Pop-taide: Amerikkalainen vs. brittiläinen (kuuluisia taiteilijoita ja ikonista taidetta)

Smash, Ed Ruscha, 1963, Christie

Smash, Ed Ruscha, 1963, Christie's





Yksi kaikkien aikojen kuuluisimmista taideliikkeistä, Pop Art määritteli 1950- ja 60-lukujen kuluttajansuojan nuorisokulttuuria tehden taiteesta Pop! kuin koskaan ennen. Poptaiteilijat etsivät inspiraatiota populaarikulttuurin alueilta, ottamalla leikkisät, värikkäät ja kunnioittamattomat kuvat mainoksista, sarjakuvista, aikakauslehdistä ja elokuvista ja yhdistämällä ne jännittäviin uusiin taiteen muotoihin.

Leikkaa ja liitä -kielen kokeilu Dadaisti ja Surrealismi , monet taiteilijat tutkivat kollaasia tuoreilla uusilla tavoilla. He viittaavat kapitalismin ja kulutuksen teollistuneeseen maailmaan pilkallisen vakavasti. Toiset omaksuivat uusien tekniikoiden, kuten grafiikan, kasvavan teknologian, valokuvaus ,ja elokuvanteko, jonka ansiosta taiteilijat pystyivät tuottamaan moninkertaisia ​​ja toistavia kuvioita poistaen yksittäistä, eristettyä taideteosta ympäröivät väitteet. Jotkut jatkoivat perinteisiä maalauksen ja kuvanveiston välineitä, mutta löysivät tapoja sisällyttää valokuvallisia tai painettuja elementtejä tai tyylejä, jotka matkivat digitaalisia tehosteita.



Marilyn Monroe -sarja, Andy Warhol, 1967 ja A Bigger Splash, David Hockney, 1967, Tate

Marilyn Monroe -sarja, Andy Warhol, 1967 ja A Bigger Splash, David Hockney, 1967, Tate


Pääasiassa brittiläinen ja amerikkalainen ilmiö 1950- ja 60-luvuilla, pop-taide vaikutti laajalti seuraavina vuosikymmeninä ja inspiroi miljoonia maailmanlaajuisia kopioijia. Itse asiassa pop liittoutui taiteen kanssa niin menestyksekkäästi kaupan kanssa, että heidän liittonsa on edelleen vahva. Se innostaa ja antaa tietoa lukemattomille luoville ajattelijoille.



Tiesitkö, että pop-taide alkoi Lontoossa, Englannissa?

Eduardo Paolozzi, Olin rikkaan miehen leikkikalu, 1947

Eduardo Paolozzi, Olin rikkaan miehen leikkikalu, 1947

New Yorkin Andy Warhol on Popin tunnetuin ikoni, mutta monet eivät ehkä tiedä, että liike itse asiassa alkoi 1940-luvun Lontoossa. Itsenäinen ryhmä oli samanhenkisten taiteilijoiden yhtye, joka tapasi säännöllisesti Lontoon nykytaiteen instituutissa jakamaan ideoita. Heitä yhdisti heidän kiehtovansa amerikkalaisia ​​elokuvia, mainontaa ja brändäystä, jotka olivat päässeet brittikulttuuriin. Jäseniä olivat Eduardo Paolozzi ja Richard Hamilton, jotka on nyt tunnustettu ensimmäisiksi pop-taiteilijoiksi. Paolozzin röyhkeässä kollaasissa, jonka otsikko on Olin rikkaan miehen leikkikalu, 1947, sana Pop! tulee leluaseesta ammuttu, nyökkäys sarjakuvien luovaa tekstiä kohti. Monet pitävät tätä taidetta nyt sanan pop-taide alkuperänä, jota Paolozzi käytti lyhenteenä sanasta populaari, viitaten ryhmän kiehtomiseen populaarikulttuuriin.

