10 uskomatonta esimerkkiä eurooppalaisesta symbolistisesta taiteesta

Symbolismi määritellään parhaiten kirjallisuudessa ja kuvataiteessa ilmeneväksi henkiseksi asenteeksi, jolle on tunnusomaista epätodelliset motiivit ja kuvaukset. Taustalla oli ajatus, että näkyvä ja määriteltävissä oleva todellisuus edustaa vain yleismaailmallisen suunnitelman etualalla. Tämän kaavan ilmaiseminen taiteessa ei ollut mahdollista suoraan, vaan vain ehdotusten ja viittausten kautta. Symbolistisen taiteen metaforat ja allegoriat osoittivat luonnossa mahdottomat tapahtumat, jotka voitiin kokea unissa, transsissa tai ekstaasissa. Tämän asenteen juuret ulottuvat kauas historiaan ja ulottuvat eri kulttuureihin. Romantiikka kantoi jo symbolistisen taiteen piirteitä, jotka vain vahvistuivat esirafaeliittien teoksissa. Se levisi Puvis de Chavannesin ja Gustave Moreaun taiteeseen Ranskassa sekä Hans von Mareesin ja Arnold Böcklinin taiteeseen Saksassa. Nämä taiteilijat, joita pidettiin usein pioneereina, vaikuttivat myöhemmin seuraavaan nuorempaan taiteilijasukupolveen.

1. Arnold Böcklin, Omakuva kuoleman viululla , 1872

Tärkeä eurooppalaiselle symbolismille itse taiteilijana, Omakuva kuoleman viululla maalasi vuonna 1872 Arnold Böcklin . Se on symbolistisen taiteen paradigmaattinen kuva. Böcklinin omakuva kantaa 1800-luvun lopun taiteilijoiden uutta kuvaa ja roolia.

Taiteilijan ei tarvitse olla menestyvä kansalainen, vaan sankari, joka on legitimoitunut poikkeuksellisten kokemusten tai fantasioiden kautta. Taiteilijan yksinäisyyden ja väärinymmärryksen romanttinen elementti sai symbolismissa positiivisen merkityksen.

Taiteilijan kosketus vieraantumisen ja vaikeuksien kokemuksiin, intiimi tieto unista ja painajaisista sekä Eroksen ja kuoleman kompleksi antoi hänelle uuden aseman yhteiskunnassa. Böcklinin maalauksessa Kuoleman sävelmää soittava taiteilija kuuntelee kiihkeästi, kun hän yrittää kerätä inspiraatiota työhönsä. Hänen jalanjäljänsä seuraten monet taiteilijat tutkivat kuolemankokemusta muotokuvien inspiraation lähteenä. Saksalaisilla maalareilla, kuten Hans Thoma, Oskar Zwinschter ja Lovis Corinth, oli kaikilla oma versionsa kuvasta.

2. Franz von Stuck, Ilman , c. 1908

Freud ja psykoanalyysin kehitys 1800-luvun kirjallisuudessa heijastuva naisliike ja sukupuolten välinen taistelu tarjosivat taustan naisen heijastuksille symbolistisessa taiteessa. Nämä ennusteet muistuttavat usein sellaisia ​​termejä kuin takertuminen, ansaan joutuminen ja ihmisen syöminen. Nämä projektiot saavuttivat huippunsa kuvan a kohtalokas nainen loputtomilla muunnelmilla symbolistisessa taiteessa .

Franz von Stuck maalasi 1800-luvun lopulla ja 1900-luvun alussa ainakin yksitoista muunnelmaa Ilman . Vaalea naisen hahmo vie suurimman osan maalauksesta; hänen päänsä ja täyteläiset, tummat hiukset ovat varjossa. Musta käärme kiertyy hänen lantionsa ja vatsansa ympärillä peittäen häpyalueen. Kun hahmo on kiertynyt näkyvistä selän taakse, sen pää nousee uudelleen esiin suu auki. Sekä käärme että nainen tuijottavat takaisin (oletettavasti miespuolista) katsojaa, houkuttelevat ja valmistautuvat hänen tuhoonsa.

