4 ikonista taide- ja muotiyhteistyötä, jotka muovasivat 1900-luvun

Kolme Cocktail-mekkoa, kunnianosoitus Piet Mondrianille Kirjailija: Eric Koch , 1965, Vogue Francen kautta

Taiteen ja muodin väliset yhteydet määrittelevät tiettyjä hetkiä historiassa. Molemmat näistä välineistä heijastavat sosiaalisia, taloudellisia ja poliittisia muutoksia myrskyisästä 20-luvusta 80-luvun loistokkuuteen. Tässä on neljä esimerkkiä taiteilijoista ja muotisuunnittelijoista, jotka ovat työllään auttaneet muotoilemaan yhteiskuntaa.

1. Halston and Warhol: A Fashion Fellowship

Neljä muotokuvaa Halstonista , Andy Warhol, 1975, Yksityinen kokoelma

Roy Halstonin ja Andy Warhol on yksi, joka määritteli taiteellisen maailman. Sekä Halston että Warhol olivat johtajia, jotka tasoittivat tietä tehdä taiteilijasta/suunnittelijasta julkkis. He riisuivat pois taidemaailman teeskentelevän stigman ja toivat muotia ja tyyliä massoihin. Warhol käytti silkkiseulonta kuvien tuottamiseen useita kertoja. Vaikka hän ei todellakaan keksinyt prosessia, hän mullistai ajatuksen massatuotannosta. Halston käytti kankaita ja malleja, jotka olivat yksinkertaisia ​​ja tyylikkäitä, mutta loistokkaita paljeteilla, ultramokkalla ja silkillä. Hän oli yksi ensimmäisistä, joka teki amerikkalaisesta muotista saatavaa ja toivottavaa. Molemmat leimasivat taiteeseen ja tyyliin 1960-, 70- ja 80-luvuille asti, ja ne kestävät edelleen.

Yhteistyö ja kaupallinen menestys

Kukat Kirjailija: Andy Warhol , 1970, Princetonin yliopiston taidemuseon kautta (vasemmalla); kanssa Liza Kirjailija: Andy Warhol , 1978, Christie'sin kautta (keskellä); ja Kukat Kirjailija: Andy Warhol , 1970, Tacoma Art Museumin kautta (oikealla)

Sekä Halston että Warhol tekivät yhteistyötä useissa eri projekteissa. Warhol tekisi mainoskampanjoita, joissa esiteltiin Halstonin vaatteet ja jopa Halston itse. Suoremmassa yhteistyössä Halston käytti Warholin kukkaprinttiä joihinkin vaatteisiinsa iltapuvusta lounge-asusarjaan.

Halston käytti vaatteissaan yksinkertaisia ​​malleja, mikä teki niistä erittäin menestyneitä. Ne olivat yksinkertaisia ​​ja helppoja käyttää, mutta silti tuntuivat ylellisiltä hänen käyttäessään kankaita, värejä tai printtejä. Warhol myös yksinkertaisti materiaalejaan ja prosessiaan, mikä helpotti hänen teostensa kopioimista ja myyntiä.

Pidätkö tästä artikkelista?

Tilaa ilmainen viikoittainen uutiskirjeemmeLiittyä seuraan!Ladataan...Liittyä seuraan!Ladataan...

Tarkista postilaatikkosi aktivoidaksesi tilauksesi

Kiitos!

