Kuinka Claude Monet vangitsi ajan kulumisen?

Vuonna 1890 Lumièren veljekset kehittivät elokuvaa, joka muuttuisi elokuvaksi sellaisena kuin me sen nyt tunnemme. Tänä aikana Claude Monet alkoi omistautua useiden maalaussarjojen toteuttamiseen. Näissä sarjoissa esitettiin töitä, jotka esittivät samaa aihetta, usein samasta kuvakulmasta, eri vuorokaudenaikoina ja eri vuodenaikoina. Monet aloitti Heinäsuovasta sarjassa, sitten siirryttiin Poppelit , Rouenin katedraalit ja lopulta hänen kuuluisa Vesililjat . Nämä sarjat ovat ainutlaatuisia, ja ne ovat aikaisempia. Lue lisää saadaksesi lisätietoja siitä, miksi Monet päättää maalata samat aiheet yhä uudelleen ja uudelleen.

1. Claude Monet's Heinäsuovasta

Vuonna 1883 40-vuotias Claude Monet oli ranskalaisen impressionismin johtaja, joka jäi eläkkeelle Givernyyn Normandiaan. Yleisöstä ja muista taiteilijoista eristettynä hänen taiteensa sai ainutlaatuisen käänteen vuonna 1890, kun hän omistautui maalaamaan, josta tulee useita kuuluisia sarjoja. Se tapahtui ehkä useita versioita maalattaessa Gare Saint-Lazare vuonna 1877 tai Petite Creuse Vuonna 1889 Monet keksi idean näihin taiteellisiin kokeiluihin.

Tämä taiteellinen aikakausi alkoi Heinäsuovasta , sarja, joka koostuu yli kahdestakymmenestä maalauksesta. Jo vuonna 1888 Monet alkoi maalata heinäsuoloja Givernyn kotinsa lähellä. Tämän toistuvan sarjan tavoitteena oli näyttää valon ja tunnelman erilaisia ​​vaikutuksia eri päivinä, vuodenaikoina ja sääolosuhteissa. Joskus kehys ja näkökulma vaihtelevat. Tämän uuden tavoitteen myötä Monet hylkäsi maisemat. Sen sijaan hän alkoi keskittyä maisemien fragmentteihin.

Toukokuussa 1891 Monet esitteli tämän sarjan 25 maalauksesta viisitoista ensimmäistä kertaa yleisölle. Tämä tehtiin Pariisissa Paul Durand-Ruel Galleryn järjestämässä näyttelyssä. Daniel Wildensteinissa Vastaanotettu katalogi Monetin teoksista kunkin maalauksen numerointi on yleensä sama, jota käytetään viittaamaan taiteilijan jokaiseen maalaukseen. Tämä numerointi tekee mahdolliseksi erottaa kunkin sarjan lukuisat samannimiset maalaukset. Varten Heinäsuovasta sarjassa maalaukset on numeroitu W1266-W1290.

Nämä maalaukset havainnollistavat täydellisesti tapaa, jolla impressionistit havaitsivat värit. Tietäen, että jokaisella värillä on vastakohtansa, impressionistimaalarit liittivät jokaisen sävyn sen täydentävään väriin korostaakseen sitä. Silmä sitten yksin vähentää kontrastien häiriöitä ja käyttää optista sekoitusta täydentävien sävyjen perusteella. Tämä mahdollistaa maalarin paletin katoamisen silmän itse sekoittaessa värejä. Tämän idean teoretisoi ranskalainen tiedemies Michel-Eugène Chevreul samanaikaisen värien kontrastin laissa, joka inspiroi sekä impressionisteja että pointillisteja.

Heinäsuovat maalattiin eri vuorokaudenaikoina, mikä antoi Monetille mahdollisuuden kokeilla tätä väriteoriaa. Hän tutki valon vaihtelua päivän aikana: aamun hehkua, iltapäivän auringonsäteitä ja iltataivasta. Joissakin maalauksissa Monet maalasi myös kullekin vuodenajalle ja sääolosuhteille ominaisia ​​valon ja värien vaikutuksia. Sisään Viljapinot (W1273), Chevreulin väriteorian soveltaminen on kiistatonta. Heinäsuovan kärkeen käytetty sininen varjoissa täydentää erilaisia ​​oranssin sävyjä, joita käytetään kuvaamaan auringonsäteitä ja niiden heijastuksia.

