänen hihat on koristeltu nauhoilla. Häntä koristavat helmikaulakoru, kultasormus ja granaattirannekoru. Tämä maalaus tarjoaa ainutlaatuisen katsauksen Elisabetin ja hänen perheensä puritaaniseen elämään.

Taiteilija pystyy yhdistämään kuvia omaisuudestaan ​​vaatimattomassa ympäristössä. Maalaus osoittaa selvästi Elisabetin vaurauden, kun hän käyttää parasta vaatteensa ja korunsa. Se kuvastaa myös hänen aviomiehensä John Freaken varallisuutta, että hänellä on varaa näihin ylellisyyksiin ja tilata tämä muotokuva sekä omansa. Maalaus merkitsisi myös heidän puritaanista kiitollisuuttaan Jumalaa kohtaan, sillä ilman Hänen siunausta he eivät voisi saada näitä ylellisyyksiä.

Keinu (1767), kirjoittanut Jean-Honore Fragonard

Keinu Kirjailija: Jean-Honore Fragonard , 1767, The Wallace Collection, Lontoon kautta

Jean-Honore Fragonard 's Keinu on esimerkki rokokootyylistä ranskalaisissa aristokraattisissa piireissä. Maalaus oli yksityinen tilaus, jossa ranskalainen hoviherra pyysi Fragonardia luomaan tämän maalauksen itsestään ja rakastajataristaan. Vaikka maalaus sijoitettiin suljettujen ovien taakse, se paljastaa Ranskan kuninkaallisen hovin ylellisyyden, kevytmielisyyden ja salaisen luonteen.

Pastellin vaaleanpunainen mekko erottuu vehreästä puutarhasta ja on teoksen keskipiste. Fragonard maalaa mekon löysillä siveltimen vedoilla, jotka jäljittelevät hänen mekkonsa lakaisuisia hameita ja röyhelöä. Hänen löysä siveltimensä osuu hänen aiheeseensa tämän idyllisen puutarhakohtauksen kanssa, joka on täynnä kekseliäisiä ja hassuja kuvia. Kaikkien korsettien, hälinän ja naisten vaatteiden koteloiden rajoitusten vuoksi ainoa paikka, jossa niitä ei ollut, oli naisten hameen alareuna. Fragonard käytti tätä hyväkseen, kun hän kuvasi naista heilumassa ylös juuri täydellisessä paikassa, jotta hänen rakastajansa voi katsoa hameaan. Yksityinen toimeksianto antoi Fragonardille mahdollisuuden kokeilla aiheeseensa ja katsojat voivat paljastaa, millaista elämä olisi ollut rikkaimpien ihmisten hovissa.

Ranskalainen mekko, puku 1700-luvun Ranskasta , 1770, Metropolitan Museum of Art, New Yorkin kautta

Hänen maalauksensa esittelee myös ranskalaiseen muotiin sijoittuvia trendejä. Rokokoo ylitti muodin, taiteen ja arkkitehtuurin luodakseen jotain ainutlaatuista ranskalaista. Rokokoomuotiin kuuluivat ylellisimmät kankaat, mukaan lukien pastelliväriset silkit, samettit, pitsit ja kukkakuviot. Se sisälsi myös ylimääräisen määrän jousia, jalokiviä, röyhelöitä ja koristeellisia koristeita luodakseen ulkonäköä, joka kääntää päätä hovissa. Tyyli määritteli eron köyhien ja rikkaiden välillä, koska aristokratialla oli varaa hienojen kankaiden ja koristeiden ylellisyyteen. Tällaisia ​​rokokookoristeita käyttäville naisille maalaus on ruumiillistuma Ranskan kuninkaallisesta hovista ennen vallankumousta.

Kuuluisia mekkoja 1800-luvun maalauksissa

1800-luvulla tapahtui taiteellinen muutos Uusklassismi varhaiseen modernismiin, antaen tietä tyyleille ja koulukunnille. Tällä vuosisadalla tapahtui myös muodin muutoksia; lue eteenpäin nähdäksesi, kuinka maalaukset vaikuttivat tunnettujen mekkojen ja tyylien käyttöönotolle, jotka olivat huomattavasti nykyaikaisempia kuin ennen.

Valkoinen sinfonia nro 1: Valkoinen tyttö (1862), kirjoittanut James McNeill Whistler

Valkoinen sinfonia nro 1: Valkoinen tyttö Kirjailija: James McNeill Whistler , 1862, National Gallery of Art, Washington D.C.

