Mikä on minimalismi? Katsaus visuaaliseen taiteen tyyliin

Vuoden 2000 veistos Kirjailija: Walter DeMaria , 1992, LACMA:n kautta

Minimalismi muutti modernin taiteen sellaisena kuin me sen nyt tunnistamme. 1960-luvulta lähtien suurelta osin musiikkiin ja estetiikkaan keskittynyt sen veistokselliset esi-isänsä Donald Judd, Robert Morris ja Sol LeWitt aloittivat vuosikymmeniä kestäneen etsinnän luovan vapautumisen jälkeen. Tämä historiallinen katsaus kuvaa sen muodonmuutosta eri aikoina.

Kuka inspiroi minimalismia?

Nro VI / Koostumus nro II Kirjailija: Piet Mondrian , 1920, Lontoon Taten kautta

Modernismin redukcionistiset suuntaukset loivat minimalistisen perustan kauan ennen kuin termi toteutui. Vaikka New York City lopulta hautoi genren suosiota 1900-luvun puolivälissä, sen alkuperä juontaa juurensa jo vuonna 1915, jolloin avantgarde-taiteilija Kasimir Malevich maalasi umpikujansa. Musta neliö . Yhdessä Vladimir Tatlinin kanssa Venäjän johtajat olivat erityisen kiinnostuneita uuden teknologian yhdistämisestä jokapäiväiseen elämään ja kokosivat yhteisiä esineitä ajellakseen taidetta sen aidoimpaan muotoon. Maalaukset eivät enää toimineet kolmiulotteisen yhteiskunnan objektiivisina peileinä, vaan itseään viittaavina esineinä, jotka tutkivat tapoja, joilla pinta voi voittaa omat fyysiset rajoituksensa. Muut uranuurtajat, kuten hollantilainen abstraktionisti Piet Mondrian, jonka yksinkertaiset mutta voimakkaat maalaukset valaisivat tasaisuutta, jatkoivat tätä käytäntöä koko 1920-luvun. Hänen kaltaisiaan varhaisia ​​abstrakteja sävellyksiä Nro VI (1920) paljastaa tämän sukupolven halun eliminoida figuratiiviset tekniikat ja pelkistää todellisuus sarjaksi geometrisia muotoja.

Kunnioitus aukiolle Kirjailija: Josef Albers , 1959, New Yorkin Guggenheim-museon kautta

Nämä edelläkävijät katalysoivat objektiivista uudelleenarviointia siitä, mitä taiteilija merkitsi. Tämä voi johtua suurelta osin 1920-luvun suosiosta Marcel Duchamp, jotka vastustivat ajatusta, että taiteen tulisi olla vain emotionaalisesti motivoitunutta. Hän uskoi, että kaiken vallankumouksellisen taiteen pitäisi pakottaa katsojat tutkimaan edelleen valtajärjestelmiä ja siten paljastamaan syvemmän merkityksen. Vuonna 1937 protominimalistinen kuvanveistäjä Constantin Brancusi testasi tätä käsitystä matkustamalla Romaniaan ja pystyttämällä 98 jalkaa korkean kuvanveistäjänsä. Loputon sarake , rombinen torni, joka kunnioittaa kaatuneita paikallisia sotilaita. Taidemaalari Josef Albers vahvisti sitten minimalistisia ideoita modernin taiteen koulutuksessa korostamalla kuvitteellista syvyyttä koko Black Mountain Collegen virkakautensa ajan. Hänen Homage To The Square (1950) on esimerkki näistä keskeisistä periaatteista kontrastisten värien, muotojen ja varjojen kautta, jotka ovat juurtuneet empiirisiin suunnittelututkimuksiin. Perässä Color Field -maalarit Ad Reinhardt ja Mark Rothko Pian keihäänkärjessä toinen uusi visuaalinen tyyli korosti esteettistä yksinkertaisuutta ja pigmentoituja paletteja.

Milloin minimalismi alkoi?

Asennusnäkymä 16 amerikkalaisesta kirjoittaja Soichi Sunami , 1959, MoMA:n kautta, New York

