5 ominaisuutta, jotka määrittelivät rokokootaideliikkeen

Rokokoon taideliikkeen ranskalainen puoli edusti vain murto-osaa siitä, mitä rokokoolla kokonaisuutena oli tarjottavanaan. Satiirista ja kotimaisuudesta uskontoon tässä liikkeessä on niin paljon enemmän kuin mitä Fragonardin tai Boucherin pörröiset, herttaiset ja pastoraaliset teokset antavat uskoa. Rokokoo oli enemmän kuin vain järjettömiä asioita ja aristokratian hienoa elämää. Se on paljon kerroksellisempaa kuin voisi luulla!

1. Kotimaisuus ja arkipäiväisyys rokokootaidessa

Armollinen paimen , kirjoittanut François Boucher, 1736-1739, skannattu kuva 1800-luvun eurooppalaisesta taiteesta: kolmas painos

Mikä siinä on niin kiehtovaa Jean-Baptiste-Simeon Chardin on se, että hän tuntuu varhaiselta esipuheelta Realistinen liike . Hänen maalauksissaan on pehmeyttä, joka silti antaa lämpöä, jota aristokratia haluaisi nähdä taiteesta, jonka aiheena ovat alemman luokan ihmiset. Silti koristelun ja dramaattisten yksityiskohtien puute saa sen näyttämään vähiten rokokoopalalta, josta keskustellaan, erityisesti Ranskalainen rokokoo standardit.

Ranskalainen rokokootaide tunnettiin eniten kevytmielisyydestä ja arjen romantisoinnista, mutta sitä käsiteltiin harvoin samalla tavalla kuin Chardinia. Toisessa päässä oli Francois Boucher, joka oli erinomainen romantisoimassa jokapäiväistä maailmaa ja tehnyt siitä käsin kosketeltavaa ja houkuttelevaa varakkaiden ja varakkaiden silmissä. Hänen työnsä Armollinen paimen on täydellinen esimerkki. Huolimatta siitä, että Chardin oli ranskalainen, hän meni työllään täysin eri suuntaan.

armo Kirjailija: Jean-Baptiste-Simeon Chardin , 1740, Louvre Collections -verkkosivuston kautta

Hänen armo keskittyi porvarillisen luokan kotillisuuteen, kuten monet hänen teoksensa, jotka houkuttelivat aristokratiaa. Tämä melko arkipäiväinen ja vaatimaton työ poikkesi niin paljon siitä, mikä oli tyypillistä ranskalaiselle rokokoolle, että aristokratia ei voinut olla kiinnostunut. Se kuvaa äitiä, joka kannustaa lapsiaan pitämään päivittäisen rukouksensa lounaan aikana, ja se paljastaa vaatimattomuuden Kolmas kiinteistö perhe-elämä, joka oli ihailtavaa.

Pidätkö tästä artikkelista?

Tilaa ilmainen viikoittainen uutiskirjeemmeLiittyä seuraan!Ladataan...Liittyä seuraan!Ladataan...

Tarkista postilaatikkosi aktivoidaksesi tilauksesi

Kiitos!

Tänä aikana ei ollut juurikaan tai ei ollenkaan dokumentointia köyhistä taiteen kautta, koska se ei ollut aihe, jota pidettiin sopivana varakkaiden ja varakkaiden silmissä; joten kun he näkivät tämän maalauksen ensimmäisen kerran, he olettivat sen olevan talonpoikaisperhe, ei kunnollisesti varakkaan työväenluokan perhettä. Suurin osa ylemmästä luokasta eli tietämättömyyden ja olettamusten elämää tässä suhteessa.

armo (Lähikuva) Jean-Baptiste-Siméon Chardin , 1740, Louvre Collections -verkkosivuston kautta

Tässä työssä on vielä selvempää, että Chardinilla on taipumus realismiin ja yksityiskohtiin, kun tarkastellaan ruoan päälle lisätyn höyryn yksinkertaista yksityiskohtaa. Tämä realismin tunne saa katsojan uskomaan, että Chardin oli siellä ja näki tämän perheen omin silmin. Hän pystyi näyttämään tarkasti arkipäiväisen kotielämän huolella. Oikeassa alakulmassa on myös ruukku, reunan lievä kiilto ja tummuminen voivat auttaa sinua tuntemaan, että tarkkailet kohtausta etkä kuvaa.