Monet ja impressionistit eivät halunneet kuvata uskollisesti esineiden tavanomaista ulkonäköä. Sen sijaan he yrittivät tulkita niitä omalla tavallaan. Näin tehdessään he ehdottivat maalaustaiteen uutta määritelmää ilmaisualueena, jossa voitiin saavuttaa eloisia värillisiä aistimuksia. Monet neuvoi inspiroivia taiteilijoita olemaan katsomatta edessään olevia esineitä maalauksen viitteinä, vaan katsomaan niitä väritäplinä. Tämä neuvo on järkevä, kun tarkastellaan maalauksia Heinäsuovasta sarja, jossa jopa varjot on käsitelty kirkkailla, puhtailla ja sekoittamattomilla väreillä.

The Heinäsuovasta sarja havainnollistaa täydellisesti impressionistisen maalauksen progressiivista kehitystä. Joissakin kankaissa on edelleen säilynyt tietty naturalismi, uskollisuus maalatulle todellisuudelle, kuten sarjan ensimmäinen maalaus ns. Heinäsuovat, kesän loppu (W1266). Mutta muissa teoksissa Monetin tekniikka alkaa hylätä volyymit ja yksityiskohdat ja alkaa kiinnostua yksinomaan kosketus- ja valotehosteista. Siveltimen vedot paksuuntuvat ja muodot liukenevat. Katsojat kohtaavat maalauksia, jotka ilmaisevat maalarin tunteita paljon enemmän kuin alkuperäinen aihe. Yksi tämän sarjan viimeisistä maalauksista, Grainstack in Sunshine (W1288) väitetään häikäisevän nuorta Wassily Kandinskya näyttelyssä Moskovassa vuonna 1896.

Vuonna 1969 kuuluisa pop-taiteilija Roy Lichtenstein kunnioitti Monet'sia Heinäsuovasta omalla 7 litografian sarjallaan, jotka jakavat saman nimen. Hänen omansa Heinäsuovasta kuvaavat impressionistisen taiteilijan tavoin valon vaihtelua eri vuorokaudenaikoina, kiitos väriskaalan, joka vaihtelee aamun keltaisesta illan mustaan. Monetin värikokeiluilla ja hänen avantgarde-versiollaan silkkipainatuksesta oli valtava vaikutus modernin taiteen kehitykseen. Lichtenstein tutkisi edelleen tätä poikkeuksellista taiteellista vuoropuhelua impressionistisen mestarin kanssa. Uransa aikana poptaiteen ikoni todellakin tuotti kaksi muuta litografiasarjaa, jotka ovat saaneet inspiraationsa joistakin Monetin maalauksista kahdesta sarjasta: Rouenin katedraali (1969) ja Vesililjat (1992).

2. Poppelit

Vuoden 1891 kesän ja syksyn välillä, vuoden kuluttua Heinäsuovasta Monet tuotti uuden 23 maalauksen sarjan nimeltä Poppelit . Samalla kun Heinäsuovasta Sarjat vaihtelivat huomattavasti kulmien, kehystysten ja kanvasmuotojen suhteen, joten tämä sarja on paljon johdonmukaisempi. Kanvaasissa korostettiin puita, jotka kohosivat taivaalle.

Kuten Heinäsuovasta Tämä uusi sarja poimii impressionistiset periaatteet, joita Monet ei koskaan lakannut puolustamasta ja havainnollistamaan: ulkoilmamaalausta, jossa voi piirtää suoraan aiheesta tietyllä hetkellä. Monet yritti vangita hetken tässä sarjassa maalaamalla varjoja, merkitsemällä auringon liikettä sekä päivien ja vuodenaikojen kiertokulkua värien vaihteluilla. Hänen kuvauksensa ei kuitenkaan ollut tieteellinen tai realistinen, vaan pikemminkin luotu henkilökohtaisen vaikutelman kääntämiseksi. Siksi näiden varjojen tai värien naturalistinen tarkkuus on joskus kyseenalainen.

Tarkkailemalla sarjoissaan vaihtuvia tunteja, päiviä ja vuodenaikoja Monet keskittyi siihen, mikä kiehtoi häntä eniten: valon vaikutuksiin. Yrittämällä maalata nämä efektit, hän pyrki vangitsemaan lyhytaikaisuuden. Tästä syystä hänen valitsemansa aiheet olivat aina yksinkertaisia ​​ja miksi hänen maalauksistaan ​​puuttuivat yksityiskohdat. Vain valo ja värit olivat tärkeitä. Kohteet voivat jopa näyttää epäselviltä, ​​ja joskus muutama siveltimen veto riitti luonnostelemaan muotoa.