3. Odilon Redon, Suon kukka , 1885

The Suon kukka on litografia, jonka on tehnyt Odilon Redon osana sarjaa nimeltä Kotiin Goyaan . Tämän sarjan kuusi litografiaa ovat saaneet inspiraationsa Francisco Goyan Caprics , jonka teemana oli ihmisten järjetön toistensa huono kohtelu, oodi Goyan pessimismille.

Tämän olennon lähde on taiteilijan mielikuvitus, joka on suunniteltu taiteilijan intuition mukaan eikä akateemisen tai muun perinteen mukaan. Redon halusi työskennellä vain mustavalkoisena (hän ​​käytti värejä harvoin vuoteen 1900 asti), koska hänen mielestään se sopi parhaiten ei-näkyvän esittämiseen. Värit loivat assosiaatioita näkyvään maailmaan useimmille katsojille, ja Redon edusti sitä näkymätöntä maailmaa. Suokukka nousee esiin avaruudellisesti epäselvästä tyhjiöstä, ja monien muiden Redonin olentojen tavoin se on kasvin ja ihmisen hybridi.

Toinen Redonin olentojen lähde oli ranskalaisten luonnontieteilijöiden teokset, jotka Charles Darwinin teosten perusteella ehdottivat sukupuuttoon kuolleet hybridilajit kautta historian . Fossiileja ja vertailevaa eläintiedettä koskevat nykytulkinnat merkitsivät nisäkkäiden olemassaoloa, jotka näyttivät ja käyttäytyivät kuin kalat ja madot, jotka olivat hermafrodiittia.

4. Felicien Rops, Pornokraatit , 1878

Felicien Rops, belgialainen kuvittaja, omaksui symbolistisen rakkauden makaaberia kohtaan. Hänen poikkeuksellinen kykynsä oli kuitenkin perverssi eroottisia ja jumalanpilkkaavia aiheita kohtaan. Näillä aloilla hän nautti suuresta maineesta ja häpeästä. Kuten odotettiin, hänen työnsä selkeä luonne aiheutti suuria skandaaleja.

Pornokraatit tai Nainen sian kanssa Hänen tunnetuin teoksensa oli vuonna 1878 tehty maalaus Rops. Se merkitsi käännekohtaa kohti symbolistisia aiheita ja ilmaisuja. Se on kuva lähes alastomasta naisesta, jonka käsineet ja sukat korostavat entisestään hänen alastomuuttaan. Naista, joka peittää silmänsä, johtaa naista koiran kaltainen sika hihnassa. Ilmassa on kolme kerubit , ja alla on friisi, joka sisältää allegorioita kuvanveistosta, musiikista, runoudesta ja maalauksesta.

Sisään Pornokraatit , Rops kunnioitti hallitsemattomien halujen herruutta pilkaten samalla nykyajan sortomoraalia ja tekopyhyyttä.

5. Gustave Moreau, Orpheus , 1865

Gustave Moreau on yksi varhaisimmista symbolistisista taiteilijoista, jonka teokset inspiroivat uutta nuorempaa ranskalaisten taiteilijoiden sukupolvea. Symbolistisessa taiteessa, kuten Moreaun teoksissa, luovuudelle annetaan huomattava merkitys; ihminen, joka osaa luoda jotain, nähdään poikkeuksellisena ihmisenä.

Gustave Moreaun maalaus Orpheus vaikutti suuresti myöhempään symbolistiseen myytin tulkintaan. Se kuvaa traagisen kuoleman jälkeistä voiton hetkeä, jolloin traakialainen neito, pitäen päätä sylissään ja miettien sitä rauhallisesti, on tullut tietoiseksi sen voimasta.

1800-luvun lopun symbolistitaiteilijat löysivät monimutkaisen esteettis-uskonnollisen asenteensa syvällisen ilmaisun Orpheuksen hahmo . Orfeuksen pää on tässä kuva taiteilijan ikuisesta eristäytymisestä, joka on väärinymmärretty, marttyyri ja kunnioitettu vasta hänen kuolemansa jälkeen. Kuolema pilkkomalla muuttaa Orpheuksen uhriksi ja marttyyriksi. Samalla se luo alustan hänen kuoleman ylityksensä voitolle laulun ja musiikin voimalla.