Asetelma lasipullolla ja hedelmillä Kirjailija: Jean-Baptiste-Simeon Chardin , 1728, Karlsruhen valtion taidegalleriassa

Toinen yllättävä näkökohta Chardinin rokokootöissä oli se, että ne heijastivat Hollantilainen asetelma maalaukset. Hänen Asetelma lasipullolla ja hedelmillä on toinen kappale, joka vahvistaa hänen valtavaa huomiota yksityiskohtiin. Hedelmien harjuista niiden heijastukseen astiassa Chardin varmisti, että hän dokumentoi jokaisen yksityiskohdan siveltimellään. Jotain, mikä olisi voinut helposti jäädä huomaamatta, kuten oranssin vääristynyt heijastus hopeakupissa, on tehty asiantuntevasti. Vaikka tyypillinen ranskalainen rokokootaide on yksityiskohtiin suuntautunutta, se ei koskaan ollut niin arkisia aiheita varten, ja Chardin paljasti toisen tavan, jolla rokokoo voidaan esittää.

2. Uskonnolliset kuvat ja eeppiset freskot

Immaculate Concept Kirjailija: Giovanni Battista Tiepolo , 1767-1769, Madridin Prado-museon kautta

Kun katsot ranskalaista rokokootaidetta, uskonnolliseen ikonografiaan ja kuviin ei yleensä kiinnitetä tätä huomiota, ellei se ole mitä tahansa tekemistä kreikkalaisten ja roomalaisten jumalien kanssa. Kristillinen ja katolinen kuva ei kuitenkaan ollut lainkaan yleistä. Varmasti ihmiset olivat menossa kirkkoon ja osasivat arvostaa hyvää freskkaa joka päivä, mutta vapaa-ajalla hurskaus oli vähiten huolenaihe, koska siellä oli liian paljon hauskaa!

Tätä voidaan pitää ironisena, koska sinulla on sellaisia ​​kappaleita Immaculate Concept italialainen rokokootaiteilija Giovanni Battista Tiepolo . Perustuen oletukseen, että hän oli katolinen, kuten suurin osa hänen venetsialaisista kohortistaan, ei pitäisi olla yllättävää, että hän otti uskonnolliset kuvat vakavasti ja arvosti hänen teoksiaan. Klassinen ja renessanssin taiteen aikakausi , joka tulee vahvasti läpi hänen työssään.

Rosaryn instituutio Giovanni Battista Tiepolo, 1738-1739, skannattu kuva 1800-luvun eurooppalaisesta taiteesta: kolmas painos

Hänen Rosaryn instituutio on upea sekoitus rokokootaidetta ja klassikoita. Siinä on kevyt ja ilmava tunnelma, jota rokokoolta odotetaan, toisin kuin hänen aikaisemmissa töissään kokeilu- ja tenebrismivaiheessa. Muutos johtuu hänen kiinnostuksestaan ​​teoksiin Paolo Veronese nähty Undinen palatsissa. Tämä kattofresko muistutti hartauskäytäntöjen tuloa katolisessa kirkossa rukouksesta meditaatioihin, joita auttoi rukous. Fresko antaa illuusion katsoa ylös taivaalle, varhaisen valtakunnan taakse. Hän käyttää saumattomasti optinen illuusio koko maalauksen ajan.

Rosaryn instituutio (Lähikuva), Giovanni Battista Tiepolo, 1738-1739, skannattu kuva 1800-luvun eurooppalaisesta taiteesta: Kolmas painos

Tässä taideteoksessa on niin paljon yksityiskohtia, koska se viestii rukouksen todellisen instituution eeppisenä tarinana. Portaiden huipulla St. Dominic jakaa rukouskirjeitä niille, jotka haluavat paeta maallisen valtakunnan tuskaa ja syntiä ja tulla tervetulleiksi taivaaseen uskonnollisen harjoituksen ja uskon kautta. Alhaalla, jos katsot tarkasti pohjaa, on haalistunut, aavemaisen näköinen käsi, joka nousee esiin pimeydestä ikään kuin nousisi myös taivaaseen.

Tämä on ilmeistä, koska Neitsyt Maria ja lapsi Kristus leijuvat hänen yläpuolellaan taivaan valtakunnassa enkelien kanssa. Illuusio freskosta vuotavasta pohjasta yhdistää maalauksen katsojiin siten, että se koskettaa valtakuntaamme ja lisää mielenkiintoa. Hänen tekniikansa ansiosta taiteesta itsestään tulee visuaalinen metafora; se ohjaa silmämme näkemään sielun kuljetuksen, jonka uskonto johtaa maasta taivaaseen.