Iltapuku kirjoittanut Halston , 1972, Indianapolisin taidemuseon kautta (vasemmalla); kanssa Mekko ja siihen sopiva viitta kirjoittanut Halston , 1966, FIT-museon kautta, New York City (keskellä); ja Lounge Ensemble kirjoittanut Halston , 1974, University of North Texasin kautta, Denton (oikealla)

Kaupallisella menestyksellä oli haasteensa molemmille suunnittelijoille. Halston teki vuonna 1982 ensimmäisenä yhteistyötä vähittäiskauppaketjun, JCPenneyn, kanssa, jonka tarkoituksena oli tarjota asiakkaille halvempi vaihtoehto hänen suunnittelulleen. Tämä ei onnistunut hänen brändilleen, koska se näytti halventavan sitä, mutta se tasoitti tietä tuleville suunnittelijoille tehdä samoin. Warhol kohtasi myös kritiikkiä, koska hänen tuotantoaan pidettiin pinnallisena ja pinnallisena. Molemmat kuitenkin modernisoivat vähittäiskaupan ja markkinoinnin käyttöä omissa tiloissaan luodakseen brändejä myytäväksi massamarkkinoille.

Glitz ja Glamour

Diamond Dust -kengät Kirjailija: Andy Warhol , 1980, Monsoon Art Collectionin kautta, Lontoo (vasemmalla); kanssa Naisten mekko, paljetti kirjoittanut Halston , 1972, LACMA:n kautta (oikealla)

Sekä Warhol että Halston vierailivat usein Studio 54:ssä. He juhlivat, suunnittelivat ja tuottivat töitä julkkiksille, kuten Liza Minnellille, Bianca Jaggerille ja Elizabeth Taylorille. Nämä retket näkyvät heidän teoksissaan, koska ne inspiroivat ja määrittelivät 1970-luvun diskoaikakauden.

Halston tunnetaan iltavaatteiden luomisesta täysillä paljeteilla. Hän asetti paljetteja kankaalle vaakasuoraan. Tämä luo materiaaliin hohtavan vaikutelman, jota hän käyttäisi ombre- tai patchwork-kuvioiden luomiseen. Hänen suunnittelunsa olivat yksinkertaisia ​​siluetteja, jotka loivat tanssimiseen helppoutta ja liikettä. Hänen paljettinsa käyttö oli erittäin suosittua tähtien keskuudessa, mukaan lukien Liza Minnelli, joka käytti hänen piirroksiaan esityksissä ja retkillä. Studio 54 .

Warholin Diamond Dust Shoes -sarja on myös esimerkki Studio 54:n yöelämästä ja julkkisten vaikutuksesta. Timanttipölyä hän käytti silkkiprinttien tai maalausten päällä luoden teoksen syvyyttä lisää. Warholin kenkäprintit olivat alun perin idea Halstonin mainoskampanjalle. Hän käytti jopa joitain Halstonin omia kenkämalleja inspiraationa.

Suunnittelijan julkkiskehitys alkoi Warholista ja Halstonista. Kyse ei ollut vain siitä, millaista taidetta ja vaatteita he loivat, vaan myös heidän sosiaalisesta elämästään. Nykyään on muotisuunnittelijoita ja taiteilijoita, jotka ovat julkkispersoonallisuuksia, ja se edistää heidän tuotemerkkiensä menestystä.

2. Sonia Delaunay: Missä taiteesta tulee muotia

Sonia Delaunay kahden ystävän kanssa Robert Delaunayn studiossa, 1924, Pariisin Bibliothèque Nationale de Francen kautta

Sonia Delaunay ei ainoastaan ​​mullistanut uuden muodon Kubismi mutta myös visioi taiteen ja muodin väliset yhteydet. Sekä Delaunay että hänen miehensä olivat tienraivaajia Orfismi ja kokeillut erilaisia ​​abstraktion muotoja taiteessa. Hän oli ensimmäinen laatuaan, joka käytti omaa taiteellista tyyliään ja siirtyi muotimaailmaan käyttämällä alkuperäisiä tekstiilimalleja, printtejä tai kuvioita. Hänet muistetaan enemmän taiteestaan ​​ja yhteydestään aviomieheensä kuin muodistaan. Hänen vaatteensa olivat naisten vaatteiden muutoksen eturintamassa 1920-luvulla. Hänen vaateluettelonsa muistetaan enemmän valokuvissa ja viittauksissa hänen taiteeseensa kuin itse fyysisiin vaatteisiin. Delaunaylle ei ole vedetty rajaa taiteen ja muodin välille. Hänelle ne ovat yksi ja sama.