Richard Hamilton, Mikä tekee nykypäivän kodeista niin erilaisia, niin houkuttelevia?, 1956

Richard Hamilton, Mikä tekee nykypäivän kodeista niin erilaisia, niin houkuttelevia?, 1956




Richard Hamiltonin kuuluisa kollaasi Mikä tekee nykypäivän kodeista niin erilaisia, niin houkuttelevia? 1956, pilkkasivat uutta, idealisoitua amerikkalaista elämää, joka soluttautui länsimaiseen yhteiskuntaan. Se oli naurettavan liioiteltu kuva täydellisestä miehestä ja naisesta, jotka näytetään uusimpien laitteiden kanssa. Ne ovat kuitenkin onttoja, pinnallisia kulutuksen tunnusmerkkejä. Toisin kuin myöhempi amerikkalainen vastine, brittiläiselle poptaiteelle oli tyypillistä tämä pureva satiirinen reuna, joka tarkkaili amerikkalaista kulttuuria kaukaa. Hamilton kutsui leikkimielisesti heidän uutta tyyliään Populariksi, ohimeneväksi, kuluvaksi, edulliseksi, massatuotetuksi, nuoreksi kikkailevaksi, lumoavaksi ja Big Businessiksi.

Neo-dada ja pop New Yorkissa

Pidätkö tästä artikkelista?

Tilaa ilmainen viikoittainen uutiskirjeemmeLiittyä seuraan!Ladataan...Liittyä seuraan!Ladataan...

Tarkista postilaatikkosi aktivoidaksesi tilauksesi

Kiitos! Jasper Johns, White Flag, 1955, The Met

Jasper Johns, White Flag, 1955, The Met




1950-luvun New Yorkissa syntyi uusdada-kulttuuri, joka tutki 20-luvun alun villisti kokeellista, leikkaa ja liitä absurdismia.thvuosisadalla Dadan liike . Näkyviä taiteilijoita alkoi ilmestyä näyttämölle, mukaan lukien Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein ja Andy Warhol . Maamerkkinäyttelyssä klo Sydney Janis Gallery vuonna 1962 nimeltään Uudet realistit , taideteokset ryhmiteltiin useisiin toistuviin teemoihin, mukaan lukien päivittäinen esine, joukkoviestintä ja toisto. Britti-Amerikassa asuva kuraattori Lawrence Alloway havaitsi yhteyden brittiläisen ja amerikkalaisen taiteen välillä. Hän oli ensimmäinen, joka käytti termiä pop-taide uuden aikakauden kynnyksellä. Toisin kuin brittiläinen pop-tyyli, amerikkalaiset taiteilijat elivät joukkoviestinnän ja mainonnan piirissä tarkkailemalla sitä sisäpiirin näkökulmasta vähemmän kriittisellä silmällä.

Monet taidekriitikot sekä Yhdysvalloissa että Euroopassa olivat järkyttyneitä 'matalan' aiheen käytöstä 'korkean' taiteen aloilla, ja taiteilijat kohtasivat ankaraa kritiikkiä liikkeen alkuaikoina. Mutta 1960-luvun puoliväliin mennessä monet galleriat, taiteilijat ja ostajat olivat ottaneet vastaan ​​nousevan trendin, ja oli selvää, että uusi tyyli oli tullut jäädäkseen.



Warhol ja Lichtensteinin Americana

Andy Warhol, Campbellin keittopurkit, 1962

Andy Warhol, Campbellin keittopurkit, 1962



1960-luvun New Yorkissa Andy Warhol oli amerikkalaisen poptaiteen julistepoika. Hän nappasi suosittuja, kuuluisia kuvia amerikkalaisesta kulttuurista, mukaan lukien Coca Cola, Campbell's Soup ja ikoniset julkkikset, kuten Marilyn Monroe, Jackie Kennedy ja Elizabeth Taylor. Hänen suosikkivälineensä oli silkkipainatus, jonka avulla hän pystyi tuottamaan silmiinpistäviä, rohkean värisiä kuvia moninkertaisina ja toistuvina kuvioina, mutta hän kokeili myös monia muita välineitä, kuten maalausta, valokuvausta ja elokuvantekoa. Perustaa maailmankuulun New Yorkin työpajan, joka tunnetaan nimellä Tehdas, hän palkkasi ryhmän avustajia auttamaan häntä ottamaan New Yorkin taideelämän hallintaan. Vaikka Warholia pidetään usein Amerikan pinnallisen glamourin kiiltävänä symbolina, monien hänen taideteostensa alla piilehti myös synkkä reuna, joka korosti julkkisten ja kuuluisuuden pimeämpää puolta, varsinkin kun kalloja alkoi esiintyä hänen taideteoksissaan.