Rosaryn instituutio (Lähikuva II), Giovanni Battista Tiepolo, 1738-1739, skannattu kuva 1800-luvun eurooppalaisesta taiteesta: kolmas painos

Lopuksi on teoria, jonka mukaan tämä fresko oli tarkoitettu uskonnolliseksi propagandaksi. Tämä taideteos on vastaus kirkon vastareformaatioon. Houkuttelevien kuvien ja trompe-l’œilin käyttö oli, jotta katolinen kirkko voisi tuoda enemmän ihmisiä takaisin uskonpuhdistuksen seurauksena syntyneestä protestanttisesta uskomuksesta. Protestanttisessa uskossa uskotaan, että niin romantisoituneessa uskossa kuin katolisessa uskossa ei ole tarvetta kuville. Tältä osin voidaan sanoa, että kirkolla oli valta, koska inhimillisen uteliaisuuden vuoksi lohdutusta oli enemmän tunnetussa kuin tuntemattomassa. Hänen teoksensa käyttäminen tällä tavalla linjaa Tiepolon enemmän William Hogarthin vankkumattomien ihanteiden kanssa, mikä merkitsi viestien lähettämistä taiteen kautta sen sijaan, että vedottaisiin vain aristokratian oikkuihin.

Espanjan monarkian apoteoosi Kirjailija: Giovanni Battista Tiepolo 1760-luvulla New Yorkin Metropolitan Museum of Artin kautta

Espanjan monarkian apoteoosi on enemmän sitä, mitä voisi odottaa rokokootaideliikkeen uskonnollisista kuvista, mutta silloinkin sen eeppinen luonne muuttaa freskon painon. Venus modestan näkeminen rennosti ei ole sama asia kuin monarkian rinnastaminen jumaliin. Tiepolon freskot vahvistivat uudelleen katolisen kirkon otetta ja Jumalan opetusten voimaa. Paitsi, että hän auttoi kohottamaan aristokraatteja sen sijaan, että vain viihdyttäisi ja imarteli heitä.

3. Arjen teatterit ranskalaisessa rokokoossa

Rikkoutuneet munat Kirjailija: Jean-Baptiste Greuze , 1756, Metropolitan Museum of Art, New Yorkin kautta

Chardinin tavoin näemme Jean-Baptiste Greuzen taiteessa välähdyksiä jokapäiväisestä. Toisin kuin Chardin, Greuze dramatisoi tavallisten ihmisten elämää sen sijaan, että kuvaisi heitä vain satunnaisesti. Rokokootaideliikkeeltä odotetaan enemmän teatteria. Hänen maalauksissaan on enemmän uusklassista tunnelmaa kuin Chardinin teoksissa, mikä antaa uskoa varakkaiden ihmisten kiinnostukselle keskiluokan elämään mitä pinnallisimmalla tavalla.

Aatelisto halusi ennen kaikkea viihdettä. Tarkkuudella ei ollut väliä, tärkeintä oli tarina ja esteettinen vetovoima, minkä vuoksi teokset William Hogarth hämmensi ja loukkasi monia. Greuzen Rikkoutuneet munat on perheen raivoa tyttärensä neitsyyden menettämisestä. Sen vuoksi rikkinäisten munien kautta välittyy metafora, jonka aristokraatit pitivät skandaalissaan viihdyttävänä. Greuze vetosi edelleen draamaan, jota varakkaat rakastivat ranskalaisesta rokokoosta.

Isän kirous – Kiittämätön poika Kirjailija: Jean-Baptiste Greuze , 1777, Louvre Collections -sivuston kautta

Isän kirous – Kiittämätön poika on toinen loistava esimerkki skandaalisista kohtauksista, joissa aristokratia menestyi. Tässä maalauksessa poika haluaa jättää perheensä armeijaan, kun koko hänen perheensä vastustaa sitä. Tästä maalauksesta huokuu vihaa, turhautumista ja pelkoa. Hauskaa on myös, jos katsot äärioikealle, jossa pojan ystävä viihtyy hetken absurdiudesta. Greuzen luomat dramaattiset liikkeet muistuttavat uusklassista ja Barokki teoksia, jotka viihdyttävät samalla tavalla pinnallisella ja allegorisella tasolla. Luodessaan tämän vaikutuksen Greuze pystyi kohottamaan alemman luokan elämää.