Simultaani ja kapinallinen muoti

Samanaikaiset mekot (kolme naista, muodot, värit) Kirjailija: Sonia Delaunay , 1925, Thyssen-Bornemiszan kansallismuseon kautta, Madrid (vasemmalla); kanssa Samanaikainen mekko Kirjailija: Sonia Delaunay , 1913, Thyssen-Bornemiszan kansallismuseon kautta, Madrid (oikealla)

Delaunay aloitti muotiliiketoimintansa 1920-luvulla luomalla vaatteita asiakkaille ja tekemällä kangassuunnittelua valmistajille. Hän soitti etikettiin Samanaikaisesti ja kehitti edelleen hänen värien ja kuvioiden käyttöä useissa eri medioissa. Simultanismi oli tärkeä rooli hänen suunnitteluprosessissaan. Hänen tekniikkansa on hyvin samanlainen kuin tilkkutäkki tai tekstiilejä Itä-Euroopasta. Värit peittävät toisiaan ja kuvioita käytetään harmonian ja rytmin luomiseen. Hänen yhteisiä teemojaan ovat neliöt/suorakulmiot, kolmiot ja vinoviivat tai pallot – jotka kaikki menevät päällekkäin hänen erilaisissa malleissaan.

Sonia Delaunayn levy 14: Hänen maalauksensa, esineensä, samanaikainen kankaansa, hänen muotinsa Kirjailija: Sonia Delaunay , 1925, National Gallery of Victoria, Melbourne kautta

Delaunay oli nuori nainen aikana Edwardian aikakausi missä korsetit ja konformisuus olivat normi. Tämä muuttui 1920-luvulla, kun naiset käyttivät polven yläpuolella olevia hameita ja väljiä, laatikkoon istuvia vaatteita. Tämä näkökohta näkyy Delaunayn malleissa, ja hän oli intohimoinen naisten tarpeiden mukaisten vaatteiden luomisessa. Hän suunnitteli uimapuvut, jotka mahdollistivat naisten osallistumisen paremmin sellaisiin urheilulajeihin, jotka aiemmin estivät heidän pelaamistaan. Hän laittoi tekstiilinsä takkien, kenkien, hattujen ja jopa autojen päälle, mikä teki jokaisesta pinnasta hänen kankaansa. Hänen suunnittelunsa loivat liikkumis- ja ilmaisuvapauden värin ja muodon kautta.

Delaunayn siirtyminen elokuvaan ja teatteriin

Le P'tit Parigot Kirjailija: René Le Somtier , 1926, IMDB:n kautta (vasemmalla); kanssa Puku 'Cleopatralle' Ballets Russes -tuotannossa 'Cleopatra' Kirjailija: Sonia Delaunay 1918, LACMA:n kautta (oikealla)

Delaunay siirtyi uransa aikana elokuvan ja teatterin pariin. Hän suunnitteli puvut vuoden 1926 elokuvaan Le P'tit Parigot ('Pieni pariisilainen'), kirjoittanut Rene Le Somptier. Sekä Delaunay että hänen miehensä osallistuivat elokuvaan ja hänen miehensä osallistuivat elokuvissa käytettyihin lavastussuunnitelmiin. Vasemmalla romanialainen tanssija Lizicai Codreanu on kuvassa yhdessä Delaunayn suunnittelemista asuista. Hänen pallojen, siksakkien ja neliöiden käyttö on toinen esimerkki simultanismista. Taustan siksakit sekoittuvat pukujen leggingseihin. Tanssijan kasvoja ympäröivä levy oli toistuva teema Delaunayn muodissa.

