Fotorealismi: Understanding Mastery of Mundanity

Bussi Flatiron-rakennuksen heijastuksella Kirjailija: Richard Estes , 1966-67, Smithsonian Magazinen ja Marlborough Galleryn, New Yorkin kautta

Fotorealismi on radikaali taideliike 1960-luvun Pohjois-Amerikasta, jossa taidemaalarit kopioivat valokuvia pienimmätkin yksityiskohdat suurille, laajoille kankaille. Koko fotorealistisen liikkeen ajan taiteilijat osoittivat maalauksessa mestarillista teknistä virtuositeettia, joka ei ollut mitään ennen sitä, yhdistäen kaksi vastakkaista välinettä, maalausta ja valokuvausta uudella tavalla.

Niinkin erilaiset taiteilijat kuin Malcolm Morley, Chuck Close ja Audrey Flack omaksuivat fotorealistisen tyylin tarkkaillakseen sodanjälkeisen kaupunkikulttuurin uusia kiiltäviä kasvoja ja muuttaen vaatimattomat tai banaalit aiheet, kuten vanhat postikortit, sotkuiset pöytälevyt tai myymälän ikkunat lumoaviksi taideteoksiksi. . Mutta ennen kaikkea fotorealistinen taideliike merkitsi merkittävää ajanjaksoa taiteen historiassa, koska siitä lähtien valokuvamateriaalilla on ollut tärkeä rooli nykymaalauksen kehityksessä.

Kamera: maalarin työkalu fotorealismiin

SS Amsterdam Rotterdamin edessä Kirjailija: Malcolm Morley , 1966, Christie’sin kautta

Keksinnöstä lähtien 19th- vuosisadan valokuvauksella oli väistämättä vaikutusta maalauksen luonteeseen ja rooliin. Maalauksen tehtävänä ei ollut enää vangita elämän tarkkuutta, joten maalaus saattoi olla jotain aivan muuta: monet ovat väittäneet, että tämä muutos johti 19.thja 20th- vuosisadan taidetta pidemmälle abstraktion piiriin , jossa maali saattoi käyttäytyä haluamallaan tavalla. Mutta 1960-luvun alkuun mennessä monet taiteilijat olivat kyllästyneet heittelemään maalia ympärilleen sen itsensä vuoksi ja etsimään sen sijaan jotain tuoretta ja uutta. Mukana taiteilijat Malcolm Morley ja Richard Estes. Brittimaalari Morleya mainitaan usein ensimmäisenä taiteilijana, joka on tutkinut fotorealismia ja luonut erittäin yksityiskohtaisia ​​kopioita postikorteista, joissa on idyllisiä merialuksia, jotka risteilevät häikäisevän sinisen veden halki tyylillä, jota hän kutsui superrealistiksi.

Ruokailija Kirjailija: Richard Estes , 1971, Smithsonian Magazinen ja Marlborough Galleryn, New Yorkin kautta

Morleyn kannoilla oli amerikkalainen taidemaalari Richard Estes, joka seurasi trendiä huolella renderoiduilla kuvilla New Yorkin kiiltävästä julkisivusta 1950-luvun ruokailijoiden kiillotetuista ikkunoista upouusien autojen metallisiin sävyihin. Hänen käyttämänsä heijastavat pinnat olivat tarkoituksellinen esittely hänen mestarilliselle maalauskäteelle, ja niistä tulee valtava vaikutus fotorealismiin. Tämä uusi maalaustyyli näytti alun perin paluulta realismin perinteisiin, mutta todellisuudessa se oli kokonaan uusi tuntematon alue. Se mikä erotti fotorealismityön menneisyyden erittäin realistisista maalareista, oli tietoinen yritys jäljitellä valokuvan ainutlaatuisia ominaisuuksia, kuten julkaisussa esitetään. Taidetta ajassa : 1960- ja 1970-luvun fotorealistitaiteilijat tutkivat, millaista näkemystä kameralle oli ominaista… tarkennusta, syväterävyyttä, naturalistisia yksityiskohtia ja yhtenäistä huomiota kuvan pintaan.