4. Innovatiivinen muotokuva ja aihe

Neljän mantereen allegorioita: Amerikan personifikaatio Kirjailija: Rosalba Carriera , ennen vuotta 1720, Cooper Hewitt -kokoelman kautta

Mitä asettaa Rosalba Carrieran työskentely De La Toursin ja muiden lisäksi on hänen herkkä hienovaraisuus, kun hän sekoitti värejä ja huomiota yksityiskohtiin idealoimatta aiheita täysin. Hänen Neljän mantereen allegorioita sarja on tästä hyvä esimerkki. Hänen taideteoksensa ovat tasapainossa realistista ja ideaalista muotoa, toisin kuin monet ranskalaiset rokokootyöt, jotka pyrkivät välittämään vain ideaalista muotoa. Hän halusi myös käyttää pastelliväreissään pieniä yksityiskohtia saadakseen vilauksen aiheensa asioihin sen sijaan, että antaisi kaiken pois, kuten monet rokokookappaleet yleensä tekevät. On ilmeistä, että hän käytti rajoitettua palettia saavuttaakseen tämän tasapainon ja yhtenäisyyden yksittäisissä teoksissa.

Neljän mantereen vertauskuvat: Afrikan personifikaatio Kirjailija: Rosalba Carriera , ennen vuotta 1720, Smithsonian-verkkosivuston kautta

Toisin kuin monet ennen häntä taidemaalarit, Carrieralla ei ollut epäilystäkään ulkomaisten aiheiden satunnaisesta maalaamisesta. Näyttää siltä, ​​että aina kun ulkomaalainen kuvattiin, se johtui siitä, että he olivat kuolemassa, joutuivat roistoksi, köyhtymään tai seksualisoitumaan, mutta Carriera antoi katsojilleen jotain erilaista. Se ei tarkoita sitä kaikki taiteilijat pysyivät kuitenkin näissä laatikoissa. Jean-Baptiste Belleyn muotokuva Kirjailija: Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson on hieno esimerkki vieraan aiheen kunnioittavasta maalaamisesta. Mutta sitten toisessa päässä, sinulla on hänen Kairon kapina , joka on sotaa ja kuolemaa ja vieraiden ihmisten roistoa. Carriera auttoi vaikuttamaan rokokoon hienovaraisempiin puoliin draaman ja minimaalisten varusteiden sijaan, luultavasti inspiroimalla Chardinin kaltaisia ​​tapoja, joilla hän esitti aiheensa yksinkertaisemmin kuin kollegansa.

5. Tuomio ja kyynisyys rokokootaidessa

Ennen Kirjailija: William Hogarth , 1736, Metropolitan Museum of Art New Yorkin kautta

William Hogarth, katkeruuden ja satiirin rokokookuningas, on erinomainen esimerkki siitä, mitä ihmiset älä ajattele, kun he ajattelevat rokokootaidetta. Ei ole röyhelöitä, ei ole sokeripäällystettä, vain raaka totuus elämästä yläluokassa. Kun William Hogarth toimittaa meille kuvia naisista, he ovat joko surkeita tai manian tilassa. Hän kuvaa naisia ​​tavalla, jossa he eivät ole koskaan onnellisia, tai jos ovat, se on pohjimmiltaan tyyntä ennen myrskyä. Tämä hehkutus ei ole samanlainen kuin teokset Jean-Honore Fragonard . Se ei ole romantiikkaa, vain naisen epämukavuus ja miehen halu tyydyttää seksuaalisia halujaan riippumatta siitä, miltä naisesta tuntuu. Sisään Ennen, naisen innostuksen puute käy vielä selvemmin ilmi kirjasta hurskaudesta hänen turhamaisuudestaan.

Jälkeen Kirjailija: William Hogarth , 1736, Metropolitan Museum of Art, New Yorkin kautta

Hogarthin toinen etsaus, asianmukaisesti nimetty Jälkeen on osa kaksi Ennen . Rokokootaideliikkeelle tyypilliseksi pidetystä jutusta puuttuu mausteisuus ja pörröisyys. Ei näytä siltä, ​​että nainen nautti olostaan, vain mies oli saanut kylläisensä, vetäen housunsa ylös kiireessä lähteäkseen. Hänenkoiran allekirjoituskäyttövälittää heidän suhteensa epävakauden, ensin Ennen se haukkuu villisti molemmille, koiralle kasvot poispäin tässä työssä, hiljaisella hyväksynnällä mutta pettymyksellä. Ei ole yllätys, että Hogarthin rokokoo-tulkinnan ydin kääntää pohjimmiltaan kaiken ranskalaisesta rokokoosta päälaelleen. Hän halusi muuttaa sitä, mitä rokokootaideliikkeen pitäisi olla, kaikissa kyynisissä teoksissaan.