Hän teki myös malleja 'Cleopatra' , kirjoittanut Ballets Russes. Kuten hänen elokuvayhteistyönsä, hän loi puvut ja hänen miehensä työskenteli lavastusta. Molemmat tekivät yhteistyötä toistensa kanssa luodakseen katsojalle harmonisen kokemuksen. Kleopatran asussa on monivärisiä raitoja ja puoliympyröitä, jotka yhdistävät hänen 1920-luvun abstraktin tyylinsä perinteiseen balettiin.

3. Elsa Schiaparellin ja Salvador Dalín yhteistyö

Schiaparelli hatun muotoinen kenkä Elsa Schiaparelli ja Salvador Dalí , 1937-38, Vogue Australian kautta

Eturintamassa surrealistinen taide on sovitettu johtajan kanssa surrealistisella tavalla. Salvador Dali ja muotisuunnittelija Elsa Schiaparelli tekivät yhteistyötä ja inspiroivat toisiaan koko uransa ajan. He loivat ikonisia kuvia, kuten Hummeri mekko , Kenkähattu (Dalín vaimo, Gala edellä) ja Kyynelmekko , joka järkytti ja inspiroi yleisöä sekä taiteessa että muodissa. Dalí ja Schiaparelli tasoittivat tietä tulevalle yhteistyölle muotisuunnittelijoiden ja taiteilijoiden välillä, kun he ylittivät kuilun puettavan taiteen ja muodin välillä.

Hummeri ja Dalí

Naisten illallinen mekko Elsa Schiaparelli ja Salvador Dali , 1937, Philadelphian taidemuseon kautta (vasemmalla); Salvador Dali Kirjailija: George Platt Lynes , 1939, Metropolitan Museum of Art, New York Cityn kautta (oikealla)

Vaikka hummeri on näennäisesti vaaraton, se on itse asiassa kiistanalainen. Dalí käytti hummerit toistuvana teemana hänen työssään ja oli kiinnostunut hummerin anatomiasta. Sen kuori toimii ulkopuolelta luurankona, ja sen sisällä on pehmeä sisäpuoli, päinvastoin kuin ihmiset. Dalín teosten hummerilla on myös seksuaalisia sävyjä, jotka kumpuavat naaras-urosdynamiikasta.

Lobster-mekko on kahden taiteilijan yhteistyö, jossa Dalí luonnostelee hummeria käytettäväksi mekossa. Se herätti paljon keskustelua, kun se debytoi ensimmäisen kerran Vogue . Ensinnäkin siinä on läpinäkyvä liivi ja hame, joka on valmistettu valkoisesta organzasta. Tämä läpinäkyvyys, joka esitti tuskin näkyvää kuvaa mallin vartalosta, oli jotain aivan uutta massamittakaavassa nähtynä muodissa. Valkoisen kankaan käyttö eroaa myös hummerin punaisesta. Valkoista voidaan pitää neitseellisenä tai puhtauden merkkinä punaiseen verrattuna, mikä voi tarkoittaa seksuaalisuutta, voimaa tai vaaraa. Hummeri asetetaan kätevästi hameen peittämään naisen lantion alue. Tämä sijoittelu on samanlainen kuin yllä oleva Dalín valokuva, joka kuvaa edelleen naisten seksuaalisuutta verrattuna miesten reaktioon siihen.

Malli, joka käytti vaatteen Vogue oli Wallis Simpson, Edward VIII:n vaimo, joka luopui Englannin valtaistuimesta mennäkseen naimisiin hänen kanssaan. Tämä on jälleen yksi esimerkki kulttuurin kiistanalaisen hahmon tai kuvan ottamisesta ja sen muuttamisesta kunnioitettavaksi.