Taide taiteen vuoksi liittyi Valkoinen sinfonia nro 1: Valkoinen tyttö kuten James McNeill Whistler halusi maalaukselle hengellisen merkityksen. Kriitikot eivät kuitenkaan nähneet asiaa tällä tavalla, koska kuvattu nainen on Joanna Hiffernan (hänen emäntänsä tuolloin). Vielä tärkeämpää on, että Whistler päätti maalata Hiffernanin vaatteen, joka sinetöi sopimuksen ja teki tämän mekon erottumaan muista hänen maalauksistaan.

Tämä muotokuva oli tuolloin skandaali, koska Whistler esitti naisten puhtaan valkoisen mekon. 1800-luvulla naisten asuun kuului usein mm krinoliinihäkki teräksestä valmistettu alushame pitääkseen hameensa pinnalla. Naiset käyttivät myös korsetteja lukuisten muiden alusvaatteiden joukossa voidakseen luoda leveämpiä hameita.

Nainen valkopukuinen on täsmälleen vastakohta sille kunnioitettavan pukeutumisstandardille tuolloin. Hänen teepukunsa on vaate, jonka vain hänen miehensä (tai rakastajansa) saisi nähdä, koska se voidaan helposti riisua. Se oli päiväpuku, jota käytettiin yksityisesti, ja siitä tuli suositumpi vasta 1900-luvun alussa jokapäiväiseen käyttöön.

Whistlerille hänen muusansa oli tarkoitus olla osa yleistä kohtausta, joka miellytti silmää. Hän esitti Hiffernanin sellaisena kuin hän näki hänet ja katsojille tuolloin maalaus oli sekä hämmentävää että hieman sopimatonta.

Neiti Lloydin muotokuva (1876) ja Heinäkuu: Esimerkki muotokuvasta (1878), kirjoittanut James Tissot

Neiti Lloydin muotokuva Kirjailija: James Tissot , 1876, Lontoon Taten kautta (vasemmalla); kanssa Heinäkuu: Esimerkki muotokuvasta Kirjailija: James Tissot , 1878, Clevelandin taidemuseon kautta (oikealla)

James Tissot loi lukuisia naisten muotia kuvaavia maalauksia 1800-luvun lopulla. Hän oli edellä eurooppalaista muotia ja tunnetaan maalaamisestaan ​​aiheisiinsa uusimmilla muotitrendeillä. Naisten muoti alkoi saada käännettä nuorten naisten keskuudessa Pariisissa ja Lontoossa 1800-luvun lopulla. Heidän viktoriaanisten edeltäjiensä leveät ja raskaat hameet korvattiin kapeammilla hameilla ja täyteläisillä hameilla takana. Se, mikä tekee tästä mekosta erottuvan, on Tissotin jatkuva käyttö maalauksissaan. Tissot käyttää sitä toisessa maalauksessaan HMS Calcuttan galleria (Portsmouth) ja kaikissa kolmessa hän käyttää sitä täysin erilaisissa yhteyksissä.

Vasemmalla oleva neiti Lloyd käyttää mekkoa, joka olisi kulunut yhteiskunnassa. Tämä mekko olisi ollut muodissa tuolloin, sillä hänen mekkonsa korostaa tiukkaa vyötäröä ja tiimalasihahmoa. Hänen mekkonsa suorat linjat osoittavat myös hänen asennon jäykkyyden toisin kuin oikealla olevassa muotokuvassa.

Oikealla on muotokuva Kathleen Newtonista (hänen tuolloinen kumppani) nähtynä intiimissä ympäristössä kesäkuukausina. Verrattuna ensimmäiseen muotokuvaan, kaikki hänen pukunsa esittämistavoista huokuu kaihoa ja viettelevää. Newton nähdään makoilemassa sohvalla ja hänen mekkonsa näyttää epäsiisältä ja riisutulta. Hänen hameensa virtaavat vapaasti sohvalla, ja erilaiset rusetit ja soljet ovat auki.

Molemmilla naisilla on oma viehätyksensä ja mysteerinsä ympärillä. Mekko itsessään merkitsee populaarikulttuurin eroja aikansa aikana. Toinen on perinteinen ja perinteinen, kun taas toinen on räikeän intiimi mutta skandaali katsojille 1800-luvulla.