6. Puvis de Chavannes, Köyhä Kalastaja , 1881

Puvis de Chavannes oli ranskalainen taidemaalari, jota pidettiin yleensä symbolistisen taiteen edelläkävijänä. Puvis oli itsenäinen, harvoin työskennellyt akateemisen perinteen mukaisesti eikä puhunut ajankohtaisista tapahtumista. Köyhä Kalastaja , hänen kuuluisin teoksensa, kohtasi suurta vihamielisyyttä, kun se oli esillä Salonissa vuonna 1881. Siitä huolimatta valtio osti sen vuonna 1887, ja 1890-luvulla sitä alettiin yleisesti pitää symbolistisen taiteen mestariteoksena. Muut taiteilijat ihailivat sitä suuresti, mukaan lukien Gauguin, Seurat, Signac , Maillol ja Nabis.

Sillä aikaa Köyhä Kalastaja Otsikko ehdottaa sosialismin kanssa sopusoinnussa olevaa teemaa, kuvan yleinen laatu antaa sille laajemman resonanssin. Aliravittu ruumiinrakenne ja passiivinen asento eivät olleet uhkaavia, ja taipunut pää ja ristissä olevat kädet viittaavat alistumiseen. Kalastajan Kristuksen kaltainen ulkonäkö alaston vauvan ja nuoren äidin seurassa herättää kuvan Pyhästä Perheestä. Ilman mitään nimenomaisesti sanottua maalauksen mielikuvitus ja ehdotus paljastavat symbolistisen taiteen olennaiset ominaisuudet.

7. Jean Delville, Platonin koulu , 1898

Jean Delville oli keskeinen osallistuja symbolistisessa taideliikkeessä Ranskassa ja Belgiassa 1900-luvun vaihteessa. Hänen monumentaalinen työnsä, Platonin koulu , ilmestyi ensimmäisen kerran vuonna 1898 Idealistinen taidesalongi Brysselissä . Maalauksen painopiste on keskellä oleva parrakas Platon-hahmo, jota ympäröi kaksitoista alastomaa miestä idyllisessä maisemassa. Platon istuu marmoripenkillä puun alla, joka on täynnä wisteria-kukkia. Kuten kaikki Delvillen maalaukset, sen monimutkainen symboliikka on tulkittu esoteerisissa lähteissä, jotka kertovat suuren osan hänen työstään.

Maalaus liittyy Delivillen esteettistä teoriaa koskeviin kirjoituksiin ja hänen teosofiseen filosofiaan. Hänen kirjansa Taiteen uusi tehtävä viittaa usein harmoniaan ja värähtelyyn kauneuden kannalta olennaisina olosuhteina. Taiteilijan missiona on luoda numeerisia arvoja ja geometrisia muotoja ilmentäviä teoksia mahdollisimman yhtenäisellä, tasapainoisella ja harmonisella tavalla. Delville ajatteli, että harmonioiden ja 'värähtelyjen' avulla taiteilija siltaa aineellisen ja henkisen, luonnollisen ja yliluonnollisen maailman välistä kuilua. Maalauksen kolmiomainen sommittelu ja kuviot, hahmojen sijoittelu ja niiden eleet viittaavat kaikki Delvillen kirjassaan esittämiin ajatuksiin.

8. Giovanni Segantini, Pahat äidit , 1894

Alppimaisemistaan ​​parhaiten tunnetun Giovanni Segantinin teokset osoittavat, kuinka symbolistinen taide ja ideat levisivät ympäri Eurooppaa ja pääsivät jopa Italiaan. Vuosina 1891-1896 taiteilija maalannut sarjan töitä naiset hylkäävät sen, mitä heidän luonnollisena kohtalokseen pidettiin, äitiyden.

Maalattu vuonna 1894, Pahat äidit on yksi Segantinin tunnetuimmista teoksista. Tässä karussa maisemassa mustaan ​​kankaaseen kietoutunut nainen on salaperäisesti sidottu hiuksensa paljaaseen puuhun. Sen kiertyneet muodot viittaavat hänen syntiin ja piinaan ilman toivoa pelastuksesta.