Pidätkö tästä artikkelista?

Tilaa ilmainen viikoittainen uutiskirjeemmeLiittyä seuraan!Ladataan...Liittyä seuraan!Ladataan...

Tarkista postilaatikkosi aktivoidaksesi tilauksesi

Kiitos!

Fotorealismia, poptaidetta ja minimalismia

Rautakauppiaat Kirjailija: John Salt , 1981 , Skotlannin kansallisgallerioiden kautta Edinburghissa

Kuten Pop-taide ja Minimalismi, Fotorealismi syntyi 1950-luvun Euroopasta ja Yhdysvalloista reaktiona villisti tunteita herättäviä kieliä vastaan. Abstrakti ekspressionismi. Pop-taide tuli ensimmäiseksi ja tasoitti tietä röyhkeällä keskittymällä mainonnan ja julkkiskulttuurin kikkailevaan glamouriin, johon on lisätty happamia kirkkaita värejä ja yksinkertaistettuja kuvioita. Minimalismi oli siihen verrattuna siistiä ja liukasta, hillitty, hienostunut abstraktio toistuvilla ruudukoilla, geometrialla ja rajoitetuilla väreillä. Fotorealistinen liike nousi keskitiehen jonnekin näiden kahden säikeen väliin, jakaen omistajuuden populaarikulttuuria pop-taiteen kanssa ja minimalismin puhdas, menetelmällinen rationaalisuus. Toisin kuin pop-taiteen röyhkeä hauska, fotorealistiset taiteilijat tarkkailivat banaalisia aiheita ironisella, umpikujalla, joka ei sisältänyt inhimillisiä tunteita: äärimmäinen kontrasti näkyy Andy Warholin ikoninen pop-motiivi Campbellin keittopurkit, 1962 ja John Saltin fotorealistiset havainnot rautakaupan ikkunasta Rautakauppiaat , 1981. Fotorealismi törmäsi myös minimalismiin esittämällä narratiivisen tai realistisen sisällön elementtejä, toisin kuin niiden puhdas, puhdas pelkistävän yksinkertaisuuden kieltä.

Johtavat taiteilijat

'64 Chrysler Kirjailija: Robert Bechtle , 1971, Christie’sin kautta

Koko 1970-luvun alun fotorealismi kiihtyi ja siitä tuli valtava ilmiö kaikkialla Pohjois-Amerikassa. Uuden tyylin johtajia olivat kalifornialaiset taiteilijat Robert Bechtle, Ralph Goings ja Richard Mclean sekä New Yorkissa maalarit Chuck Close, Audrey Flack ja Tom Blackwell. Yhtenäisen ryhmän sijaan jokainen taiteilija työskenteli itsenäisesti lähestyen fotorealistista tyyliä omassa käsitteellisessä kehyksessään. Robert Bechtle maalasi kohtauksia, joita hän kutsui amerikkalaisen kokemuksen olemukseksi ja heijasti mainonnan visuaalista ikonografiaa tavallisiin esikaupunkikohtauksiin perheistä ja heidän luotettavista autoistaan ​​kapitalistisen ylellisyyden perimmäisenä symbolina. Hänen keskittymisensä tasaiseen, kiiltävään viiluun on kuitenkin hieman liian täydellinen, mikä viittaa siihen, että tämän pinnallisen julkisivun takana piilee pimeys. Richard Mclean tuotti myös idealisoidun näkemyksen amerikkalaisesta elämästä, mutta hän esitteli hevosurheilua tai nautaeläimiä esikaupunkien hajaantumisen sijaan dokumentoimalla älykkäitä ratsastajia, eläinten käsittelijöitä ja kiiltäviä hevosia paahtavassa auringonpaisteessa amerikkalaisen unelman todellisena symbolina.

