Wieniläinen visionääri: Gustav Klimtin elämä ja taide

Siirtymää historismista jugendstiliin Gustav Klimtin opus loi modernin taiteen alun Wienissä. Hänen maalauksensa antavat näkemyksen maailmasta runsaudessa ja vapaa-ajassa. Allegorioissa, muotokuvissa, maisemissa ja eroottisissa hahmoissa hän keskittyy ennen kaikkea kauneuteen jättäen pois suorat viittaukset ulkoisiin tapahtumiin. Klimt rakensi väri- ja kuviokäyttönsä japanilaisen taiteen, muinaisen Egyptin taiteen ja Bysantin Ravennan vaikutuksiin.

Hänen maalaustensa tasainen, kaksiulotteinen perspektiivi ja hänen maalauksensa syvällisen aistillisuuden tyylitelty laatu edustavat naisen hahmoa. Gustav Klimtin henkilökohtaisesta elämästä ei tiedetä taiteellisen uransa lisäksi juuri mitään konkreettista. Enimmäkseen kuulopuheet edustavat naisten miestä, luulotautia ja tasapainoista elämäntapaa omaava poikamies, taiteen takana oleva mies jää jonkin verran mysteeriksi.

Gustav Klimtin varhainen elämä

Gustav Klimt syntyi 14. heinäkuuta 1862 toisena kultakaivertajan Ernstin ja Anna Klimtin seitsemästä lapsesta Wienin esikaupunkialueella. Valmistuttuaan perus- ja toisen asteen modernista koulusta Gustav pääsi 14-vuotiaana Imperiumin kuninkaallisen taide- ja teollisuusmuseon (Wienin Taideteollisuusyliopiston) taide- ja käsityökouluun vuonna 1876.

Pian Gustavin veljet liittyivät Taideteollisuuskouluun ja hän alkoi saada ensimmäiset toimeksiantonsa. Tämä sisälsi työskentelyn suunnitteleman juhlakulkueen parissa 'prinssi-maalari' Hans Makart keisari Franz Joseph I:n ja keisarinna Elisabetin hääpäivänä vuonna 1879.

Klimtin veljekset perustivat yhdessä Franz Matschin kanssa studiokollektiivin, joka tuli tunnetuksi nimellä taiteilijayritys (Artists’ Organisation englanniksi) vuonna 1883. Heidän ensimmäiset yhteistilauksensa olivat työt wieniläiselle arkkitehtitoimistolle Fellner & Helmer ja kattomaalaukset keisarinna Elisabetin Hermesvillan salonkiin vuonna 1885.

Toisin kuin myöhemmässä taiteessa, josta hänet tunnetaan paremmin, Klimt koulutti klassisen perinteen maalari. Varakas liberaaliporvaristo oli valinnut Klimtin akateemisen koulutuksen omaavana taiteilijana arvostettujen rakennustensa sisustajaksi. Uuden lähestymistavan todellisuuteen innoittamana hän kääntyi pian pois taiteellisen historismin ihanteista ja normeista sekä muodollisesti että sisällöllisesti.

Wienin Secessionin perustaminen

1890-luvun puolivälissä nuori pyrkimys taiteilijoiden sukupolvi muodosti ryhmän Künstlerhausissa (näyttelytila ​​vakiintuneille taiteilijoille, samanlainen kuin Pariisin salonki ). Se vastusti konservatiivisuutta ja puolusti näyttelytilojen avaamista moderneille ja kansainvälisille liikkeille. Vuonna 1897 kapinalliset taiteilijat, mukaan lukien Koloman Moser, Carl Moll ja Alfred Roller, ilmoittivat eroavansa Künstlerhausista. Klimtin puheenjohtajakaudella he perustivat Itävallan taiteilijoiden liiton Wienin Secession , jonka tarkoituksena on kouluttaa yhteiskuntaa tulevaisuuteen suuntautuneiden taiteellisten konseptien avulla ja infusoida elämää taiteella.

Secession osoittautui suureksi menestykseksi alusta alkaen. Vuonna 1898 se piti sekä ensimmäisen että toisen näyttelynsä. Samana vuonna Secession sai oman näyttelytilan, kun Secession-rakennus pystytettiin suunnittelemaan. Joseph Maria Olbrich . Sisäänkäynnin yläpuolelle kaiverrettu tunnuslause ' Jokaiselle aikakaudelle taiteensa, taiteelle vapautensa ”, tarkoittaa tähän päivään asti ryhmän radikaalin liberaalia lähestymistapaa. Uuden liikkeen pääpiirteissään oli todeta eronsa virallisesta akateemisesta perinteestä ja puhua totuus nykyihmisestä. Gustav Klimtille taiteilijana tämä merkitsi hänen asemansa menettämistä hyväksytyn ja vakiintuneen taidemaalarina, jonka hän rakensi itselleen vuosien varrella. Kun Klimt siirtyi pois perinteisestä alusta, hän joutui sarjaan kiistoja, jotka määrittelivät hänen uraansa entisestään.