Monet'lle maisema ei ole muuttumaton, vaan se on alttiina loputtomille ilmakehän vaihteluille ja versioille. Hän selitti tämän hollantilaiselle kirjastonhoitajalle Willem Byvanckille vuonna 1891: Tätä ehdotin itselleni: ennen kaikkea halusin olla totta ja tarkka. Minulle maisema ei ole olemassa maisemana, koska sen puoli muuttuu joka hetki; mutta se elää ympäristönsä, ilman ja valon mukaan, jotka vaihtelevat jatkuvasti […]. Sinun täytyy osata tarttua maiseman hetkeen oikeaan aikaan, koska se aika ei koskaan palaa ja mietit aina, oliko ottamasi vaikutelma aito .

3. Rouenin katedraalit

The Rouenin katedraali Sarja koostuu 30 maalauksesta, jotka Claude Monet teki vuosina 1892-1894. Hän maalasi pääasiassa Notre-Dame de Rouenin katedraalin länsiportaalia eri näkökulmista ja eri vuorokaudenaikoina. Monet halusi nähdä katedraalin maalaukset yhdessä, kokonaisuutena.

Monet valitsi vuonna 1895 näistä teoksista 20 näytteillepanoa taidekauppiaan galleriaan Pariisissa, kuten hän teki Heinäsuovasta useita vuosia ennen. Näyttely sai ristiriitaisen vastaanoton kriitikoilta esitettävän rakennuksen uskonnollisen luonteen vuoksi. Jotkut kuitenkin näkivät unenomaisen ominaisuuden siinä, miten valo leikki katedraalin julkisivun kanssa. Monet'n valinta tutkia ja maalata Rouenin katedraalin julkisivu, joka on erittäin pitkälle kehitetty ja monimutkainen arkkitehtuurikappale, vaikuttaa epätavalliselta. Hän piti yleensä mieluummin kiinni yksinkertaisista aiheista, joissa ei ollut yksityiskohtia voidakseen omistautua valon ja värien tutkimiseen.

Nämä maalaukset muistuttavat kuitenkin tapaa, jolla Monet käsitteli Étretatin kallioiden liitupintaa muutama vuosi aikaisemmin. Kaapatakseen tunnelman ja kiven pintaan osuvan valon Monet kokeili pigmenttejä saadakseen haluttuja värejä. Tuomiokirkon julkisivu on kaiverrettu yksivärisestä kivestä, mutta Monetin maalauksissa on monia värejä, jotka vaihtelevat mauveista ja vihreästä vaaleanpunaiseen ja oranssiin.

Rouenin katedraalit sisältää harvinaisen urbaanin aiheen vahvasti luontoon ankkuroituneen sarjansa joukossa. Sen arkkitehtuuri, sen julkisivun varjot ja kiven värien ja tekstuurin vaihtelut ovat elementtejä, joiden avulla Monet voi soveltaa impressionistisia periaatteitaan tähän urbaaniin aiheeseen. Muutaman vuoden kuluttua Rouenin katedraalit , hän jätti jälleen maaseutuaiheet sivuun ja valitsi Lontoon parlamentin motiiviksi uudelle 19 maalauksen sarjalle. Nämä kaksi sarjaa ovat hänen syvällisimpiä tutkimuksiaan valosta ja väreistä arkkitehtuurissa.

4. Vesililjat : Claude Monet'n viimeinen mestariteos

Japanin avaamisen jälkeen länsimaalaisille vuonna 1853 japonismin aalto valtasi Euroopan. Eurooppalaiset matkailijat alkoivat tutustua maahan ja tuoda mukanaan esineitä, kuten teetä, kaiverruksia ja vaatteita. Monet itsekin kiehtoivat japanilaista kulttuuria. Taiteellinen aika, jonka hän omisti maalaussarjalleen, näyttää olevan velkaa hänen suurelle kiinnostukselleen japanilaiseen ukiyo-e-taideeseen (japanilaiset puukivivedokset ja maalaukset).

Monet omisti jopa suuren kokoelman japanilaista taidetta, jolla hän sisusti kotiaan Giverny . Teossarjan tekemisen periaate on yhteinen kuuluisalle japanilaiselle taiteilijalle Hokusaille, joka erityisesti tuotti teoksen Kolmekymmentäkuusi näkymää Fuji-vuorelle 1831 ja 1833 välillä. Yleisesti uskotaan, että Monet saivat vahvasti vaikutteita Hokusailta muiden japanilaisten taiteilijoiden, kuten Hiroshigen, kanssa.