Madame X:n muotokuva (1883), kirjoittanut John Singer Sargent

Madame X:n muotokuva Kirjailija: John Singer Sargent , 1883-84, Metropolitan Museum of Art, New Yorkin kautta

Kuka tahansa seisoo edessä rouva X on hämmästynyt muotokuvansa korkeudesta ja säteilystä. John Singer Sargent loi naisen kuvan, josta on tullut yksi hänen tunnistetuimmista ja arvostetuimmista maalauksistaan, vaikka se ei ollutkaan hyväksyttävää hänen aikaansa. Se on muotokuva rouva Pierre Gautreausta, amerikkalaisesta kauneudesta, joka on sekoitettu ranskalaiseen korkeaan joukkoon. Se aiheutti sellaisen skandaalin, että John Singer Sargent itse joutui lähtemään Pariisista Lontooseen.

Vaikka hänen kaltaisiaan mekkoja olisi käytetty puvuna tai juhlissa, ne eivät olleet kuluneet arkiyhteiskunnassa. Tietyt yksityiskohdat tekevät tästä mekosta niin skandaalisen. Hänen korsettinsa on erittäin terävä kohti hänen vatsan alaosaa. Terävä v-pääntie ja helminauhat peittävät tuskin hänen hartioitaan ja paljastavat naisen intiimeiksi pidetyt osat, joten niitä ei sovi esitellä julkisesti.

Iltapuku suunnittelija Hoschedé Rebours , 1885, Metropolitan Museum of Art, New Yorkin kautta

Kun Sargent toimitti maalauksen vuoden 1884 Pariisin salonkiin, se herätti raivoa kriitikkojen ja katsojien keskuudessa. Se herätti kiistoja, että luokkansa naimisissa oleva nainen nähtiin julkisesti niin provosoivalla tavalla. Salonin katsojista näytti siltä, ​​että hänellä oli yllään alusvaatteet eikä varsinainen mekko. Maalaus vahingoitti Mmea. Gautreaun maine ihmisinä näki hänen muotokuvansa heijastuksena pirteästä persoonasta.

Sen ei alun perin pitänyt olla Mme:n kirjaimellinen käännös. Gautreaun hahmo. Sargent itse valitsi mekon ja hänen asennon, ja rekvisiitta muistuttaa muinaista roomalaiset patsaat viitaten Diana, metsästyksen ja kuun jumalatar . Tämä luomus vahingoittaisi heidän molempien mainetta. Sargent poisti lopulta nimensä muotokuvasta ja nimesi sen uudelleen rouva X .

Kuuluisia mekkoja 1900-luvun maalauksissa

Taidetta 1900-luvulla keskittyy abstraktioon ja ilmaisuun ja käy läpi merkittäviä muutoksia uusien tyylien ja teemojen myötä. Tämä toi myös uusien muotojen ja muodin ja taiteen synteesiä . Tässä on kuuluisia mekkoja, jotka on nähty maalauksissa innovatiivisen vuosisadan aikana.

Adele Bloch-Bauer I:n muotokuva (1907) Gustave Klimt

Adele Bloch-Bauer I Kirjailija: Gustav Klimt , 1907, New Galleryn kautta, New Yorkissa

Adele Bloch-Bauerin kultainen mekko näyttää Gustav Klimt Kuvaus naisesta, jota ympäröivä maailma ei hillitse. Verrattuna muihin aikansa korkean yhteiskunnan naisten muotokuviin tämä muotokuva erottuu muista. Sen sijaan, että Klimt maalaisi ylemmän luokan naisen puutarhoissa löhöilemässä tai sohvilla lukemassa, hän muuttaa Adelesta toispuolisen hahmon. Hänen mekkonsa on pyörivä hahmo, joka on täynnä kolmioita, silmiä, suorakulmioita ja ikonografiaa. Ei ole merkkejä suorista korseteista tai kerroksista vaatekerroksilla. Sen sijaan hän on esimerkkinä estoton, kun hän kelluu kultaisessa maailmassaan. Art nouveau sisältää luonnonteemoja ja myyttisiä kuvia. Se liittyy myös boheemiin muotiin, jota Klimt käytti ja käytti useissa muissa maalauksissa.

Emilie Flöge ja Gustav Klimt Villa Oleanderin puutarhassa Kammerissa Attersee-järvellä , 1908, Wienin Leopold-museon kautta

Klimt maalasi usein muotisuunnittelijan luomia malleja Emilie Flöge . Hän ei ole yhtä tunnettu kuin aikalaisensa tai edeltäjänsä muotimaailmassa, mutta hän otti voimakkaita askeleita luodessaan muotia aikansa naisille. Toisinaan se oli yhteistä työtä, kun Klimt käytti kuuluisia mekkojaan myös monissa muissa maalauksissaan. Flögen mekoissa on löysät siluetit ja leveät hihat, joihin ei sisältynyt korsetteja tai muita rajoittavia alusvaatteita. Sekä Klimtin että Flögen teokset edistivät boheemia elämäntapaa, jossa perinteisen ja epätavanomaisen rajat hämärtyvät, kuten Adele Bloch-Bauerin muotokuvassa näkyy.

