Värien kiehtova kehitys taideteoksissa: luolasta kankaaseen

Väri on yksi taideteoksen tärkeimmistä osista. Sitä käytetään kuvaamaan tunteita, paikkoja ja tekoja, ja ilman sitä taidemaailma näyttäisi hyvin erilaiselta kuin nykyään. Taideteokset eivät aina olleet yhtä värikkäitä kuin nykyään, mutta innovaation ja luovan ajattelun ansiosta taideteosten värit ovat kehittyneet kautta aikojen ja kehittyvät myös tulevaisuudessa. Tässä on kattava opas värien kiehtovasta kehityksestä taideteoksissa.

Väri taideteoksissa: Paleoliittiset maalaukset

Paleoliittisen aikakauden aikana taiteilijat alkoivat käyttää värejä töissään. Vaikka se olikin primitiivistä, tämä oli alku värin kehitykselle taideteoksissa. Jo 40 000 vuotta sitten paleoliittisen aikakauden taideteokset luotiin tyypillisesti luonnollisilla ja maanläheisillä väreillä, kuten punaisilla, mustilla ja ruskeilla. Tämä johtui siitä, että ihmiset käyttivät luonnollisia ainesosia maalin luomiseen. Esimerkiksi poltettua puuhiiltä ja maaperää sekoitettiin jonkin tyyppiseen sideaineeseen, kuten sylkeen ja jopa eläinrasvaan.

Yleisimmin käytetty primitiivisen luolataiteen väri on punainen okra, ja tämän maalin luomisen historia on varsin kiehtovaa. Riippuen missä päin maailmaa olit, punainen okra valmistettiin eri tavalla. Esihistoriallisessa Espanjassa punaokraa valmistettiin maaperässä olevista rautaoksideista, kuten hematiitista. Tämä sekoitettiin sitten sideaineeseen, kuten sylkeen, jotta maali voitaisiin suihkuttaa taiteilijan suusta. Vuosisatoja myöhemmin Amerikassa kokinellina tunnettu hyönteinen murskattiin tämän pigmentin luomiseksi.

Kun tarkastellaan kallioseinämaalausten molempia osia, on erittäin selvää, että punainen okra oli hallitseva taiteessa. Se oli todennäköisesti sormimaalattu. Tämä merkitsi värien evoluution alkua taideteoksissa.

Värin evoluutio renessanssin maalauksissa

The Renessanssin aikakausi on ehkä yksi taidehistorian tunnetuimmista ajanjaksoista, kiitos taiteilijoiden, kuten Rembrandt ja Rafael. Renessanssi oli kuuluisa myös toisesta asiasta - värien käytöstä tunteiden ja uskonnollisten kuvien ilmaisemiseen. Monet taiteilijat, kuten Rembrandt, käyttivät edelleen kokinilia (punaista okraa) lasiteoksena teoksissaan. Tämä pigmentoitu lasite lisättiin aiempien kerrosten päälle luomaan elävämpää ja syvän punaista. Tämä syvä ja täyteläinen punainen näkyy Rembrandtin öljymaalauksessa nimeltä Tuhlaajapojan paluu. Jopa työn pimeimmissä osissa on aavistus punaista. Tämä johtuu tuolloin niin suositusta kokenillilasituksesta.

Renessanssin aikana sinisestä väristä tuli yhä suositumpi. Egyptiläiset olivat edelläkävijöitä sinisen, joka tunnetaan nimellä Egyptin sininen, käytön, mutta Sassoferraton sinistä Neitsyt rukouksessa näyttää paljon arvokkaammalta.

Viitassa näkyvä erityinen sininen tunnetaan ultramariinin sinisenä. Kansallisgallerian mukaan , Sassoferrato sai tämän värin puolijalokivestä nimeltä lapis lazuli. Tämä kivi löydettiin vain vuoristosta Afganistanissa, ja se oli yhtä arvokasta kuin kulta 1600-luvulla.

Rokokoon aikakauden maalauksia

Rokokoon aikakausi merkitsi uuden tavan käyttää värejä maalauksissa. Punaisen okran tummat sävyt olivat poissa. Sen sijaan tällä aikakaudella otettiin käyttöön vaaleita ja pastellisävyjä. Tämän aikakauden Pariisista syntyneissä maalauksissa oli lempeyttä ja haikeutta.

Vaaleanpunainen väri, vaikka se ei ollut kovin suosittu renessanssin aikana, oli yhtäkkiä kuumaa kysyntää rokokookaudella ja sitä nähtiin monissa kuuluisissa taideteoksissa, kuten Jean-Honoré Fragonardin teoksissa. Keinu ja François Boucherin monet aistilliset alastonkuvat.

Keinu toimii täydellisenä esimerkkinä rokokootaiteesta. Naisen mekon vaalean pastellin vaaleanpunaiset ja oranssit, hänen ihonsävynsä ja jalkojen alla hajallaan olevat pienet kukat edustavat hyvin rokokoon taustalla olevia ajatuksia. Tumman mutta eloisan sinisen käyttö taustalla auttaa nostamaan tytön mekon vaaleanpunaiset sävyt esiin.