Vesililjat on sarja, joka koostuu noin 250 öljymaalauksesta, jotka Monet on tuottanut elämänsä viimeisten 31 vuoden aikana. Vesililjat on myös hänen elämänsä viimeinen ja suurin projekti. Näissä maalauksissa näkyy lumpeiden lampi Monet'n talon kukkapuutarhasta Givernyssä, jossa nykyään toimii Claude Monet -säätiö. Taiteilijan itsensä suunnittelema puutarha on todiste hänen rakkaudestaan japanilainen kulttuuri. Siinä on japanilainen kävelysilta, jota peittävät wisteria, lumpeet, itkevät pajut ja bambumetsät. Monet sai inspiraationsa tästä puutarhasta yli kahdenkymmenen vuoden ajan. Maalaukset Vesililjat sarjat vaihtelevat muodoltaan ja kooltaan.

Monet tutki kaikki vesiheijastusten mahdollisuudet. Mutta näiden maalausten todellinen aihe on jälleen valo. Monet maalasi sen rikkaalla väripaletilla, joka herätti sen heijastukset vedessä eloon. Hän asetti rinnakkain toisiaan täydentäviä värejä, kuten keltaisen ja violetin, mikä korosti valovoiman ja tilan laajenemisen tunnetta katsojan silmässä.

Kuten sisällä Heinäsuovasta sarja, alun perin kuvaannollinen Vesililjat maalauksista tuli vuosien saatossa yhä abstraktimpia. Toisin kuin Beethovenin kuuroutumisen ironia, monet näistä kankaista maalattiin Monetin kärsiessä kaihista ja kun hän alkoi hitaasti menettää näkönsä. Hänen yhä sameampi näkemyksensä tuotti epätodellisia ja unenomaisia ​​maalauksia. Hänen puutarhansa japanilainen kävelysilta oli monien hänen maalaustensa kohteena, mutta tapa, jolla hän kuvasi sitä, muuttui huomattavasti ajan myötä. Monet maalasi vuonna 1899 erittäin realistisen version sillasta Vesililjalampi (W1516) rauhallisilla vihreän sävyillä. The Japanilainen kävelysilta, Giverny (W1932), joka on maalattu noin kaksikymmentä vuotta myöhemmin, sen sijaan näyttää yhdistelmän kirkkaan punaisia, oransseja ja keltaisia ​​muodottomia värejä, joissa katsoja tuskin voi erottaa sillan muotoa.

Toistaen hänen impressionistisen teoriansa, jonka mukaan maisemamaalauksen tulisi keskittyä valon ja värin väliseen korrelaatioon, Monet ei voinut enää nähdä maalaamiensa aiheiden yksityiskohtia. Hän todella saavutti kannattamansa maiseman vision: pystyä havainnoimaan ympäristöään väripilkkuina, ilman muotoja tai yksityiskohtia. Hänen Vesililjat , hänen luovan eleensä vahvuus ja kankaan koko pinnan laaja käsittely erottamatta eri tasoja ovat kaikki elementtejä, jotka myöhemmin viettelevät nuoret amerikkalaiset abstraktin ekspressionismin taiteilijat.

Vuodesta 1914 vuoteen 1926 Monet työskenteli kahdeksan panoraamamaalauksen parissa, jotka oli tarkoitettu lahjaksi Ranskan hallitukselle rauhan symbolina ensimmäisen maailmansodan lopussa. Vesililjat sarja. Tämä maalaussarja on suunniteltu tiettyyn paikkaan, Pariisin Musée de l'Orangerie -museoon. Vesililjat on nyt pysyvästi ripustettuna museoon Monetin ohjeiden mukaan. Kankaat on sijoitettu kahden soikean huoneen seinille, jotka valaisevat luonnonvaloa.

Tämä projekti ei ole klassinen maiseman esitys. Taiteilija tutki värin ja kosketuksen mahdollisuuksia täysin. Kaukaa katsottuna värien kosketukset muodostavat kuvan vesistöstä ilman rantaa tai horisonttia. Läheltä katsoja näkee ennen kaikkea kuvallisen asian. Tämä ainutlaatuinen kokonaisuus on todellinen impressionismin Sikstuksen kappeli, jonka taidemaalari André Masson sanoi vuonna 1952. Se on osoitus Claude Monetin viimeisestä taiteellisesta projektista, joka on suunniteltu todelliseksi ympäristöksi ja lopuksi. Vesililjat sarja. Musée de l'Orangerie's Vesililjat on yksi suurimmista monumentaalimaalausprojekteista 1900-luvun alkupuolella.