Alkuperäiset minimalistit aikoivat tuottaa vieläkin kirjaimellisia kuvia ympäröivästä maailmasta. Uskovan taiteen tulisi viitata vain itseensä, monet siirtyivät kuvamaalauksesta kuvanveistoon tai painamiseen parantaakseen tekniikoitaan. Frank Stella, jota yleisesti pidetään ensimmäisenä amerikkalaisena minimalistina, tunkeutui New Yorkin näyttämölle jylisevällä kolinalla vuonna 1959 kuuluisansa ansiosta. Mustat maalaukset. Esitelty MoMA:n seminaalissa 16 amerikkalaista näyttely, tämä sarja raidallisia kankaita, jotka on venytetty rosoisten puukehysten päälle, rinnakkain ennakkotapauksia Willem de Kooning ja Franz Kline. Ilman minkäänlaista inhimillistä merkkiä Stellan abstraktio omaksui myös tietyn tilan ominaispiirteet ja pysyi täysin tasaisena, umpinaisena ja rohkeana, vailla subjektiivista päätöksentekoa. Hän turvasi nämä mustat perusmaalaukset huolimattomasti, mutta vakuuttavasti, tunnustaen niiden objektivuutensa ylpeänä. Hänen ikoninsa 1964 lainata Myöhemmin se kehittyi teoreettiseksi mantraksi minimalisteille maailmanlaajuisesti: mitä näet, on mitä näet.

Pidätkö tästä artikkelista?

Tilaa ilmainen viikoittainen uutiskirjeemmeLiittyä seuraan!Ladataan...Liittyä seuraan!Ladataan...

Tarkista postilaatikkosi aktivoidaksesi tilauksesi

Kiitos!

Vuoden 1964 Green Gallery -näyttely

Nimetön kirjoittaja Donald Judd , 1963, The Judd Foundationin kautta, New York

Vuoden sisällä New Yorkin Green Galleryssa syntyi visionäärinen luova kokoonpano. Kuraattori Richard Bellamy koordinoi keskeistä näyttelysarjaa Uusi työ tuoda esiin tulevia ääniä eri medioissa. Valmistettu kaupallisesta vanerista, Robert Morris heilutti omaansa Nimetön (Corner Piece) (1964), kehystää tilaa uudesta näkökulmasta. Sillä välin, Ja Flavin paljasti legendaariset fluoresoivat tilanteensa, joiden reaktio arkipäivän materiaalit pystyivät kaunopuheisesti soluttautumaan korkeaan yhteiskuntaan. Flavinin kulta, pinkki ja punainen, punainen (1964), Minimalistin kaikkien aikojen ensimmäinen lattiateos oli esillä muiden sähkötaideteosten joukossa. Rabble-rouser Donald Judd debytoi täällä myös vakavana kuvanveistäjänä alle vuotta aiemmin iskemisellään Nimetön (1963) , joka esiintyy yhteensä viidessä esityksessä koko sen lyhyen käyttöajan. Huolimatta sekoittumisesta Greeniin, kukaan näistä edelläkävijöistä ei kuitenkaan itse asiassa leimannut itseään minimalisteiksi. Johtavat tutkijat ovat sitoutuneet kehittämään uuden sanaston tämän monumentaalisen liikkeen kuvaamiseksi.

Minimalismista julkaistut esseet

Yksi ja kolme tuolia kirjoittaja Joseph Kosuth , 1965, MoMA:n kautta, New York

1960-luvun puolivälin aikana julkaistut kriittiset esseet loivat lopulta vallitsevan minimalistisen paradigman. Vuonna 1965 Donald Judd julkaisi tutkielmansa Tietyt esineet , jonka aikana hän itse asiassa hylkäsi nimityksen minimalismi. Sen sijaan hän väitti, että genre tulisi tunnistaa erityisiksi esineiksi, eli taiteellisena kategoriana, jota ei ole helppo luokitella pelkästään maalaukseksi tai kuvanveistoksi. Yleensä minimalistit sekoittivat nämä kaksi välinettä vinosti ja kumosivat perinteiset eurooppalaiset yleissopimukset. fenomenologia . (Tässä filosofisessa tutkimuksessa punnittiin subjektiivinen kokemus objektiivisen totuuden sijaan, ja se korosti, kuinka reaktiot taideteokseen vaihtelevat kontekstien välillä.) Useimmat keskittyivät myös kolmiulotteisten esineiden kopioimiseen mahdollisimman tarkasti, tekijän poistamiseen teollisten työkalujen ja isojen, epäkonformististen konfiguraatioiden avulla. Koska tämä lisääntynyt huolenaihe hedelmöittymiseen verrattuna menettelyyn, minimalismi syntyi myös rinnakkain Käsitteellinen taide. Virstanpylväät kuten Joseph Kosuthin Yksi ja kolme tuolia (1965) julisti vuosikymmenen kysymyksen : onko se taidetta, esine vai ei kumpaakaan?