Roy Lichtenstein, Blam, 1962

Roy Lichtenstein, Blam, 1962

Amerikkalainen taidemaalari Roy Lichtenstein hyödynsi myös kaupallista maailmaa aiheensa vuoksi. Aluksi inspiroitunut hänen lastensa Mikki Hiiren purukumikääreistä, kuten hänen varhaisessa maalauksessaan Katso Mikki, 1961, hän alkoi tehdä suuria maalattuja versioita yksittäisistä sarjakuvakehyksistä, joita hän lisäsi ja liioitteli korostaakseen vielä suurempaa dramaattista vaikutusta. Jotkut teokset korostivat onomatopoeettisen sarjakuvatekstin teatterivaikutusta, mukaan lukien sanat, kuten Blam, Pop, Whaam ja Varoom. Ne kaikki oli piirretty liioitelluin kirjaimin, ja niitä ympäröivät hurjasti kumpuilevat savut, tulet ja liekit tai viivat, jotka viittaavat nopeaan liikkeeseen. Näillä maalauksilla oli hetkessä voimakas, pitkäaikainen vaikutus tekstitaiteeseen 1970-luvulla.

Roy Lichtenstein, Drowning Girl, 1963

Roy Lichtenstein, Drowning Girl, 1963

Mutta Lichtenstein teki todella historiaa kohtaussarjallaan, joka perustuu teini-draamasarjakuvaan Tyttöjen romansseja , joka tallentaa ahdistuneita nuoria naisia, jotka ällöttävät nuoret miehet pyyhkäisevät pois tai putoavat epätoivon altaisiin, kuten kohtauksessa Hukkuva tyttö, 1963. Lichtenstein korosti ja liioitteli näiden nuorten naisten tunnedraamaa siinä määrin, että heistä tulee naurettavia korostamalla painetun kuvan pinnallista luonnetta. Musteensäästön kopioiminen Ben-day piste Sarjakuvissa käytetty painotekniikka palveli samaa tarkoitusta ja kiinnittää huomiomme litistettyyn kuvaan. Lichtenstein maalattu litteällä, akryyli-Magna-maalilla rei'itetyn säleikön läpi luodakseen tämän synteettisen persoonattoman esteettisen lopputuloksen, joka näyttää kokonaan koneellisesti tehdyltä.

Muunlainen pop-taide

Arman, Long Term Parking, 1982

Arman, Long Term Parking, 1982

Muualla Euroopassa muunnelmia amerikkalaisesta ja brittiläisestä poptaiteesta syntyi eri nimillä. Ranskassa kokoontui joukko taiteilijoita, jotka kutsuivat itseään Nouveau Realisteiksi (uusirealisteiksi), joihin kuuluivat Arman, Cesar, Christo, John Tinguely ja Yves Klein. Amerikkalaisen ja brittiläisen poptaiteen inspiroimana he toivat taiteeseensa populaarikulttuurin elementtejä, mutta he tutkivat myös arjen vähemmän lumoavia jätteitä antaen taiteelleen likaisemman ja vähemmän kiillotetun reunan. Kuvanveistäjä Arman toi murskattuja tai hylättyjä autoja valtaviin, monumentaalisiin kokoonpanoonsa, kuten toteemissa näkyy Pitkä-aikainen pysäköinti, Vuonna 1982, kun Tinguely teki romukaupan koneita vanhoista pyöristä, muttereista ja pulteista ruiskuttaen niihin kömpelöä, kolisevaa uutta henkiä.

Gerhard Richter, puolue, 1963

Gerhard Richter, puolue, 1963

Myös joukko taiteilijoita Saksassa vastasi 1960-luvun pop-taiteen ilmiöön, mukaan lukien Gerhard Richter , Sigmar Polke, Konrad Lueg ja Manfred Kuttner. He mainostivat vitsillä itseään saksalaisiksi pop-taiteilijoiksi saadakseen huomion, mutta todellisuudessa heidän työnsä oli monimutkaisempaa ja kriittisempaa. Yhdistämällä Itä-Saksan sosialistisen realismin elementtejä Länsi-Saksan amerikkalaistuneeseen kapitalismiin he keksivät yhdistetyn termin. Kapitalistinen realismi kuvaamaan heidän välistä kantaansa. Uutisraporteista, mainoksista ja julkkiskulttuurista peräisin olevia kuvia nostaen heidän kuvillaan oli usein pureva, satiirinen reuna. Richterissä Juhla, 1963, Esimerkiksi joukko julkkiksia muutetaan kummitteleviksi haamuiksi, jotka vuotavat verta viinilasiinsa, kun taas Sigmar Polken Puput, Vuonna 1966 Playboy's Bunny Girls on pelkistetty pikseloiduksi, kuvioitujen ja tahriintuneiden pisteiden epäselvyydeksi, joka toistaa Roy Lichtensteinin pilkkukieltä.