Muusikko (1929) Tamara Lempicka

Muusikko Kirjailija: Tamara de Lempicka , 1929, Christie’sin kautta

Tamara Lempicka loi muotokuvia, jotka tutkivat naisellisuutta ja itsenäisyyttä 1920-luvulla. Art deco -maalari tuli tunnetuksi julkkisten muotokuvista, jotka tutkivat tyyliteltyä ja kiillotettua muotoa. Kubismi siitä tuli hänen tavaramerkkinsä. Ira Perrot (Lempickan läheinen ystävä ja rakastaja) nähdään musiikin kirjaimellisena ilmentymänä Muusikko . Maalauksesta erottuu hänen esitys sinisestä mekosta. Lempickan tekniikka, joka luo teräviä varjoja kylläisellä väripaletilla, antaa mekolle liikettä niin, että se näyttää leijuvan ilmassa. Mekon lyhyt helma ja laskokset tuovat edelleen mieleen 1920-luvun muoti , joka oli käännekohta naisten muodissa. Naiset käyttivät kuuluisia mekkoja, jotka esittelivät jalkojaan ja käsiään, samalla kun he käyttivät laskostettuja hameita, jotka helpottivat tanssimista.

Lempicka inspiroitui ja opiskeli mestarirenessanssitaiteilijoiden töitä ja käytti samanlaisia ​​teemoja modernilla lähestymistavalla. Perinteisesti sininen väri näkyy Neitsyt Marian puvuissa keskiaikaisissa tai renessanssin maalauksissa. Ultramariininsininen oli harvinaista ja sitä käytettiin säästeliäästi merkittävissä maalauksissa. Tässä Lempicka ei pelkää käyttää väriä hallitsevana painopisteenä muotokuvassa. Juuri tämä sininen sekä hänen poikkeuksellisen vahvan sileän maalin käyttönsä vahvistavat hänen lentävän mekkonsa kirkkautta ja suloisuutta.

Kaksi Fridaa (1939) Kirjailija: Frida Kahlo

Kaksi Fridaa Kirjailija: Frida Kahlo , 1939, Museum of Modern Artissa, Mexico Cityssä Googlen taiteen ja kulttuurin kautta

Meksikon värikkäät ja käsinkudotut tekstiilit kietoutuvat perintöön Frida Kahlo . Hän omaksui nämä vaatteet osaksi perintöään, ja hänet nähdään käyttävän niitä useissa omakuvissa ja valokuvissa. Frida Kahlon kuuluisat mekot Kaksi Fridaa symboloivat hänen yhteyksiään molemmin puolin hänen eurooppalaista ja meksikolaista perintöään.

Vasemmalla oleva Frida heijastaa hänen kasvamistaan ​​ylemmän keskiluokan perheessä. Hänen isänsä oli kotoisin Saksasta, ja hänen lapsuudenkotielämänsä sisälsi länsimaisia ​​tapoja. Hänen mekkonsa valkoinen pitsi symboloi eurooppalaisessa muodissa suosittua tyyliä. Tämä länsimainen versio on ristiriidassa oikean Fridan toiveen kanssa omaksua meksikolainen perintönsä pukemalla perinteistä tehuanalaista mekkoa. Tämä vaate on jotain, jota hänen miehensä rohkaisi Diego Rivera erityisesti heidän taistelussaan muutoksen puolesta maassaan. Se osoitti hänen ylpeytensä käyttää alkuperäiskansojen ja perinteisiä vaatteita Meksikosta.

Kahlon vaatteet ovat tärkeä osa hänen elämäänsä ja työtään. Lapsena polioon sairastuttuaan hänen toinen jalkansa oli toista lyhyempi. Hänen värikkäistä hameistaan ​​tuli tapa, jolla hän piilotti jalkansa tavalla, joka suojeli häntä tarkastelulta. Hänen vaatekaappistaan ​​kuului Tehuana-mekkoja, huipil-puseroita, rebozoja, kukkaisia ​​päähineitä ja antiikkikoruja. Nämä vaatteet on tärkeä huomioida Kahlon teoksia tarkasteltaessa, sillä ne kuvaavat hänen rakkautta, kipua ja kärsimystä, joita hän sisällyttää työhönsä.