Gustav Klimtin skandaalit

Gustav Klimt sai yhdessä Matschin kanssa toimeksiannon sarjasta maalauksia Wienin yliopistolle vuosina 1898 ja 1899. Osana työtä Klimtille määrättiin filosofian, lääketieteen ja oikeustieteen aineet. Yliopisto odotti sarjan muodollisia maalauksia klassiseen tyyliin samankaltaisesti Rafaelin työ Stanza della Segnaturassa . Se, mitä he todella saivat useiden vuosien työn jälkeen, aiheutti kuitenkin sellaisen skandaalin, että Klimt maksoi saamansa ennakkomaksut ja otti maalaukset takaisin.

Yksi maalauksista, Filosofia , oli näytteillä Pariisissa vuoden 1900 maailmannäyttelyssä ja voitti kultamitalin, joka osoittaa eron Ranskan ja Itävallan taidepiireissä. Sarjan toinen maalaus, Lääke , aiheutti vielä enemmän keskustelua. Maalauksen naishahmot edustavat täydellistä poikkeamaa perinteisestä 1800-luvun akateemisesta tyylistä. Klimtin naiset ovat pitkäkarvaisia ​​ja hoikoja, ja heillä on seksuaalinen tietoisuus, joka on sekä houkuttelevaa että suorastaan ​​lähes uhkaavaa. Tiedekunnan maalaukset varmistivat sen, että Gustav Klimt menetti keisarin ja muiden vakiintuneiden henkilöiden suojeluksessa. Onneksi hän pystyi ansaitsemaan mukavasti elantonsa maalaamalla muotokuvia.

Secessionin 14. näyttely vuonna 1902 johti uuteen skandaaliin. Tällä kertaa Klimt lahjoitti työlle omistetun friisin Ludwig van Beethoven tarkoitus olla esillä Secession-rakennuksessa. Kolme allegorista hahmoa Envy, Luxury ja Excess suunniteltiin ottamaan osaa huoneen keskiseinästä, jossa Max Klingerin Beethovenin patsas oli myös tarkoitus olla esillä. Kuvassa Kateus , Klimt käyttää naisen hiuksia sekä piilottaakseen sukupuolensa että kiinnittääkseen siihen huomion. Ylimääräinen ei niinkään muistuta naista, vaan turkkilaista pashaa, jonka rintakehä on laajentunut muodostaen naisen rintoja. Konservatiivinen wieniläinen yhteiskunta järkyttyi jälleen kerran syvästi näistä kuvista.

Klimtin kultainen vaihe

Gustav Klimtin Beethoven-friisi osoittaa, että hän käytti jo vuonna 1902 joitakin 'kultaiselle vaiheelleen' tyypillisiä elementtejä. Klimtin kultaista vaihetta edustavat teokset, joista hänet tunnetaan nykyään eniten, mukaan lukien Suudelma , Judith ja Holofernesin pää , sekä muotokuvia Adele Bloch-Bauer , Danae , ja paljon muuta. Metallisten geometristen elementtien käyttö merkitsi Klimtin 'kultaisen vaiheen' virallista alkua, joka saavutti huippunsa viisi vuotta myöhemmin hänen ensimmäisellä muotokuvallaan Adele Bloch-Bauerista.

Vuonna 1903 Ravennan matkalla Klimtiin teki suuren vaikutuksen varhaiskristilliset mosaiikit Ravennan kirkoissa . Kiinnostuksen tulokset näkyivät hänen omassa kollaasimaisissa kulta- ja hopeakoristekuvioissa, jotka levitettiin kankaan pintaan. Klimtin tyylistä tuli yhdistelmä luonnollisia elementtejä ja suuria abstrakteja geometrisia koristeita.

Yksi ensimmäisistä teoksista, joissa Klimt käytti aitoa lehtikultaa, on Judithin maalaus vuodelta 1901. Juutalaisten sankaritar käyttää kultaista chokeria ja jalokivillä upotettua vyötä. Kultaa käytetään myös taustalla puiden ja viiniköynnösten aiheina.

Klimtin kultaisen vaiheen huippu oli ensimmäinen Adele Bloch-Bauerin muotokuva , valmistui 1907. Klimtin runsaasti käyttämät yksittäiset koriste-aiheet osoittavat tyylivaikutusten vaihtelua. Adelen mekko ja nojatuoli tuovat mieleen Ravennan kultamosaiikit, hänen mekkonsa silmä- ja kolmioaiheet ovat peräisin egyptiläisistä kultakoruista ja herkät spiraalit antiikin mykeneen taidetta . Tausta on tehty pienistä hiutaleista, jotka muistuttavat itäaasialaisia ​​taittoseinämiä ja lakkakappaleita.