Medaljonki Kirjailija: Richard Mclean , 1974, Guggenheim-museon kautta, New Yorkissa

Liike Syntyy

Aluksi tälle nouseville nuorille taiteilijoille annettiin erilaisia ​​nimiä, mukaan lukien uusi realismi, superrealismi ja hyperrealismi, mutta se oli New Yorkin galleristi. Louis K Meisel joka loi ensimmäisenä termin 'fotorealismi' luetteloon Whitney-museossa näyttely Kaksikymmentäkaksi realistia, 1970. Tämän näyttelyn menestyksen jälkeen Meisel keksi itsensä uudelleen yhden miehen cheerleaderiksi fotorealismille 1970-luvulla omistaen oman SoHo-galleriansa fotorealististen taideteosten edistämiseen sekä julkaissut tiukan viiden kohdan oppaan, jossa kuvataan tarkat yksityiskohdat, miltä fotorealistisen taideteoksen pitäisi näyttää. Toinen fotorealistisen liikkeen maamerkkihetki tuli vuonna 1972, kun sveitsiläinen kuraattori Harald Szeemann ohjasi koko asiakirjat 5 Saksassa esittelynä fotorealistiselle tyylille nimeltä Todellisuuden kyseenalaistaminen – kuvamaailmat tänään, sisältää 220 valokuvataiteilijan töitä.

Miten he tekivät sen?

Suuri omakuva, Chuck Close, 1967-68, Walker Art Centren kautta, Minneapolis

Fotorealistiset taiteilijat tutkivat erilaisia ​​kekseliäitä ja joskus nerokkaita temppuja saavuttaakseen niin vaikuttavan tarkkoja tuloksia. New Yorkin taidemaalari Chuck Close teki valtavia, yksityiskohtaisia ​​muotokuvia itsestään ja ystävistään yhdistämällä useita vallankumouksellisia tekniikoita. Ensimmäinen oli ruudukon lisääminen polaroidikuvaan sen hajottamiseksi useiksi pieniksi komponenteiksi, minkä jälkeen maalattiin jokainen pieni osa kerrallaan, jotta häntä ei hukkuisi käsillä olevan tehtävän valtavasta määrästä. Hän vertasi tätä menetelmällistä lähestymistapaa 'neulomiseen', koska kuva rakennetaan menetelmällisesti rivi riviltä. Sulje myös levitetyt maaliosat airbrushilla ja kaavi siihen partakoneen terien avulla saadaksesi tarkempia alueita ja jopa kiinnitä pyyhekumi sähköporaan, jotta se todella toimii pehmeimmillä sävyillä. Hämmästyttävää kyllä, hän väittää olevansa ikoninen 7 x 9 jalkaa Suuri omakuva, 1967-68 tehtiin vain teelusikallisella mustalla akryylimaalilla.

Toinen maailmansota (Turhamaisuus) Kirjailija: Audrey Flack , 1977, Christie’sin kautta

Sitä vastoin toveri New Yorkin taiteilija Audrey Flack projisoi omia valokuvakuviaan kankaalle maalausoppaaksi; ensimmäinen hänen tällä tavalla tehty työnsä oli Farb perheen muotokuva, 1970. Työskentely projisoinnin kanssa antoi hänelle mahdollisuuden saavuttaa häikäisevän tarkkuuden, joka ei olisi ollut mahdollista yksin käsin. Flack levitti sitten ohuita maalikerroksia kankailleen airbrushilla, mikä poisti kaikki jäljet ​​hänen kädestään lopputuloksessa. Toisin kuin hänen aikalaistensa irralliset tyylit, Flackin maalauksissa oli usein syvempää emotionaalista sisältöä, erityisesti hänen asetelmatutkimuksissaan, jotka toistivat memento mori -perinnettä huolellisesti sijoitettujen esineiden, jotka symboloivat elämän lyhyyttä, kuten pääkalloja ja palavia kynttilöitä, kanssa. toimii kuten Toinen maailmansota (Turhamaisuus), 1977.