Luusta jäähdyttävä tyyli

Nainen, jolla on ruusupää Kirjailija: Salvador Dalí , 1935, Kunsthaus Zürichin kautta (vasemmalla); kanssa Skeleton mekko Kirjailija: Elsa Schiaparelli , 1938, Victoria and Albert Museumin kautta, Lontoo (oikealla)

Luurankot ovat toinen surrealistisessa taiteessa nähty teema, ja niitä käytettiin useammissa Dalin ja Schiaparellin yhteistyössä. Skeleton mekko oli ensimmäinen laatuaan aiheensa, mutta myös tekniikansa vuoksi. Schiaparelli käytti tekniikkaa nimeltä tikattu jossa kaksi kangaskerrosta ommellaan yhteen muodostaen ääriviivat. Vanu lisätään ääriviivojen sisään, mikä luo kohotetun vaikutelman. Tämä tekniikka luo tasaiseen kankaaseen teksturoidun pinnan, mikä antaa illuusion siitä, että mekon läpi työntyy ihmisen luut. Se aiheutti skandaalin, koska mekko oli valmistettu tarttuvasta materiaalista, joka tarttui ihoon. Dalin maalausten ja piirustusten mielikuvitukset toteutuivat fyysisessä kolmiulotteisessa maailmassa Schiaparellin vaatteiden avulla. Dali, kuten aiemmin mainittiin, oli kiinnostunut anatomiasta, ja tämä näkyy myös hänen työssään.

4. Yves Saint Laurent: Missä taide ja inspiraatio kohtaavat

Yves Saint Laurentin Picasso-vaikutteinen mekko Kirjailija Pierre Guillaud , 1988, Times LIVEn kautta (vasemmalla); kanssa Linnut Georges Braque, 1953, Louvre-museo, Pariisi (oikealla)

Missä menee jäljittelyn ja arvostuksen raja? Sekä kriitikot, katsojat, taiteilijat ja suunnittelijat ovat kamppailleet selvittääkseen, mihin tämä viiva vedetään. Kuitenkin kun keskustellaan Yves Saint Laurent , hänen aikomuksensa olivat vain imartelua ja ihailua taiteilijoita ja maalauksia kohtaan, joita hän käytti inspiraationa. Tarkastellessaan laajaa portfoliotaan Saint Laurent inspiroitui kulttuureista ja taiteesta ympäri maailmaa, ja hän sisällytti tämän vaatteisiinsa.

Vaikka Yves Saint Laurent ei koskaan tavannut häntä inspiroineita taiteilijoita, tämä ei estänyt häntä luomasta teoksia kunnianosoituksena heille. Laurent keräsi inspiraatiota taiteilijoilta, kuten Matisse , Mondrian, Van Gogh, Georges Braque ,ja Picasso . Hän oli taiteen keräilijä ja hänellä oli Picasson ja Matissen maalauksia omassa kodissaan. Toisen taiteilijan kuvien ottaminen inspiraationa voidaan joskus nähdä kiistanalaisena. Saint Laurent kuitenkin käyttäisi samanlaisia ​​teemoja kuin nämä taiteilijat ja sisällyttäisi ne puetettaviin vaatteisiin. Hän otti kaksiulotteisen aiheen ja muutti sen kolmiulotteiseksi vaatteeksi, joka kunnioittaa joitain hänen suosikkitaiteilijoitaan.

Pop-taide ja 60-luvun vallankumous

Murielin käyttämä cocktailmekko, kunnianosoitus Piet Mondrianille, syksy-talvi 1965 haute couture -mallisto Yves Saint Laurent, valokuvannut Louis Dalmas , 1965, Musée Yves Saint Laurent, Pariisin kautta (vasemmalla); kanssa Elsan käyttämä iltapuku, kunnianosoitus Tom Wesselmannille, syksy-talvi 1966 haute couture -kokoelma Kirjailija: Yves Saint Laurent kuvannut Gerard Pataa, 1966 , Pariisin Yves Saint Laurent -museon kautta (oikealla)