Maalaus on joutunut erilaisiin tulkintoihin. Olokuvat antavat opastusta ainakin yleiskuvan muodostamiseen maalauksen sisällöstä. 1890-luvulla joka kymmenes lapsi kuoli lapsena ja joka seitsemäs kuoli tuberkuloosiin lapsuudessa. Koska äidit olivat ensisijaisesti vastuussa lapsistaan, kaikki heitä kohtaavat onnettomuudet nähtiin äidin syyksi. Segantinin pahat äidit saattavat kärsiä niinkin vakavista rikoksista kuin lasten hyväksikäyttö tai tuberkuloosi. Taiteilija rankaisee pahaa äitiä tämän vastuuttomuudesta ja laiminlyönnistä jälkeläisiä kohtaan.

9. James Ensor, Kristuksen tulo Brysseliin vuonna 1889 , 1889

Belgialainen taiteilija James Ensor oli naamioharrastaja symbolistitaiteilijoiden joukossa. Hän otti aiheensa Oostenden karnevaalista ja äitinsä johtamasta uteliaisuusliikkeestä. Normaali maskin toiminto symbolistisessa taiteessa on päinvastainen, koska se palvelee paljastamista. Kaikki ihmisiin liittyvä paha, ilkeä, korruptoitunut, ilkeä ja naurettava korostuu naamien liioitelluilla kasvonpiirteillä. Heidän henkilöllisyytensä menetys antaa naamioituneille hahmoille salaperäisen, aavemaisen ja moniselitteisen ulkonäön.

Ensorin Kristuksen tulo Brysseliin vuonna 1889 satiirisoi nyky-yhteiskuntaa. Mysteerillä tavalla teosta ei ole koskaan ollut esillä taiteilijan elinaikana. Tässä Ensor kuvitteli absurdin tapahtuman: Kristuksen toisen tulemisen paastoa edeltävien Mardi Gras -juhlien aikana Brysselissä. Otsikko viittaa raamatulliseen Kristuksen tuloon Jerusalemiin. Ensor piti nykymaailmaa karnevaalifarssina, joka oli täynnä julmuutta ja typeryyttä. Tässä raivokkaassa naamioituneiden kasvojen joukossa Jeesus ei ole näkyvästi esillä, eikä juhlijat tunnista häntä, mutta korokkeella on lippu, joka julistaa: 'Eläköön Jeesus, Brysselin kuningas.'

10. Edvard Munch, Näkemys , 1892

Saksalaisen ekspressionismin edelläkävijä Edvard Munch on kuuluisa epätavanomaisista työmenetelmistään, luovan prosessin ja psykologisten aiheiden kokeiluista. Näkemys , Munchin varhainen teos, kuuluu symbolistisen taiteen piiriin. Munchille itselleen maalaus oli yksi hänen 1890-luvun keskeisistä kuvista. Se oli esillä kaikissa hänen merkittävissä näyttelyissään vuosina 1892-1898 ja se suunniteltiin näyttelyn keskeiseksi kuvaksi. Elämän friisi .

Tämä maalaus, jota taidehistorioitsija kuvailee 'epätavalliseksi omakuvaksi', edustaa vääristynyttä ihmisen päätä, joka kelluu vedessä. Yläpuolella lentää rauhallisesti valkoinen joutsen, symboliikkaa täynnä oleva aihe. Se edustaa visionääristä kokemusta, joka eroaa symbolistisessa taiteessa yleisestä henkisestä visiosta ja valaistumisesta. Ensimmäisestä näyttelystään lähtien sen symboliikkaa on kuitenkin pidetty sekä hämmentävänä että rikkaana. Joutsen sisältää monenlaisia ​​assosiaatioita kuolemasta ja erotiikasta saavuttamattomaan taiteelliseen ihanteeseen ja luovaan kärsimykseen, jotka ovat keskeisiä Munchin taiteelle. Kehoton pää symbolistisessa taiteessa yleensä viittaa sieluun tai älykkyyteen, joka pyrkii nousemaan ruumiillisesta maailmasta panteistisen hengen yhteyteen.