Sigmar Sigmar Polke, Puput, 1966

Sigmar Sigmar Polke, Puput, 1966

Postmodernismi, uuspop ja superflat

Pop-taiteen ilmaantumisen jälkeen 1960-luvulla taiteilijat ovat vastanneet yhä seikkailunhaluisemmilla tavoilla kasvavaan joukkoviestinnän maailmaan, usein kriittisesti. 1970-luvun ajan postmodernit taiteilijat leikkivät tai muokkasivat julkisen katseen kuvilla ja loivat toisinaan paisutettuja versioita todellisuudesta korostaakseen kulutuksen tuhoisia ominaisuuksia.

Cindy Sherman, Nimetön, 2010-12

Cindy Sherman, Nimetön, 2010-12

Amerikkalaisen valokuvaaja Cindy Shermanin feministinen asenne teki leikkaushavaintoja yhteiskunnan pinnallisista, idealisoiduista naisille suunnatuista arkkityypeistä elokuvien ja lehtien kautta. Hän pukeutuu erilaisiksi karikatyyreiksi peruukkeineen, tekorusketuksineen, korostetuineen meikin ja tekonenän kanssa. Hän arvostelee naisellisten ihanteiden naurettavaa paljastamalla plastiikkakirurgian ja kosmeettisten parannusten synkän vatsan.

Jeff Koons, Lips, 2000, Easyfun-Ethereal-sarjasta

Jeff Koons, Lips, 2000, Easyfun-Ethereal-sarjasta

Amerikkalainen taiteilija Jeff Koons vastasi kapitalistiseen kulttuuriin 1980-luvulla pilkattujen aikakauslehtien mainoksilla ja ylipaisuneilla veistoksilla, suurentamalla kitssiä, söpöjä muistoesineitä pelottavan ylimitoitettuiksi jäljennöksiksi. Hänen valtavien 'Easyfun-Ethereal' -maalausten sarja on sekoitus mainoskatkelmia. Niissä on kiiltävät naisten huulet ja mehukkaat märät hedelmät, jotka leijuvat trooppisten maisemissa, jotka korostavat mainonnan hemmottelevaa, seksuaalista luonnetta. Tämä liukas fotorealistinen kieli on tyyli, joka tunnetaan nykyään nimellä Neo-Pop. Warholin tavoin hän johtaa laajaa työpajaa, joka työllistää assistenttiryhmiä, jotka tekevät työnsä hänelle. Mike Kelleyn törkeän ylisuuret kokoonpanot ovat vieläkin groteskempia, ja ne yhdistävät värikkäitä pehmoleluja ripustetuiksi turkispalloiksi, jotka puhuvat massakulutuksesta, tuhlauksesta ja ylimääräisestä.

Japanilainen taiteilija Takashi Murakami poseeraa Superflat-sarjansa kanssa

Japanilainen taiteilija Takashi Murakami poseeraa Superflat-sarjansa kanssa

Jos postmodernit ja uuspop-taiteilijat ottavat kriittisen kannan populaarikulttuuriin, japanilainen nykytaiteilija Takashi Murakami on pistänyt hauskaa takaisin sisään. Taidekriitikot jopa kutsuvat häntä Japanin vastaukseksi Andy Warholille. Hänen naurettavan optimistinen maailma on täynnä huumaavia kukkaprinttejä ja hymyileviä kasvoja karkkimaisen pastellisävyissä. Hän omaksui termin Superflat määrittelemään synteettistä, koristeellista kieltään ja vetää rinnastuksia muinaisten japanilaisten puupalojen ja nykyaikaisten anime- tai manga-sarjakuvien välillä. Hän toteaa, että litteät, koristeelliset ja kukkakuviot ovat olleet japanilaisessa yhteiskunnassa vuosisatoja. Tuo poptaiteen kielen täyden ympyrän, hän yhdistää räikeät, hymyilevät kukat ja röyhkeät, ystävälliset olennot kaupallisiksi esineiksi. Lenkkareista ja käsilaukuista puhelinkoteloihin ja rullalaudoihin hän todistaa, kuinka tiiviisti kietoutuvat taiteen ja kaupan kielet edelleen.