Ensisijaiset rakenteet Juutalaismuseossa

Asennusnäkymä päärakenteista: Nuoremmat amerikkalaiset ja brittiläiset kuvanveistäjät , 1966 New Yorkin juutalaisen museon kautta

Minimalismi saavutti kukoistusaikansa vuonna 1966. Tuona vuonna juutalainen museo isännöi Ensisijaiset rakenteet, yli 40 merkittävän taiteilijan menestysesitys. Näyttely on järjestetty kymmeneen alikulkukäytävällä erotettuun galleriatilaan, ja se sai myös positiivista mediamenestystä toimikautensa alusta lähtien. Huolellisesti kuratoidut seinät esittelivät suhteellisen etevän Tony Smithin viimeaikaisia ​​tuotoksia yhdessä Sol LeWittin kanssa, joka paljasti hänen Nimetön (1966) , puulattiaveistos, joka ennustaa hänen myöhempää työtään. Ensisijaiset rakenteet toi myös Anne Truittin kaltaiset orastavat mainokset valokeilaan Sea Garden (1964) , joka tunnettiin myöhemmin suurista installaatioistaan. Maalauksia minimalismin ja värikentän partaalla, kuten Ellsworth Kellyn maalaukset Sininen levy (1963), myös esiintynyt. Tekemällä niin, Ensisijaiset rakenteet ikuisesti muutti ajatusta galleriatilasta, tuoden etualalle yhtenäisen konseptin sen yksittäisten osien tutkimisen sijaan. Ihanteellinen taiteilija ei enää vain luonut. Nyt nämä haaveilijat ryhtyivät suunnittelemaan.

Systeeminen maalaus Guggenheimissa

Lawrence Alloway asentaa systeemistä maalausta , 1966 New Yorkin Guggenheim-museon kautta

Muut toimielimet jäljittelivät tätä perinnettä nopeasti. Syyskuussa 1966 Guggenheim juhli Systeeminen maalaus , amerikkalaisten taidemuotojen, kuten Hard-edgen ja muotoiltujen kankaiden, yhdistelmä. Geometrinen abstraktio käytti tässä New Yorkin hienoimpien kykyjen esittelyssä etusijaa, vaikka minimalismin kuvaus puuttui koko luettelosta. Olipa tämä päätös kuinka tarkoituksenmukainen tahansa, esillä olevat taiteilijat vaikuttivat kiistatta minimalisteilta. Neil Williamsin Billy Bon sartorial Habits of Billy Bo (1966) ripustettu kohtisuoraan Frank Stellan kanssa Wolfeboro IV (1966) High Galleryssa kaksi helmiä toisistaan ​​riippuvaisen kokoonpanon joukossa. Myös länsimaiset näyttelytilat muuttuivat yleensä tänä aikana, ja klassiset museot laajensivat tehtäviä. taidehallit, saksalainen näkemys nykyaikaisesta galleriatilasta alkoi ilmestyä ympäri Eurooppaa kiertoon perustuen. Yhteistyökumppanit pitävät New Yorkin Artists Space tarjosi jatkuvasti alustoja innovoijille ainutlaatuisten hypoteesien esittämiseen. Tuloksena saadut arvostelut ylistivät, mikä lisäsi yleisön käsitystä siitä, mitä minimalismi voisi todella muuttua.

Muutos kohti post-minimalismia

Nimetön (L-palkit) kirjoittaja Robert Morris , 1965, New Yorkin Whitney Museumin kautta

1960-luvun lopulla minimalismi jakautui erilaisiin teorioihin. Robert Morris johti tietä Huomautuksia kuvanveistosta 1-3 , hänen vuoden 1966 esseensä, jotka osoittivat muodollisen kehyksen ikätovereilleen. Erityisesti hän arvioi Gestalt-psykologia, joka asettaa järjestetyn kokonaisuuden, on suurempi kuin sen komponenttien summa. Morris ilmaisi tämän impliktion täysin korostamalla yhteen sidottuja osia [luomaan maksimaalisen vastuksen havainnollistamiselle erottelulle, mikä ei vaadi säännöllisiä yksiköitä tai symmetrisiä intervalleja. Testattuaan tätä lähtökohtaa aiemmin hän oli toteuttanut tähän mennessä merkittävimmän veistosensa, (Nimetön) (L-palkit). Kolme identtistä L-muotoista monitahoa, jotka ovat tasapainossa eri paikoissa, toisistaan ​​riippuvaisina, samalla kun he huijaavat katsojia havaitsemaan erikokoisia. (Sillä oli joka kerta erilainen kokoonpano.) Myöhemmin hän myös olettaa, kuinka osien järjestely on kirjaimellinen osa esineen fyysistä olemassaoloa. Tämä lisääntynyt vetovoima tinkimättömiä materiaaleja kohtaan loi pohjan sille, mitä myöhemmin kutsutaan post-minimalismiksi.