1960-luku oli vallankumouksen ja kaupallisuuden aikaa ja muodin ja taiteen uusi aikakausi. Saint Laurentin mallit saivat kaupallista menestystä, kun hän alkoi saada inspiraatiota Pop-taide ja abstraktio. Hän loi 26 mekkoa vuonna 1965 Piet Mondrianin abstraktien maalausten innoittamana. Mekot ilmensivät Mondrianin yksinkertaisia ​​muotoja ja rohkeita perusvärejä. Saint Laurent käytti tekniikkaa, jossa kangaskerrosten välissä ei ole näkyvissä saumoja, mikä sai vaikutelman siltä, ​​että vaate olisi yksi kokonaisuus. Saint Laurent otti Mondrianin taiteen 1920-luvulta ja teki siitä puettavan ja verrattavan 1960-luvulle.

Mod-tyyliset mekot ovat klassisia esimerkkejä 1960-luvun tyylistä, jossa käytännöllisyydestä oli tulossa suurempi kysymys naisille. Ne olivat samanlaisia ​​kuin 1920-luvun vaatteet, jotka olivat vähemmän rajoittuneita ja joiden hihoissa ja helmassa näkyi enemmän ihoa. Saint Laurentin laatikkomaiset siluetit mahdollistivat naisille helppouden ja liikkuvuuden. Tämä johti myös hänen inspiraationsa pop-taiteilijoilta, kuten Tom Wesselmann ja Andy Warhol. Hän loi sarjan pop-taiteen inspiroimia malleja, joissa oli siluetteja ja leikkauksia hänen vaatteisiinsa. Kyse oli rajoitusten rikkomisesta sen suhteen, mitä abstraktio on taiteessa, ja suunnittelun kaupallistamisesta. Laurent yhdisti nämä kaksi ideaa luodakseen naisille vaatteita, jotka vapauttavat ja houkuttelevat nykyaikaista naista.

Taiteellisuus Haute Couture -muotissa

Iltayhtyeet, kunnianosoitus Vincent van Goghille, Naomi Campbellin ja Bess Stonehousen yllään, kevät-kesä 1988 haute couture -kokoelma Yves Saint Laurent, valokuvannut Guy Marineau , 1988, Yves Saint Laurent -museon kautta, Taken

The Vincent van Gogh Saint Laurentin takit ovat esimerkki siitä, kuinka Saint Laurent yhdisti muiden taiteilijoiden inspiraation ja omat suunnittelukykynsä. Kuten hänen muitakin vaatteitaan, taiteilijoihin liittyviä teemoja ei kopioitu ja liimattu Saint Laurentin vaatteisiin. Sen sijaan hän päätti ottaa ne inspiraationa ja luoda kappaleita, jotka heijastivat hänen omaa tyyliään. Takki edustaa 80-luvun tyyliä vahvoilla olkapäillään ja erittäin jäsennellyllä boxy-asulla. Se on auringonkukkien kollaasi, joka on kirjailtu Van Goghin maalaustyyliin.

Auringonkukkatakki-yksityiskohta Kirjailija: Yves Saint Laurent , 1988, Christie’sin kautta (vasemmalla); kanssa Auringonkukat-yksityiskohta Kirjailija: Vincent Van Gogh , 1889, Amsterdamin Van Gogh -museon kautta

Yves Saint Laurent teki yhteistyötä talon kanssa Vuokratalo , johtava haute couture -kirjonta. Auringonkukkatakki on brodeerattu putkihelmillä, jotka vuoraavat takin reunoja sekä auringonkukan terälehtiä ja varsia. Kukat ovat täynnä erilaisia ​​oransseja ja keltaisia ​​paljetteja. Tämä luo moniulotteisen tekstuurikappaleen, joka on samanlainen kuin Van Goghin tekniikka kerrostaa paksua maalia kankaalle. Sen arvioidaan olevan yksi kalleimmista valmistetuista haute couture -kappaleista, ja se myydään Christie’sin 382 000 eurolla. Saint Laurent silloi tien siihen, kuinka muotia voitaisiin käyttää taideteoksena sinänsä.