Poistuminen Wienin Secessionista

Vuonna 1905 vuosia kiehuneet sisäiset ristiriidat ja Secessionin jäsenten erilaiset tavoitteet johtivat lopulta taiteilijoiden väliseen erimielisyyteen. Sesessionistien ryhmä, joka tunnetaan nimellä 'stylistit', johon Klimt kuului, erottui niistä, jotka tunnetaan 'realisteina'. Syy eroon ei ollut esteettinen eikä tyylillinen, kuten nimet saattoivat viitata, vaan se johtui Klimtistä itsestään. Ns. 'Klimt Group' (taiteilijat, jotka lähtivät ryhmästä Klimtin kanssa) sisälsivät arvostetuimpia ja kansainvälisesti tunnetuimpia Secessionin jäseniä, jotka lähtivät ajamaan omia taiteellisia ideoitaan.

Secessionista riippumattomasti toimiva Klimt Group järjesti yhden 1900-luvun alun tärkeimmistä näyttelyistä, 1908 taidenäyttely . Avauspuheessaan ryhmän johtajana Gustav Klimt korosti soveltavan taiteen merkitystä ja korosti, että 'korkealla' visuaalisella ja 'matalalla' taideteollisuudella ei ole eroa. Näyttelyssä oli esillä 16 Klimtin maalauksen ympärille keskittyvää teosta Suudelma , jonka opetusministeriö osti myöhemmin Moderne Galerielle (nykyinen Österreichische Galerie Belvedere). Oskar Kokoschka , toinen tärkeä moderni taiteilija, debytoi näyttelyssä Kunstschaussa ja omisti omansa Unelmoivat pojat Klimtille.

Myöhemmät vuodet ja kuolema

Gustav Klimt jatkoi kansainvälistä menestystä 1910-luvun alussa allegorisella maalauksellaan Kuolema ja Elämä voitti ensimmäisen palkinnon kansainvälisessä näyttelyssä Roomassa vuonna 1911. Hänen taiteellisten aikalaistensa tavoin elämän ja kuoleman kaksintaistelu oli aina inspiroinut Klimtin taidetta. Yksi selkeistä vaikutuksista Klimtin maalaukseen tuli nuorelta ekspressionistilta Egon Schiele , joka oli Klimtin suojattu. Schielen maalaukset ja piirustukset ilmaisivat yleisesti ekspressionismille tyypillistä sisäistä ahdistusta. Toisin kuin nuoren ekspressionistin teokset, Klimtin maalaus Kuolemasta vaikuttaa lohduttavammalta ja toiveikkaammalta, kun ihmiset eivät välitä sen uhkaavasta hahmosta.

Vuonna 1918, Suuri sota päättyi ja toi mukanaan Itävalta-Unkarin monarkian ja sen keisarillisen pääkaupungin Wienin kaatumisen . Poliittisella tasolla koko Itävalta murskattiin, mutta myös sen taiteelliset piirit kärsivät merkittäviä tappioita. Yhdessä Egon Schielen, Koloman Moserin, arkkitehti Otto Wagnerin ja monien muiden kanssa sama kuoleman aalto pyyhkäisi Klimtin pois.

11. tammikuuta 1918 Gustav Klimt sai aivohalvauksen asunnossaan ja halvaantui toiselta puolelta. Alle kuukautta myöhemmin, 6. helmikuuta, Wienin yleissairaalassa Klimt kuoli aivohalvauksen ja keuhkokuumeen seurauksista. Wieniläinen taidekriitikko Berta Zuckerkandl kirjoittaa vastauksena Klimtin kuolemaan: '... jopa näinä kuolemaan tottuneina aikoina Klimtin poismeno lävistää sielumme jonakin käsittämättömänä, ihmiskunnalle suotetun ihmeellisen lahjan loukkauksena.'

Gustav Klimtin perintö

Klimtin ansioista taiteilijana keskusteltiin vielä hänen kuolemansa jälkeen Wienissä. Nuoremmat wieniläiset maalarit Egon Schiele ja Oskar Kokoschka ihailivat häntä, ja vaikka Klimt varmasti inspiroi heidän taidettaan, hänellä ei koskaan ollut todellisia seuraajia. Kun Klimt kuului taiteen siirtymäkauteen, Schiele ja Kokoschka edustivat ekspressionismin alkua.

Klimt itse ihaili Rodin ja Whistler kopioimatta niitä tai heidän taidetyyliään, joten hänellä ei myöskään ollut varmoja edeltäjiä. Ainoa lausunto, jonka hän antoi itsestään ja taiteestaan ​​oli: 'Olen varma, ettei minussa ihmisenä ole mitään poikkeuksellista. Olen vain maalari, joka maalaa joka päivä aamusta iltaan.'

Nykyään, yli vuosisadan kuolemansa jälkeen, Gustav Klimt muistetaan yhtenä kaikkien aikojen merkittävimmistä moderneista taiteilijoista. Hän jätti valtavan määrän töitä, mukaan lukien noin neljä tuhatta piirustusta ja monia maalauksia . Vaikka Klimt ei koskaan jättänyt realistisuuden valtakuntaa, hänen runsas kuvioiden ja ornamenttien käyttö muodosti sillan modernille taiteelle tyypilliseen abstraktioon.