Värien käyttö rokokookaudella oli hyvin erilaista kuin renessanssin aikakausi. Sitä käytettiin välittämään romantiikkaa teoksissa. Pinkkiä käytettiin myös paljon, koska se oli tuolloin vaurauden symboli.

Francois Boucherin Madame de Pompadourin muotokuva on erinomainen esimerkki vaaleanpunaisen värin käytöstä. Rokokookaudella vaaleanpunainen väri nähtiin vaurauden merkkinä, ja sitä käyttivät tyypillisesti kuninkaalliset ja jalot ihmiset. Boucher loi sarjan maalauksia Ludvig XV:n yliherrasta Madame de Pompadourista. Hän oli erittäin vaikutusvaltainen nainen oikeudessa, ja hänet ylennettiin lopulta kuningattaren Lady-in-Waitingiksi vuonna 1756, sinä vuonna, kun Boucher maalasi tämän muotokuvan hänestä.

Taideteoksssaan Boucher käytti vaaleanpunaista väriä röyhelöihin ja pieniin kukkanuppuihin, jotka koristavat hoitajan mekkoa. Hänen ihonsa norsunluun väri saa hänen poskipunansa kirkkaan vaaleanpunaisen erottumaan tummempaa taustaa vasten. Rokokootyylille tyypillistä on kullan käyttö maalauksen taustalla, mikä saa työn näyttämään oudolta ja romanttiselta.

Impressionistiset maalaukset

Värien käyttö taideteoksissa muuttui jälleen kerran impressionismin aikakaudella. Taiteilijat pitävät Claude Monet ja Pierre-Auguste Renoir suosivat kirkkaampia ja rohkeampia värejä. Rokokoon aikakauden pehmeät, omaperäiset siveltimenvedot olivat poissa. Impressionistiset taiteilijat suosivat rajattomia ja kuvioituja sivellinvetoja, jotka olivat yksittäin näkyviä.

Claude Monet's Taiteilijan puutarha Givernyssä on täydellinen esimerkki impressionistisesta maalauksesta.

Siinä on kirkas värinkäyttö, joka näkyy violeteissa ja sinisissä kukissa, taustalla olevassa vaaleansinisessä ja oranssissa rakennuksessa ja puiden moninkertaisissa vihreissä. Tässä käytettiin teksturoituja ja nopeita siveltimenvetoja, mikä näkyy helposti maalauksessa. Impressionistiset taideteokset keskittyivät luonnolliseen valoon ja varjoihin, ja tämä näkyy Monetin teoksissa maalauksen oikeassa yläkulmassa. Monet'n teos ilmentää impressionistisen aikakauden kiireistä ja hienostunutta tyyliä ja on esimerkki värinkäytön kehittymisestä.

Värin evoluutio fauvismimaalauksissa

Impressionismin aikakauden jälkeen tuli uusi taideliike, joka tunnetaan nimellä favismi. Vaikka impressionismi ja fauvismi saattavat vaikuttaa hyvin samanlaisilta, näiden kahden tyylin välillä on yksi silmiinpistävä ero - värien käyttö asioiden kuvaamiseen ei-naturalistisella tyylillä. Sekä impressionistinen että favismi-tyyli taideteokset keskittyivät kirkkaisiin väreihin ja teksturoituihin siveltimen vedoin. Fauvismin aikakaudella luodut teokset ovat kuitenkin kirkkaampia.

Matissen maalaus nimeltä Naiset hatulla on loistava esimerkki siitä, kuinka ei-naturalistisia värejä käytettiin tänä aikana. Esimerkiksi kun katsomme maalauksen naisen kasvoja, näemme useita värejä. On kirkkaan keltaisia, sinisiä, vihreitä ja vaaleanpunaisia. Näitä värejä ei näkisi katsoessasi tätä naista tosielämässä. Värien käyttö oli fauvismissa rohkeaa ja sitä käytettiin joskus järkyttämään katsojaa.

Värien evoluutio taideteoksissa

Värien käyttö sisällä nykytaide on kehittynyt siihen pisteeseen, että taiteilijat käyttävät nyt värejä millä tahansa tyylillä ja tavalla. Esimerkiksi Yves Kleinin veistokset valloittivat maailman hänen erittäin pigmentoidun ja esteettisesti miellyttävän sinisen ansiosta. Vaikka Klein keskittyi käyttämään yhtä väriä teoksissaan, vaikutus oli hämmästyttävä. Kun tarkastellaan taaksepäin paleoliittisen aikakauden yksinkertaisia ​​kalliomaalauksia aina fauvistin aikakauden rohkeisiin väreihin, on kiehtovaa nähdä, miten värit ovat kehittyneet vuosien varrella ja kehittyvät edelleen.