Haudattu kuutio, joka sisältää tärkeän, mutta vähäarvoisen esineen kirjoittaja Sol LeWitt , 1968, Zürichin The No Show Museumin kautta

Samalla kun minimalismi kukoisti toiseen vaiheeseen, sen opetuslapset paljastivat sen juuret. Sol LeWitt vei Morrisin mallia pidemmälle vuonna 1967, kun hän levitti esseeään Käsitteellistä taidetta koskevat kappaleet Useimmat pitävät sitä liikkeen virallisena manifestina, mutta hän vahvisti, että miltä taideteos näyttää, ei ole liian tärkeää. Pikemminkin LeWitt uskoi, että riippumatta siitä, minkä muodon sillä lopulta voi olla, sen täytyy alkaa ideasta, mikä julisti, että se on taiteilijan käsitys- ja toteutusprosessi. Nämä periaatteet seurasivat häntä koko hänen merkittävän 40-vuotisen uransa ajan, mutta hän väitti luopuneensa minimalismista kokonaan vuonna 1968. Hyvästikseen hän sävelsi Haudattu kuutio, joka sisältää tärkeän, mutta vähäarvoisen esineen , kirjaimellisesti hautaamassa kuution paikalliseen puutarhaan. Nykyään tästä lyhytaikaisesta tapahtumasta on jäljellä vain valokuvia, jotka ennustavat menneen aikakauden kuolemaa. LeWitt kastoi sen kirjailijan asenteen kuolemaksi.

Post-minimalistien uusi sukupolvi

Spiraalilaituri kirjoittaja Robert Smithson , 1970, Holt Smithson Foundationin kautta, Santa Fe

1970-luvun alkuun mennessä minimalismi eteni useiksi erillisiksi taiteilijoiksi. Esi-isät Judd ja Morris inspiroivat Process-taiteilijaa Richard Serra, jonka paikkakohtainen veistos Shift (1972) osoittaa post-minimalistista uteliaisuutta yhdistämällä ulko- ja sisäkonventioita. Vaikka hän teki ensimmäistä kertaa erämaahan, hän ei keksinyt pyörää kokonaan. maanmies Robert Smithson koonnut Spiraalilaituri kaksi vuotta aiemmin pyörteen kaltainen rakenne, joka tehtiin kuudesta tuhannesta tonnista mustia kiviä. Muut maataiteilijat, kuten Walter De Maria, hyppäsivät myös tähän kelkkaan. Samaan aikaan syntymässä Bruce Nauman kunnioitti Flavinia parisoimalla ulkovaloinstallaatioihin neonilla La Pitch (1972) . Kaikki kriitikot eivät kuitenkaan iloineet tästä luovasta muotista. Historioitsija Michael Fried kirjoitti tyrmäävän analyysin Taiteen foorumi 1960-luvun lopulla , syyttäen minimalisteja ideologian ajamisesta taiteen sijaan. Vaikka Fried myönsi sen merkityksen, hän myös vältti minimalismille luontaista teatraalisuutta. Horisontissa valkeni välttämätön laskenta.

Feministinen vallankumous taiteessa

Yksin Olemme voimattomia Yhdessä olemme vahvoja Tekijä: See Red Women's Workshop , 1976, Lontoon Victoria and Albert Museumin kautta

Pian syntyi kapina vuonna 1974. Näyttelyn edistäminen klo Leo Castelli -galleria , alaston Robert Morris puhalsi rintaansa kultaketjujen peitossa, valokuvattu natsi-ajan kypärän pukeminen. Aiemmin kansalaisoikeusliikkeeseen osallistuneet mielenosoittajat suutuivat oikeutetusti tähän ennakkoluuloiseen muotokuvaan ja vaativat kuvan palauttamista. Erityisesti monet vastustajat olivat naisia, jotka sitten keskittyivät laajempaan sukupuolten ja rodun tasa-arvoon. Mitä myöhemmin seurasi, voidaan kuvata vain ilmiömäiseksi dominoilmiöksi, joka kaataa nykyisen teollisuuden jokaisen kulman. Naisartisteja, jotka yhtyivät feminismin toiseen aaltoon Yhdysvalloissa meni kaduille piketoida galleriat tai museoita uskotaan edistävän epäoikeudenmukaisia ​​käytäntöjä. Pian vain naispuoliset mastheadit perustivat aikakauslehtiä, kuten Harhaoppeja, ja väitöskirjat, kuten Linda Nochlinin Miksi suuria naisartisteja ei ole ollut? kiertänyt maapalloa. Feministiset lentäjät, jotka julistavat yhdessä, että olemme vahvoja, maalasivat tulevaisuuden, joka on rikas monimuotoisuudella.