Hyperrealismi

Mies penkillä Kirjailija: Duane Hanson , 1977, Christie’sin kautta

Fotorealistisen liikkeen jälkeen tyylistä syntyi 1970-luvun lopulla uusi, paisutettu versio, joka tunnettiin nimellä hyperrealismi. Toisin kuin fotorealististen kohteiden yleinen mekaaninen, irrallaan oleva silmä, hyperrealismi keskittyi tietoisesti tunteisiin herättäviin aiheisiin ja lisäsi kohteidensa kunnioituksen tunnetta ja suuruutta valtavalla mittakaavalla, äärimmäisellä valaistuksella tai vihjeillä kerronnalliseen sisältöön. Riippumaton kuraattori, kirjoittaja ja puhuja Barbara Maria Stafford kuvaili Tate Galleryn lehden tyyliä Tate Papers jonain, joka on keinotekoisesti tehostettu ja pakotettu tulemaan todellisemmiksi kuin se oli silloin, kun se oli olemassa todellisessa maailmassa.

Veistos oli erityisen tärkeä osa hypertodellista taidetta, erityisesti amerikkalaisten kuvanveistäjien Duane Hansonin ja John de Andrean lasikuiturungot, jotka asettavat uskomattoman eläviä hahmoja asentoihin tai skenaarioihin, jotka vihjaavat kertomattomiin tarinoihin pinnan alla. Nykyaikainen australialainen kuvanveistäjä Ron Mueck on vienyt nämä ideat äärimmäisyyksiin viime vuosina ja tuottanut surrealistisia figuratiivisia tunnuksia, jotka kertovat ihmisen tilan monimutkaisuudesta siirretyillä asteikoilla, joiden tarkoituksena on vahvistaa niiden emotionaalista vaikutusta. Hänen valtava vastasyntynyt vauvansa sisään Tyttö, 2006, on yli 5 metriä pitkä, ja se vangitsee teatteridraamalla lapsen maailmaan tuomisen ihmeellisen ihmeen.

Tyttö Kirjailija: Ron Mueck , 2006, National Gallery of Melbourne, Australia ja Atlantti

Viimeaikaiset ideat fotorealismissa

Loopy Kirjailija: Jeff Koons , 1999, Bilbaon Guggenheim-museon kautta

Fotorealismi saavutti huippunsa 1970-luvulla, mutta siitä lähtien tyylin vaihtelut ovat säilyneet seuraavien vuosikymmenten ajan. Tietotekniikan räjähdysmäisen 1990-luvun jälkeen uusi taiteilijoiden aalto omaksui fotorealistisen työskentelytavan, mutta monet ovat siirtyneet fotorealistisen taideliikkeen kirjaimellisuuden ulkopuolelle ottamalla käyttöön luovan digitaalisen editoinnin elementtejä tietokoneohjelmissa.

Nimetön (valtameri) Kirjailija: Vija Celmins , 1977, San Franciscon modernin taiteen museon kautta

Amerikkalaisessa taiteilijassa Jeff Koons kitsch, Easyfun-Ethereal sarja, mukaan lukien teos Loopy, Vuonna 1999 hän luo digitaalisia kollaaseja, joissa on vietteleviä lehdistä ja mainostaulumainoksista leikattuja katkelmia, jotka hänen avustajatiiminsä skaalaavat maalilla valtaville seinän kokoisille kankaille. Toisessa päässä amerikkalainen taiteilija Vija Celmins tekee pieniä, hienosti havaittuja piirroksia ja printtejä paperille mustavalkoisena välittäen valtameren tai tähtien täyttämän yötaivaan valtavia avaruksia pienillä, toistuvilla jälkillä ja tahroilla, jotka vain paljastaa niiden tekemisen jälkiä.

Matalat kuolemat kirjoittaja Glenn Brown , 2000, Lontoon Gagosian Galleryn kautta

Brittimaalari Glenn Brown ottaa toisenlaisen lähestymistavan kokonaan; Hyperrealismin surrealistisen kielen pohjalta hän tekee fotorealistisia kopioita kuuluisista ekspressionistisista taideteoksista, jotka hehkuvat epäluonnollisen valon auralla ikään kuin niitä katsottaisiin tietokoneen näytöltä. Brownin monimutkainen prosessi kopioida maaliin toisen taiteilijan taideteoksen valokuvaa paljastaa, kuinka tiiviisti kokemuksemme maalausten näkemisestä ja tekemisestä ovat nykypäivän digitaalisen kokemuksen kanssa.