Illallisjuhlat kirjoittaja Judy Chicago , 1974, Brooklyn Museumin kautta

Ennen pitkää tämä feministinen lujuus ilmeni taiteessa. Vanguardit kampanjoivat miesten hallitsemaa post-minimalistista kenttää vastaan ​​pyrkimällä kaatamaan valtaistuimen tehoa epätasapainoa ja julmuutta. Judy Chicago johti tämän takaa-ajon kapteenina The Dinner Party (1974) , keraaminen veistos, joka kuvaa seremoniallista juhlaa. Täällä kultamaljaa ja posliinimaalattua posliinia lepäävät pöytämatot edustavat merkittäviä naisia ​​historiasta ja uudelleenkäyttöä stereotyyppisen kotielämän. (Chicago perusti Feministisen studion työpaja ja Naisten rakennus Myös käsintehdyt, käsityöpohjaiset ja symboliset sävellykset kasvoivat halusta kumota status quo. Lynda Benglis kokeili samanaikaisesti hartsin kaatamista valmistukseen Syö lihaa (1975) , sillä aikaa Eva Hesse saavutti samanlaisen hyötysuhteen lateksin, lasikuidun ja muovin avulla. Nancy Graves käytti eläinten nahan ja luiden jäänteitä arvostetussa sarjassaan Kamelit (1968) ja Out Of Fossils (1977), veistokset niin eläviä, että ne ovat melkein uskomattomia. Lisääntyneet ponnistelut minimalistisen monoliitin purkamiseksi saivat valtaansa tulevina vuosikymmeninä.

Minimalismi myöhempinä vuosina

Nimetön kirjoittaja Donald Judd , 1991, MoMA:n kautta, New York

Silti neitsiminimalistit eivät pudonneet täysin tutkasta. Judd työskenteli kuolemaansa asti vuonna 1994 ja lisäsi epätavanomaisten työkalujen käyttöä sekä alumiiniin että emaliin. Sisään Nimetön (1980) , hän uudisti aiemman pino-aiheen teräksen, alumiinin ja perspexin avulla huolellisesti jokaisesta yksityiskohdasta. Sitten Judd järjesti viisi värikästä pylvästä emalilattiaveistokseensa Nimetön (1991), hävittävät jäljet ​​sävellyksen polttopisteestä. Walter De Maria asennettu Vuoden 2000 veistos vuotta myöhemmin Zürichissä kaksituhatta monikulmaista kipsitankoa Kunsthausin poikki. LeWitt sitten siirtyi raapustamaan piirustuksia, kuten Seinäpiirros #1268 (2005), renderoitu suoraan gallerian seinälle muistuttamaan veistosta. Vaikka Morris vaihtoi figuratiivista työtä 1970-luvulla, hän palasi väistämättä kuvanveistoon Pronssiportti (2005), Cor-ten-teräskaari, joka jakaa puutarhapaviljongin Italiassa. Hän muisteli viimeistä näytä Leo Castelli -galleriassa ennen kuolemaansa vuonna 2018.

Minimalismi visuaalisessa taiteessa nykyään

Seinäpiirros #1268 Kirjailija: Sol LeWitt , 2005, Buffalon Albright-Knox Art Galleryn kautta

Nykyään minimalismia käytetään useimmiten puhekielenä ilmaisemaan yksinkertaisuutta. Olennaisiin piirteisiinsä riisuttu genren jälkivaikutukset ulottuvat kodin sisustuksesta autoihin, elokuvantekoon ja jopa kirjoittamiseen. Taiteen piirissä minimalismi kuitenkin tuo kiistatta muistoja radikaalista ajasta ihmiskunnan historiassa, eteenpäin menevää taistelua vapaudesta, jota monet taistelevat edelleen. Vaikka tämä olikin tahatonta, se aloitti demokraattisemman taiteen aikakauden, jossa naisilla, värillisillä ihmisillä ja muilla syrjäytyneillä ryhmillä oli varaa istua pöydässä. Minimalismi myös mursi rajat tyypillisten medioiden välillä ja mullistaa samalla sekä taiteilijan että katsojan kokemuksen. Näin tehdessään sen seuraajat tuhosivat tehokkaasti sodanjälkeisen Amerikan vallitsevan taiteellisen hierarkian, jota aikoinaan johti vaikutusvaltainen kriitikko Clement Greenberg. Näitä seurauksia ei voi koskaan peruuttaa. Mutta niille luopioisille minimalisteille, jotka etsivät alkukeinoa 1960-luvulla, ehkä tämä on juuri se pointti.